ARTIST LIST

COLLECTION LIST

GERHARD RICHTER:Abstrakte Skizze (Abstract Sketch)
GERHARD RICHTER:Abstrakte Skizze (Abstract Sketch)
GERHARD RICHTER:Abstrakte Skizze (Abstract Sketch)
GERHARD RICHTER:Abstrakte Skizze (Abstract Sketch)
GERHARD RICHTER:Abstrakte Skizze (Abstract Sketch)
  • GERHARD RICHTER:Abstrakte Skizze (Abstract Sketch)
  • GERHARD RICHTER:Abstrakte Skizze (Abstract Sketch)
  • GERHARD RICHTER:Abstrakte Skizze (Abstract Sketch)
  • GERHARD RICHTER:Abstrakte Skizze (Abstract Sketch)
  • GERHARD RICHTER:Abstrakte Skizze (Abstract Sketch)
GERHARD RICHTER
Abstrakte Skizze (Abstract Sketch)
Year: 1991
Medium: oil on canvas, signed, dated VII. 91 and numbered 749-7 on the reverse
Dimensions: 30 x 35 cm (11 3/4 × 13 3/4 in.)
Acquired from Sotheby’s, 2022
リヒターの最も重要な作品シリーズである「Abstrakte (Abstract)」の一点。リヒターは関連性のあるひとまとまりの作品群を同じレゾネ番号(全作品管理番号)で分類している。本作はレゾネ番号749番の12点あるシリーズの7番目に作られたものであることがわかる。本作品及びシリーズ749番は、他のAbstrakteとは異なり、同じく最重要シリーズである「Photo Painting」との高い関連性が指摘される。なぜなら749シリーズの1~4番は「Bühler Höhe」と個別にタイトルが付された上で「Photo Painting」に分類されているからである。霧がかった丘の木立を描いたものだ。よって、本作もそこに連なるものとして理解されるべきであるため、極めて抽象化されているものの、丘の緑と木立の構図が辛うじて画面に残っていると分析される。後続する5作ではさらなる抽象化が重ねられ、ほぼ原型を留めてはいない。リヒターの元パートナーである彫刻家イザ・ゲンツケン(Isa Genzken)の旧所蔵品というこの上ない来歴があるものの、ゲンツケンが手放した後一時的に所在が不確かであったため、2015年に作成されたカタログレゾネ(全作品集)においては、同様のいくつかの作品とともに誤って破棄されたものとして記載されている(現在は証明済)。

展示会履歴

ARTIST LIST
BERNARD FRIZE:Bitje
BERNARD FRIZE:Bitje
BERNARD FRIZE:Bitje
BERNARD FRIZE:Bitje
BERNARD FRIZE:Bitje
  • BERNARD FRIZE:Bitje
  • BERNARD FRIZE:Bitje
  • BERNARD FRIZE:Bitje
  • BERNARD FRIZE:Bitje
  • BERNARD FRIZE:Bitje
BERNARD FRIZE
Bitje
Year: 2019
Medium: Acrylic and resin on canvas
Dimensions: 135 × 105 cm (53 1/8 × 41 3/8 in.)
Acquired from PERROTIN, 2022
虹のようなストライプ、彩雲のような滲み、樹脂と絵具を併用することで作られる滑らかで光を内包するような画面。フリズは一枚の絵画を描くにあたって、あらかじめ規則や法則を決めてから取り掛かる。色彩、構図、絵筆の種類に至るまで、綿密な計画が用意される。極めて複雑化されたフリズの制作手順を鑑賞者が追跡することは非常に困難である。絵画はそもそも基本的な制約が多い表現手法だ。四角いキャンバスに絵を収めねばならないことが通常で、絵具を使うにも知識と技術の習熟度が物をいう。しかし、そうして限られた範囲において、それを打破しあるいは超越することで絵画の歴史は豊かに発展してきた。制約があるからこそ、その限りにおいて想像力は芳醇さを増すという側面もあるということである。フリズはその絵画表現の制約と芳醇を一つのキャンバス上に濃縮して見せる。
ARTIST LIST
名和晃平 / KOHEI NAWA:PixCell - Deer 40
名和晃平 / KOHEI NAWA:PixCell - Deer 40
名和晃平 / KOHEI NAWA:PixCell - Deer 40
名和晃平 / KOHEI NAWA:PixCell - Deer 40
名和晃平 / KOHEI NAWA:PixCell - Deer 40
名和晃平 / KOHEI NAWA:PixCell - Deer 40
  • 名和晃平 / KOHEI NAWA:PixCell - Deer 40
  • 名和晃平 / KOHEI NAWA:PixCell - Deer 40
  • 名和晃平 / KOHEI NAWA:PixCell - Deer 40
  • 名和晃平 / KOHEI NAWA:PixCell - Deer 40
  • 名和晃平 / KOHEI NAWA:PixCell - Deer 40
  • 名和晃平 / KOHEI NAWA:PixCell - Deer 40
名和晃平 / KOHEI NAWA
PixCell - Deer 40
Year: 2015
Medium: Mixed media : Glass beads, taxidermy, aluminum
Dimensions: 133.4 x 71.8 x 55 cm (52 1/2 x 28 1/4 x 21 5/8 in.)
Acquired from Phillips, 2022
名和晃平という作家を最も世に知らしめている『PixCell』シリーズの鹿。数ある名和作品の中でも、鹿の作品こそがまさにシグニチャーと呼ぶにふさわしい人気と評価を得ている。NYのメトロポリタン美術館、メルボルンのヴィクトリア国立美術館など、国内外のインスティテュートがコレクションしている。日本において鹿は神使として聖視されてきた。名和による別の作品「White Deer」は神獣としての鹿の表象であることを作家が公言しており、また、メトロポリタン美術館の作品解説では「PixCell-Deer」と「春日鹿曼荼羅」の関連を指摘している。この点からビーズの役割を再考すると、日輪の円相でもあるのだと理解されよう。日輪とは転じて太陽の謂とされる神鏡でもあるのだから、鑑賞者はビーズ一つ一つが鏡として反射する自らの視線とも常に対峙させられる。無数の日輪の光によって鹿を覆い隠すビーズは人の世とそうでないものとを隔てる物理的境界であり、同時に精神的結界でもあるだろう。
ARTIST LIST
BERNARD FRIZE:Untitled
BERNARD FRIZE:Untitled
BERNARD FRIZE:Untitled
BERNARD FRIZE:Untitled
BERNARD FRIZE:Untitled
  • BERNARD FRIZE:Untitled
  • BERNARD FRIZE:Untitled
  • BERNARD FRIZE:Untitled
  • BERNARD FRIZE:Untitled
  • BERNARD FRIZE:Untitled
BERNARD FRIZE
Untitled
Year: 1984
Medium: oil on canvas
Dimensions: 162 × 130 cm (36 3/ 4 × 51 1/4 in.)
Acquired from Sotheby's, 2022
本作は、一般的なフリズのティピカルなイメージとは異なり、ストロークでもストライプでもなく、一見ランダムな色面の重なりで構成されている。しかし、フリズである。この無秩序に思える作品の中にも規則があり、何らかの制約を課しているはずである。色彩と構図に何かロジックがあるのだろうか、それとも色を重ねる順序に法則があるのか、いや、もっと目につかない部分でルールがあるのかもしれない。この色彩の無軌道な重なりに目が慣れきった頃に、ようやく奥底に人物や動物の姿が浮かび上がってくる。作家が意図してその具象性を秘匿しているとしか思えない。闇雲にこの絵画が描かれているわけはなく、フリズの目には明らかにそこにあったはずの具象性を鑑賞者がまるで見出せないとするならば、それはもはや芸術表現として超常の域に達していることの証左ではないだろうか。
ARTIST LIST
ADRIAN GHENIE:Impossible Body 4
ADRIAN GHENIE:Impossible Body 4
ADRIAN GHENIE:Impossible Body 4
ADRIAN GHENIE:Impossible Body 4
ADRIAN GHENIE:Impossible Body 4
  • ADRIAN GHENIE:Impossible Body 4
  • ADRIAN GHENIE:Impossible Body 4
  • ADRIAN GHENIE:Impossible Body 4
  • ADRIAN GHENIE:Impossible Body 4
  • ADRIAN GHENIE:Impossible Body 4
ADRIAN GHENIE
Impossible Body 4
Year: 2022
Medium: charcoal on paper
Dimensions: 65 x 100 cm (25 5/8 x 39 3/8 in.)
Acquired from Pace Gallery, 2022
本作はこれまで主に絵画を主体とした制作でしられるゲーニーにとって初めての本格的な木炭画によるシリーズの一点である。Otto DixやWillem de Kooningなどと比較して述べられるようにゲーニーの作品は具象と抽象の狭間にある。人間の精神と肉体の内に秘められたものを剥き出しにしたかような表現で知られる。これまでのキャンバスの作品では、絵具の流動性を生かした滑らかなストロークによって柔らかい肉感を伴った官能的とも言える描写がその特徴を増幅させていた。本作では紙に木炭という、全く異なる素材でありながらも、キャンバスと絵具で獲得してきたゲーニー特有の生々しい表現を見事なまでに実現している。モノクロームでありながらも色を感じさせるほどに豊かな濃淡のコントロールと、紙上を澱みなく走る木炭の線の強弱によって項垂れる人物から滲み出すような暗い心理を描写し切っている。新しいテクノロジーに対して忌避を感じるというゲーニー自身の投影だろうか、人物の手に握りしめられたスマートフォンのような持物がこの作品全体を覆う不安定さを象徴しているように思われる。

展示会履歴

ARTIST LIST
AGNES MARTIN:untitled
AGNES MARTIN:untitled
AGNES MARTIN:untitled
AGNES MARTIN:untitled
AGNES MARTIN:untitled
AGNES MARTIN:untitled
AGNES MARTIN:untitled
  • AGNES MARTIN:untitled
  • AGNES MARTIN:untitled
  • AGNES MARTIN:untitled
  • AGNES MARTIN:untitled
  • AGNES MARTIN:untitled
  • AGNES MARTIN:untitled
  • AGNES MARTIN:untitled
AGNES MARTIN
untitled
Year: 1995
Medium: watercolor, graphite, ink on paper
Dimensions: image size: 22.9 x 22.9 cm (9 x 9 in.) / sheet size: 27.9 x 27.9 cm (11 x 11 in.)
Acquired from Phillips, 2022
アグネス・マーティンは特定サイズの正方形のキャンバスに消え入るような儚い水平線あるいはグリッドのラインを引く作品で知られる。本作はマーティンが終生にわたって数多く残したペーパーワークの一点である。白、赤、青の水平の帯が、2:1:1の幅で繰り返されている。遠くから眺めると工業製品を思わせる機械的な線の集合にすぎないが、間近にみると手仕事の細かな揺らぎや乱れもあり、淡い色面にも思いの外、塗りの表情があることに気づく。水彩の滲むような風合いが、この端正な画面の中で数少ない作家の息遣いを感じさせる要素となっている。人生の後半、マーティンはニュー・メキシコのタオスに住んだ。タオスは砂漠地帯の荒野にあり、マーティンに先んじてオキーフが好んで滞在制作した土地としても知られる。海を見て形態を思い浮かべることはないように自らの絵画もまた無形の抽象表現である、と述べたマーティンの内面と、この茫漠とした荒野は響くものがあったのではないだろうか。仏教や禅に親しんだ作家でもある。淡い色彩と端正な線の奥にマーティンが見出そうとしたものは何か、静かな思索を促す作品である。
ARTIST LIST
ジェイド ・ファドジュティミ / JADÉ FADOJUTIMI:A Patchwork Trail
ジェイド ・ファドジュティミ / JADÉ FADOJUTIMI:A Patchwork Trail
ジェイド ・ファドジュティミ / JADÉ FADOJUTIMI:A Patchwork Trail
ジェイド ・ファドジュティミ / JADÉ FADOJUTIMI:A Patchwork Trail
ジェイド ・ファドジュティミ / JADÉ FADOJUTIMI:A Patchwork Trail
ジェイド ・ファドジュティミ / JADÉ FADOJUTIMI:A Patchwork Trail
  • ジェイド ・ファドジュティミ / JADÉ FADOJUTIMI:A Patchwork Trail
  • ジェイド ・ファドジュティミ / JADÉ FADOJUTIMI:A Patchwork Trail
  • ジェイド ・ファドジュティミ / JADÉ FADOJUTIMI:A Patchwork Trail
  • ジェイド ・ファドジュティミ / JADÉ FADOJUTIMI:A Patchwork Trail
  • ジェイド ・ファドジュティミ / JADÉ FADOJUTIMI:A Patchwork Trail
  • ジェイド ・ファドジュティミ / JADÉ FADOJUTIMI:A Patchwork Trail
ジェイド ・ファドジュティミ / JADÉ FADOJUTIMI
A Patchwork Trail
Year: 2022
Medium: acrylic, oil, oil bar, oil pastel on canvas
Dimensions: 200 x 170 cm (78 3/4 x 66 7/8 in.)
Acquired from Taka Ishii Gallery, 2022
深い森にふと明るい光が差し込んだような清涼感のある作品。落ち着いた緑の色面が広がるその奥に、まるで木漏れ日のようにまばらに明るい黄色やピンクが覗いている。透明度の高い絵具を重ねているのだろう。近づいてみると非常に多様な色彩が何重にも折り重なっているのが透けて見える。本作が力強くも大胆な筆致ながらも繊細で美しい光を湛えているのはこのためだ。ただ力任せに筆を振るうのではなく、色と光と線とを自在に操りながら、その時々において画面から迸り出す素晴らしいヴィジョンを捕まえていくことが楽しくて堪らない、そういった作家の姿が目に見えるようである。不意に空間を切り裂くように入れられた黒い枝のような描写は、奔放さに酔いしれそうになる画面に程よい緊張感を与えている。タイトルにあるTrailとは何かが残した痕跡を意味する。ファドジュティミは制作にあたって音、場所、テキストなどさまざまなものに惹起されたインスピレーションによって絵画を生み出す。本作におけるファドジュティミがそうであるように、作品にその美しい霊感の痕跡を残すことで寄る辺ない鑑賞者である我々にその道を開き示すのは良き画家の仕事であるだろう。
ARTIST LIST
THEASTER GATES:Slaves, Ex Slaves
THEASTER GATES:Slaves, Ex Slaves
THEASTER GATES:Slaves, Ex Slaves
THEASTER GATES:Slaves, Ex Slaves
THEASTER GATES:Slaves, Ex Slaves
  • THEASTER GATES:Slaves, Ex Slaves
  • THEASTER GATES:Slaves, Ex Slaves
  • THEASTER GATES:Slaves, Ex Slaves
  • THEASTER GATES:Slaves, Ex Slaves
  • THEASTER GATES:Slaves, Ex Slaves
THEASTER GATES
Slaves, Ex Slaves
Year: 2021
Medium: Neon mounted on aluminum backing
Dimensions: 36 1/2h x 34 3/4w x 10.16d in 92.71h x 88.27w x 10.16d cm
Acquired from Monastery Foundation, 2022
大学で彫刻と陶芸、都市計画、宗教学を学んだシアスター・ゲイツは、シカゴのサウスサイド地区で手掛けた黒人コミュニティ再生の画期的なプロジェクトで知られているが、自らの本質は陶芸家だと言う。1999年に愛知県常滑市に滞在して陶芸を学び、以来何度も来日し日本の「民藝」の思想に深く共鳴したゲイツは、近年、日本の哲学とブラックアイデンティティを融合させた「アフロ民藝」に取り組んでいる。本作は、「STILL ALIVE国際芸術祭あいち2022」の常滑市会場にて、休眠状態にあった古い住宅を生まれ変わらせたインスタレーション「The Listening House」で展示された。ブルーのネオン管でかたどっているのは、1900年パリ万国博覧会においてアメリカの社会学者・黒人運動家のW.E.B.デュボイスが展示したブラック・アメリカンの歴史と実情を示す統計資料のひとつ、アメリカの黒人のうち奴隷が占める割合のチャートである。左端の1790年から右へ70年間、図の下部分に黒で示された奴隷の割合は上のネオン管部分（＝自由）を圧倒し続け、1863年の奴隷解放宣言を経てようやく、右端の1870年には100%が自由な黒人となる。現代まで反映される、アメリカ社会が抱える歴史の闇を浮き彫りにする鋭い目線ながら、どこかノスタルジックで詩的なたたずまいの、ネオンによる彫刻作品である。

展示会履歴

ARTIST LIST
名和晃平 / KOHEI NAWA:PixCell - Mandarin Duck
名和晃平 / KOHEI NAWA:PixCell - Mandarin Duck
名和晃平 / KOHEI NAWA:PixCell - Mandarin Duck
名和晃平 / KOHEI NAWA:PixCell - Mandarin Duck
名和晃平 / KOHEI NAWA:PixCell - Mandarin Duck
名和晃平 / KOHEI NAWA:PixCell - Mandarin Duck
名和晃平 / KOHEI NAWA:PixCell - Mandarin Duck
  • 名和晃平 / KOHEI NAWA:PixCell - Mandarin Duck
  • 名和晃平 / KOHEI NAWA:PixCell - Mandarin Duck
  • 名和晃平 / KOHEI NAWA:PixCell - Mandarin Duck
  • 名和晃平 / KOHEI NAWA:PixCell - Mandarin Duck
  • 名和晃平 / KOHEI NAWA:PixCell - Mandarin Duck
  • 名和晃平 / KOHEI NAWA:PixCell - Mandarin Duck
  • 名和晃平 / KOHEI NAWA:PixCell - Mandarin Duck
名和晃平 / KOHEI NAWA
PixCell - Mandarin Duck
Year: 2018
Medium: Mixed media : Glass beads, taxidermy, aluminum
Dimensions: 26 x 38 x 38 cm (10 1/4 x 15 x 15 in.)
Acquired from SBI Art Auction, 2022
名和の代表的なシリーズ『PixCell』の一点。一羽のオシドリの剥製が無数のビーズに覆われている。通常ならば鑑賞価値が高いはずの美しい婚姻色の羽毛が、ビーズによって具には視認できない。ビーズは透明で、一つ一つは容易にその内側に視線を通すが、大小さまざまな大きさの粒(Cell)が体表を覆ってしまっているが故に「オシドリ」という一個体が粒子状の小さな単位(Pixel)の集合へと緩やかに分解されてしまう。まるで細胞の生まれ変わりを可視化するかのようだ。美しい姿が剥製として永続性を与えられ、なおかつ無数のビーズが堅牢にそれを守る構造になっている。しかし、それとは真逆に、視覚的には分解や崩壊を強く示唆し、鑑賞者の目をはぐらかし、拒絶するような手つきも感じさせる。そこにあることは明白であるにも関わらず、直接「オシドリ」に触れることはできず、鮮明に見ることすらも叶わない。

展示会履歴

ARTIST LIST
村上隆 x VIRGIL ABLOH / TAKASHI MURAKAMI x VIRGIL ABLOH:Bernini DOB: Carmine Pink and Black
村上隆 x VIRGIL ABLOH / TAKASHI MURAKAMI x VIRGIL ABLOH:Bernini DOB: Carmine Pink and Black
村上隆 x VIRGIL ABLOH / TAKASHI MURAKAMI x VIRGIL ABLOH:Bernini DOB: Carmine Pink and Black
村上隆 x VIRGIL ABLOH / TAKASHI MURAKAMI x VIRGIL ABLOH:Bernini DOB: Carmine Pink and Black
村上隆 x VIRGIL ABLOH / TAKASHI MURAKAMI x VIRGIL ABLOH:Bernini DOB: Carmine Pink and Black
  • 村上隆 x VIRGIL ABLOH / TAKASHI MURAKAMI x VIRGIL ABLOH:Bernini DOB: Carmine Pink and Black
  • 村上隆 x VIRGIL ABLOH / TAKASHI MURAKAMI x VIRGIL ABLOH:Bernini DOB: Carmine Pink and Black
  • 村上隆 x VIRGIL ABLOH / TAKASHI MURAKAMI x VIRGIL ABLOH:Bernini DOB: Carmine Pink and Black
  • 村上隆 x VIRGIL ABLOH / TAKASHI MURAKAMI x VIRGIL ABLOH:Bernini DOB: Carmine Pink and Black
  • 村上隆 x VIRGIL ABLOH / TAKASHI MURAKAMI x VIRGIL ABLOH:Bernini DOB: Carmine Pink and Black
村上隆 x VIRGIL ABLOH / TAKASHI MURAKAMI x VIRGIL ABLOH
Bernini DOB: Carmine Pink and Black
Year: 2018
Medium: Acrylic on canvas mounted on aluminum
Dimensions: 141.6 × 120.3 cm (55 3/4 × 47 3/8 in.)
Acquired from SBI Art Auction, 2022
2000年に提唱した「スーパーフラット」を日本から世界に通用する美術概念として確立し、名実ともに日本を代表する現代美術作家である村上隆と、ハイエンドストリートブランドのOff-Whiteを主宰し、早過ぎた晩年にはLuis Vuittonのクリエイティブディレクターを務めたヴァージル・アブローの両者によるコラボレーションワーク。アブローがOff-Whiteの2018年の秋冬コレクションで使用した17世紀イタリアの彫刻家Gian Lorenzo Berniniの自画像と、村上のキャラクターであるDOB君という、両極端とも言えるポートレートがミックスされている。2018年を通じてGagosian Galleryのロンドン、パリ、ロサンゼルスと立て続けに開催された二人の展覧会では本作に連なる『Bernini DOB』のさまざまなヴァリエーションが展観された。

展示会履歴

ARTIST LIST
GERHARD RICHTER:Kanarische Landschaften I [Canary Landscapes I (Butin 39)]
GERHARD RICHTER:Kanarische Landschaften I [Canary Landscapes I (Butin 39)]
GERHARD RICHTER:Kanarische Landschaften I [Canary Landscapes I (Butin 39)]
GERHARD RICHTER:Kanarische Landschaften I [Canary Landscapes I (Butin 39)]
GERHARD RICHTER:Kanarische Landschaften I [Canary Landscapes I (Butin 39)]
GERHARD RICHTER:Kanarische Landschaften I [Canary Landscapes I (Butin 39)]
GERHARD RICHTER:Kanarische Landschaften I [Canary Landscapes I (Butin 39)]
GERHARD RICHTER:Kanarische Landschaften I [Canary Landscapes I (Butin 39)]
GERHARD RICHTER:Kanarische Landschaften I [Canary Landscapes I (Butin 39)]
GERHARD RICHTER:Kanarische Landschaften I [Canary Landscapes I (Butin 39)]
GERHARD RICHTER:Kanarische Landschaften I [Canary Landscapes I (Butin 39)]
GERHARD RICHTER:Kanarische Landschaften I [Canary Landscapes I (Butin 39)]
GERHARD RICHTER:Kanarische Landschaften I [Canary Landscapes I (Butin 39)]
GERHARD RICHTER:Kanarische Landschaften I [Canary Landscapes I (Butin 39)]
GERHARD RICHTER:Kanarische Landschaften I [Canary Landscapes I (Butin 39)]
GERHARD RICHTER:Kanarische Landschaften I [Canary Landscapes I (Butin 39)]
GERHARD RICHTER:Kanarische Landschaften I [Canary Landscapes I (Butin 39)]
GERHARD RICHTER:Kanarische Landschaften I [Canary Landscapes I (Butin 39)]
GERHARD RICHTER:Kanarische Landschaften I [Canary Landscapes I (Butin 39)]
GERHARD RICHTER:Kanarische Landschaften I [Canary Landscapes I (Butin 39)]
GERHARD RICHTER:Kanarische Landschaften I [Canary Landscapes I (Butin 39)]
GERHARD RICHTER:Kanarische Landschaften I [Canary Landscapes I (Butin 39)]
GERHARD RICHTER:Kanarische Landschaften I [Canary Landscapes I (Butin 39)]
GERHARD RICHTER:Kanarische Landschaften I [Canary Landscapes I (Butin 39)]
  • GERHARD RICHTER:Kanarische Landschaften I [Canary Landscapes I (Butin 39)]
  • GERHARD RICHTER:Kanarische Landschaften I [Canary Landscapes I (Butin 39)]
  • GERHARD RICHTER:Kanarische Landschaften I [Canary Landscapes I (Butin 39)]
  • GERHARD RICHTER:Kanarische Landschaften I [Canary Landscapes I (Butin 39)]
  • GERHARD RICHTER:Kanarische Landschaften I [Canary Landscapes I (Butin 39)]
  • GERHARD RICHTER:Kanarische Landschaften I [Canary Landscapes I (Butin 39)]
  • GERHARD RICHTER:Kanarische Landschaften I [Canary Landscapes I (Butin 39)]
  • GERHARD RICHTER:Kanarische Landschaften I [Canary Landscapes I (Butin 39)]
  • GERHARD RICHTER:Kanarische Landschaften I [Canary Landscapes I (Butin 39)]
  • GERHARD RICHTER:Kanarische Landschaften I [Canary Landscapes I (Butin 39)]
  • GERHARD RICHTER:Kanarische Landschaften I [Canary Landscapes I (Butin 39)]
  • GERHARD RICHTER:Kanarische Landschaften I [Canary Landscapes I (Butin 39)]
  • GERHARD RICHTER:Kanarische Landschaften I [Canary Landscapes I (Butin 39)]
  • GERHARD RICHTER:Kanarische Landschaften I [Canary Landscapes I (Butin 39)]
  • GERHARD RICHTER:Kanarische Landschaften I [Canary Landscapes I (Butin 39)]
  • GERHARD RICHTER:Kanarische Landschaften I [Canary Landscapes I (Butin 39)]
  • GERHARD RICHTER:Kanarische Landschaften I [Canary Landscapes I (Butin 39)]
  • GERHARD RICHTER:Kanarische Landschaften I [Canary Landscapes I (Butin 39)]
  • GERHARD RICHTER:Kanarische Landschaften I [Canary Landscapes I (Butin 39)]
  • GERHARD RICHTER:Kanarische Landschaften I [Canary Landscapes I (Butin 39)]
  • GERHARD RICHTER:Kanarische Landschaften I [Canary Landscapes I (Butin 39)]
  • GERHARD RICHTER:Kanarische Landschaften I [Canary Landscapes I (Butin 39)]
  • GERHARD RICHTER:Kanarische Landschaften I [Canary Landscapes I (Butin 39)]
  • GERHARD RICHTER:Kanarische Landschaften I [Canary Landscapes I (Butin 39)]
GERHARD RICHTER
Kanarische Landschaften I [Canary Landscapes I (Butin 39)]
Year: 1971
Medium: Heliogravure (the complete set of 6 works with original case)
Dimensions: image: 11.8 × 22.7 cm (4 5/8 × 8 7/8 in.) - 15.3 x 24.4 cm (6 x 9 5/8 in.) sheet: 39.5 x 50.1 cm (15 1/2 x 19 3/4 in.) each
Edition: No.29 of 100
Acquired from SBI Art Auction, 2022
現存作家の最高峰とさえ目される、ドイツ国内のみならず世界の現代美術における不動の巨星。リヒターは写真、絵画、ガラス、鏡などさまざまな素材の平面作品を手掛ける。本作品は、1969年にカナリア諸島にて撮影した写真をもとに制作されたいくつかあるシリーズの一つで、6枚組の連続性が美しい。リヒターの絵画は大きく「Abstract(抽象絵画)」と「Photo Painting(写真的絵画)」に分けられる。「Photo Painting」シリーズの中でも「Landscapes」に分類される風景描写の絵画作品は最初期からかなりの数が制作されており、本作と同じくカナリア諸島を題材にしたものもやはり複数存在する。リヒターの「写真のような絵画」が、いかにも写真のように見えるその理由は、本作のような写真と、彼の絵画を見比べた時により明確に理解されることだろう。写真の「写真らしさ」をいかに絵画のテクニックで写実するか、ということを「Photo Painting」では見せているからだ。本作は、そのリヒターの根幹とも言えるコンセプトを理解する上で欠かせない重要な作品だと言える。
ARTIST LIST
GERHARD RICHTER:4. 3. 89
GERHARD RICHTER:4. 3. 89
GERHARD RICHTER:4. 3. 89
GERHARD RICHTER:4. 3. 89
GERHARD RICHTER:4. 3. 89
  • GERHARD RICHTER:4. 3. 89
  • GERHARD RICHTER:4. 3. 89
  • GERHARD RICHTER:4. 3. 89
  • GERHARD RICHTER:4. 3. 89
  • GERHARD RICHTER:4. 3. 89
GERHARD RICHTER
4. 3. 89
Year: 1989
Medium: oil on color photograph
Dimensions: 10.2 x 15.2 cm (4 × 6 in.)
Acquired from PHILLIPS, 2022
リヒターが自ら撮影した家族や自宅、あるいは訪れた街の風景などの写真に、油彩を施した「Overpainted Photograph」のシリーズの中でも、特に「Rural Landscape」(田園風景)と分類されているものの一点。背景の写真に写っているのは山岳の風景だろうか。岩場に残された雪も見え、厳しい環境が想像される。下半分を黒々と覆い隠すように塗られた絵の具は何を意図したものだろうか。写真と絵画の領域を行き来する作家ならではの関心事が端的に表れている。タイトルは制作された日付になっており、作品数からしてもリヒターの日常的な制作活動の一部であることが窺える。本作では作品画面左上部にサインとタイトルが見える。
ARTIST LIST
GERHARD RICHTER:21. Feb. 01
GERHARD RICHTER:21. Feb. 01
GERHARD RICHTER:21. Feb. 01
GERHARD RICHTER:21. Feb. 01
GERHARD RICHTER:21. Feb. 01
  • GERHARD RICHTER:21. Feb. 01
  • GERHARD RICHTER:21. Feb. 01
  • GERHARD RICHTER:21. Feb. 01
  • GERHARD RICHTER:21. Feb. 01
  • GERHARD RICHTER:21. Feb. 01
GERHARD RICHTER
21. Feb. 01
Year: 2001
Medium: oil on color photograph
Dimensions: 14.6 x 10.2 cm (4 × 6 in.)
Acquired from PHILLIPS, 2022
室内の床に新聞紙が広げられている様子が塗り残した部分から覗いている。「Overpainted Photographs」のシリーズの一点。このシリーズは、リヒターの抽象という概念が如何なるものかをよく伝えるものとされる。抽象、つまり、何らかの概念を対象から抽出し、一般化することを意味する。俗に、抽象絵画と呼ばれる一群の絵画は何も表さないものと誤解されることが多いが、本来的には特定の造形を模していないというだけで、有形無形の何かしらの概念(コンセプト)が存在する。本作は、写真、しかも特定の何かが明瞭に写っているものに対して、無作為とも思える絵具の塗り付けが重なっているが、リヒターが具象的な世界に対して抽象性によっていかに介入し、結果として何を獲得しようとしているのか、その基本的な姿勢をダイレクトに伝えているように思われる。
ARTIST LIST
THOMAS RUFF:Substrat 7 III
THOMAS RUFF:Substrat 7 III
THOMAS RUFF:Substrat 7 III
THOMAS RUFF:Substrat 7 III
  • THOMAS RUFF:Substrat 7 III
  • THOMAS RUFF:Substrat 7 III
  • THOMAS RUFF:Substrat 7 III
  • THOMAS RUFF:Substrat 7 III
THOMAS RUFF
Substrat 7 III
Year: 2002
Medium: Inkjet print, Diasec mounted
Dimensions: image: 147.3 x 108 cm (58 x 42 1/2 in.)　sheet: 168.3 x 128.9 cm (66 1/4 x 50 3/4 in.)
Edition: No.5 of 5
Acquired from PHILLIPS, 2022
現代ドイツ写真界を代表する作家の一人に数えられる。ベルント＆ヒラ・ベッヒャーが教鞭を執ったデュッセルドルフ芸術アカデミーにて写真を修め、同窓の一群の作家たちと共にベッヒャー・シューレ(Becher School)と呼ばれる、現代写真の始祖であるベッヒャー夫妻の薫陶を受けたその教え子たちの活躍は20世紀の現代写真における最重要ムーブメントと目されている。ルフは「カメラを持たない写真家」とも評される通り、世に溢れかえる既存のイメージを応用した作品を制作し、それを現代の「写真」であるとした。本作品は色鮮やかな日本の漫画やアニメの画像をそれとわからなくなるまで加工を繰り返し、極限まで色彩を分解していくことで虹のような画像を作り出している。
ARTIST LIST
杉本博司 / HIROSHI SUGIMOTO:Prospect Park Theater
杉本博司 / HIROSHI SUGIMOTO:Prospect Park Theater
杉本博司 / HIROSHI SUGIMOTO:Prospect Park Theater
  • 杉本博司 / HIROSHI SUGIMOTO:Prospect Park Theater
  • 杉本博司 / HIROSHI SUGIMOTO:Prospect Park Theater
  • 杉本博司 / HIROSHI SUGIMOTO:Prospect Park Theater
杉本博司 / HIROSHI SUGIMOTO
Prospect Park Theater
Year: 1977
Medium: Gelatin silver print
Dimensions: 41.9 x 54 cm (16 1/2 x 21 1/4 in.)
Edition: No.15 of 25
Acquired from PHILLIPS, 2022
杉本博司の「劇場」と呼ばれるシリーズの一点。写真は、フィルムを露光させる時間が長ければ長いほど明るくなる。本作品はタイトルの通り、映画館の内部を撮影したものだ。しかし、肝心のスクリーンには何の映画も映し出されていない。ただ真っ白なスクリーンが煌々と暗がりに浮かんでいる様子は、我々が知る映画館のそれとは異なっている。「劇場」シリーズにおいて杉本は世界各地の映画館に赴き一本の映画の始まりから終わりまでの時間、シャッターを開放して撮影した。数時間の映画一本分の光景が凝集され、光の塊となって写し出されている。写真は映像ではないため、本来ならばごく瞬間的に世界を切り取るのみであって、そこに時間を記録することは難しい。杉本は映画館＝空間と、映画＝光と、その両者の時間の全てをたった一枚の写真に収めてみせた。一見、極めて静的でありながら、その実、恐ろしく動的な映像的写真である。
ARTIST LIST
イケムラレイコ / LEIKO IKEMURA:Lightscape
イケムラレイコ / LEIKO IKEMURA:Lightscape
イケムラレイコ / LEIKO IKEMURA:Lightscape
イケムラレイコ / LEIKO IKEMURA:Lightscape
イケムラレイコ / LEIKO IKEMURA:Lightscape
イケムラレイコ / LEIKO IKEMURA:Lightscape
  • イケムラレイコ / LEIKO IKEMURA:Lightscape
  • イケムラレイコ / LEIKO IKEMURA:Lightscape
  • イケムラレイコ / LEIKO IKEMURA:Lightscape
  • イケムラレイコ / LEIKO IKEMURA:Lightscape
  • イケムラレイコ / LEIKO IKEMURA:Lightscape
  • イケムラレイコ / LEIKO IKEMURA:Lightscape
イケムラレイコ / LEIKO IKEMURA
Lightscape
Year: 2022
Medium: tempera and oil on nettle
Dimensions: image: 180 x 110 cm (70 7/8 x 43 1/4 in.)
Acquired from Shugo Arts, 2022
「限りなく透明な / 最も暗いところから⾒るヒカリ / 最も暗いところに現れる光 / 限りなく暗いところにヒカリ」本作が発表された個展「限りなく透明な」に際して副題として寄せられた作家のこの短い文章に三度繰り返されている「光(ヒカリ)」。展示の中核を担っていた本作は「Lightscape」と題されている通り、光の風景なのだろう。ゲーテの色彩論では闇と光は互いを必要とする表裏一体のものだ。これまでもイケムラの作品は可視・不可視を問うてきた。生命の来し方行く末、そして光と闇。宇宙の摂理とイケムラのイマジネーションの交歓がある。本作は作品の上部にいくほどに闇が深まる。極めて澄んだ黄色い明るみから、ピンク、アンバーへと緩やかなグラデーションと明度の降下とともに、仄かな筋のような燐光を残して遠く闇に消えていく。あるいは光が闇の奥から舞い降りてくる。

展示会履歴

ARTIST LIST
BERNARD FRIZE:Coam
BERNARD FRIZE:Coam
BERNARD FRIZE:Coam
BERNARD FRIZE:Coam
BERNARD FRIZE:Coam
BERNARD FRIZE:Coam
  • BERNARD FRIZE:Coam
  • BERNARD FRIZE:Coam
  • BERNARD FRIZE:Coam
  • BERNARD FRIZE:Coam
  • BERNARD FRIZE:Coam
  • BERNARD FRIZE:Coam
BERNARD FRIZE
Coam
Year: 2002
Medium: acrylic and resin on canvas
Dimensions: 238.8 x 182.9 cm (93 3/4 x 72 in.)
Acquired from Sotheby’s, 2022
ややグレイッシュなトーンに抑えられた、落ち着いた画面の内部に、いかにも最近のフリズらしい鮮やかで明るい色彩が潜んでいる。F200号弱の大画面に、格子状に連続性のある構成が端正な印象を与えている。多くの色彩が上下に引き伸ばされて混ざり合っており、一見無規則に思われるが、右上部から左下部へ向かう方向に同じ背景色が連続しているのがわかる。しかしこれは遠くから引いてみるサイズの作品だからそのように見えるのであり、間近ではその色彩の法則にはおそらく意識が向けられることはないだろう。なぜなら、至近で画面を見た場合、透き通るような色彩の美しさに目を奪われ、細やかな変化を見せるグラデーションの豊かさに心を奪われるだろうからだ。作品のサイズ、描画技法、色彩、画面構成、それらを巧みに操るフリズの真髄が見られる。
ARTIST LIST
BERNARD FRIZE:Kova
BERNARD FRIZE:Kova
BERNARD FRIZE:Kova
BERNARD FRIZE:Kova
BERNARD FRIZE:Kova
  • BERNARD FRIZE:Kova
  • BERNARD FRIZE:Kova
  • BERNARD FRIZE:Kova
  • BERNARD FRIZE:Kova
  • BERNARD FRIZE:Kova
BERNARD FRIZE
Kova
Year: 2022
Medium: acrylic, resin on canvas
Dimensions: 110 x 85 cm (43 1/4 x 33 1/2 in.)
Acquired from Perrotin, 2022
フリズがこれまで画業の多くの時間を費やして追求してきたストロークと帯状のグリッドによる冷静で客観性に満ちたスタイルと比較すると、本作をはじめとする2022年の作品の奔放さは少し唐突にさえ思われる。縦方向に伸びたストロークはかつてのフリズのそれを彷彿とさせるが、視線を惹きつける不規則な色彩の集まりが中央にある。この湧き上がる雲のような表現には、これまでのフリズ作品にはあまり見られない強い運動性と、偶然性がある。色相環のように赤から紫までの様々な色彩が集約されてゆるやかな渦を描くようだ。70代にしてなお確立されたものから脱却し新たな進化を遂げようとする作家の先進性は、同時代性を主旨とする当コレクションに相応しい。
ARTIST LIST
ミカ・タジマ(田島美加) / MIKA TAJIMA:Art d'Ameublement (Rutschey Yogansena)
ミカ・タジマ(田島美加) / MIKA TAJIMA:Art d'Ameublement (Rutschey Yogansena)
ミカ・タジマ(田島美加) / MIKA TAJIMA:Art d'Ameublement (Rutschey Yogansena)
ミカ・タジマ(田島美加) / MIKA TAJIMA:Art d'Ameublement (Rutschey Yogansena)
ミカ・タジマ(田島美加) / MIKA TAJIMA:Art d'Ameublement (Rutschey Yogansena)
ミカ・タジマ(田島美加) / MIKA TAJIMA:Art d'Ameublement (Rutschey Yogansena)
  • ミカ・タジマ(田島美加) / MIKA TAJIMA:Art d'Ameublement (Rutschey Yogansena)
  • ミカ・タジマ(田島美加) / MIKA TAJIMA:Art d'Ameublement (Rutschey Yogansena)
  • ミカ・タジマ(田島美加) / MIKA TAJIMA:Art d'Ameublement (Rutschey Yogansena)
  • ミカ・タジマ(田島美加) / MIKA TAJIMA:Art d'Ameublement (Rutschey Yogansena)
  • ミカ・タジマ(田島美加) / MIKA TAJIMA:Art d'Ameublement (Rutschey Yogansena)
  • ミカ・タジマ(田島美加) / MIKA TAJIMA:Art d'Ameublement (Rutschey Yogansena)
ミカ・タジマ(田島美加) / MIKA TAJIMA
Art d'Ameublement (Rutschey Yogansena)
Year: 2022
Medium: spray acrylic, thermoformed PETG
Dimensions: 182.9 x 137.2 cm (72 x 54 in.)
Acquired from The Pace Gallery LLC, 2022
「Art d’Ameublement」シリーズは今やジャカード織の「Negative Entropy」と並んでタジマの代表作と言って良い。熱成形した透明なPETG樹脂製のボックス内部に噴霧された絵具が、まるで気体のまま封じられてしまったかのように見える。タイトルはフランス語で「家具の美術」という意味合いになるが、これはエリック・サティの「家具の音楽(Musique d’Ameublement)」から採られている。サティが「意識的に聞かれることのない」音楽を目指したように、タジマも本作において意識して見てはいけない何かを形にしたのだろうか。副題にある見慣れぬ名詞は、空想上の島の名前だという。未知の島の空気を閉じ込めた、といったところだろう。角のない滑らかな光沢を伴った造形は気体を内に孕んだ風船を思わせる。作品の内側にごく薄らかに固着している色彩は、間近にみれば噴霧の粒子が目に見えるほどに密度が荒くどこまでも軽く、作品を壁から外した瞬間に中のそれは霧散してしまうのではないだろうか、と錯覚させる。かつて、マルセル・デュシャンは「Air de Paris」と名付けた空のガラスアンプルを作品として提示してみせたが、それは本当にパリの空気だっただろうか。デュシャンのそれはサティのように「認識されない」表現ではなく、誰もが正しく「認識することができない」表現である。タジマの作品に閉じ込められた未知の島の気体も同じく、作家からそれが何であるか確かめる術を与えられていない以上、私たちはただ思考し想像するという人間のみに許された知的な活動をもってそれに向き合う他はない。それは純粋な芸術の形を示すだろう。
ARTIST LIST
塩田千春 / CHIHARU SHIOTA:State of Being (Two Chairs)
塩田千春 / CHIHARU SHIOTA:State of Being (Two Chairs)
塩田千春 / CHIHARU SHIOTA:State of Being (Two Chairs)
塩田千春 / CHIHARU SHIOTA:State of Being (Two Chairs)
塩田千春 / CHIHARU SHIOTA:State of Being (Two Chairs)
塩田千春 / CHIHARU SHIOTA:State of Being (Two Chairs)
塩田千春 / CHIHARU SHIOTA:State of Being (Two Chairs)
  • 塩田千春 / CHIHARU SHIOTA:State of Being (Two Chairs)
  • 塩田千春 / CHIHARU SHIOTA:State of Being (Two Chairs)
  • 塩田千春 / CHIHARU SHIOTA:State of Being (Two Chairs)
  • 塩田千春 / CHIHARU SHIOTA:State of Being (Two Chairs)
  • 塩田千春 / CHIHARU SHIOTA:State of Being (Two Chairs)
  • 塩田千春 / CHIHARU SHIOTA:State of Being (Two Chairs)
  • 塩田千春 / CHIHARU SHIOTA:State of Being (Two Chairs)
塩田千春 / CHIHARU SHIOTA
State of Being (Two Chairs)
Year: 2012
Medium: two painted chairs, thread, steel frame
Dimensions: 180(h) x 160(w) x 77.2(d) cm (70 7/8 x 63 x 30 3/8 in.)
Acquired from Sotheby’s, 2022
塩田千春の「State of Being」(存在様態)シリーズの一点。塩田の彫刻作品では、特定のオブジェが繰り返し使用されてきた。鍵やドレス、本、船、靴、鞄など、どれも人が携えたり身につけたりして人の生活と共にあるものが多い。椅子もそのような多用されるオブジェの一つである。張り巡らされた糸の中で、二脚が静かに寄り添っている。この二脚にはかつて誰が座っていたのだろうか。「不在の中の存在」を表現する作家、と度々評される塩田。生活の中で身近に扱う家具がその本来の機能を剥奪され、まさにその存在を宙吊りにされた状態を目の当たりにした時、その椅子とかつて日々を共に過ごしていたであろうはずの既にここにはいない誰か、を思わずにはおれない。しかし、真っ白に塗り潰された椅子からは、かつてを類推することも難しい。その分、本来そこにあるべきはずのものの「不在」を強烈に感じさせ、それが故にその「存在」を想起させるのである。塩田の黒い糸は宇宙、赤い糸は人と人の関係性を表するとされるが、さしずめ、その中に封じられる白は存在を認識するための受け皿としての色であるだろう。
ARTIST LIST
KATHARINA GROSSE:Untitled
KATHARINA GROSSE:Untitled
KATHARINA GROSSE:Untitled
KATHARINA GROSSE:Untitled
KATHARINA GROSSE:Untitled
KATHARINA GROSSE:Untitled
KATHARINA GROSSE:Untitled
KATHARINA GROSSE:Untitled
  • KATHARINA GROSSE:Untitled
  • KATHARINA GROSSE:Untitled
  • KATHARINA GROSSE:Untitled
  • KATHARINA GROSSE:Untitled
  • KATHARINA GROSSE:Untitled
  • KATHARINA GROSSE:Untitled
  • KATHARINA GROSSE:Untitled
  • KATHARINA GROSSE:Untitled
KATHARINA GROSSE
Untitled
Year: 2022
Medium: acrylic on canvas
Dimensions: 201 x 155 cm (79 1/8 x 61 in.)
Acquired from Gagosian, 2022
スプレーガンを用いた作品は、今やグロッセのシグニチャーであると言える。本作では、キャンバスの上に蔦状のものを置いてから色彩を吹き付けている。ステンシル、あるいはサイアノタイプのように画面に触れた物体の痕跡を直接的に残すという行為はこれまでのグロッセの制作からも裏付けが得られる。建築物や空間に対して色彩を強烈に噴射することで、グロッセの絵画はキャンバスという平面的な媒体から三次元へと延伸し、自らと鑑賞者のいずれをも絵画空間へ物理的に没入することを実現してきた。絵画とは鑑賞者と作者の間にあって両者が互いの思考を見せ合うためのスクリーンなのだ、とグロッセは語っている。思索のインターフェイスとしての絵画である。そのコンセプトに従えば絵画=スクリーンは必ずしも従来の絵画らしい姿であることに囚われる必要はない。作者と鑑賞者の交感、そのためによりふさわしい新たな手法と形態をグロッセが選び取るのである。本作で言えば、画面の中で最も主張の強い線の要素を、痕跡というおよそ非絵画的手段によって獲得している。霧状の色彩がその噴射の角度や強度によって鮮やかなグラデーションを作ると同時に、線の影をキャンバス上に焼き付けている。その線はキャンバスから引き剥がされる時、絵具を諸共に食いちぎって生々しい傷跡となって表れたのだ。これは、描かれた線とは異なる。かつて絵画は絵具を重ねて光をあまねく写し取ろうとするものであったが、グロッセは本作において鮮やかな影を傷として残したのである。絵画とは互いの思考を交わすためのもの、とグロッセは述べた。ならば本作に残された痕跡に対して私たちは何を見、そしていかなる思考を返せば良いだろうか。
ARTIST LIST
GEORGE CONDO:untitled
GEORGE CONDO:untitled
GEORGE CONDO:untitled
GEORGE CONDO:untitled
GEORGE CONDO:untitled
  • GEORGE CONDO:untitled
  • GEORGE CONDO:untitled
  • GEORGE CONDO:untitled
  • GEORGE CONDO:untitled
  • GEORGE CONDO:untitled
GEORGE CONDO
untitled
Year: 1984
Medium: oil on canvas, in artist's frame
Dimensions: canvas size: 30.5 x 24.1 cm (12 x 9 1/2 in.) / frame size: 40 x 34 cm (15 3/4 x 13 3/8 in.)
Acquired from Phillips, 2023
丘の上に突如現れる高層の建築物、その中央にピエロのような白い相貌が浮かんでいる。今にもその街を呑み込むのではと思えるオレンジ色の飴のようなものは彼の胴体だろうか？丘の周りには雲が棚引いているように見えるが、それらもどこか気体というより液状の質感を強く感じさせる。背景の奥から狼煙のように伸び上がるものが、天に向かって逆流する水滴のようにも見え、絵画の中の奇想を一層際立たせている。作品に付けられた古めかしい飾り額も作家自身が取り付けたもの。現代美術ではコンテキスト(文脈)が重視されるが、コンドはそのまさに文脈を熟知した上で自在に操り、時には弄ぶようにして、美術のオーソドックスに対して破戒的に振る舞う作家である。本作においても、シュール・レアリスム、ポスト印象派、あるいは象徴主義など過去の美術史からのスタイルの引用があり、そしてそれをいかにもな額装に仕立てて提示している。
ARTIST LIST
LAUREN QUIN:Third Belly
LAUREN QUIN:Third Belly
LAUREN QUIN:Third Belly
LAUREN QUIN:Third Belly
LAUREN QUIN:Third Belly
LAUREN QUIN:Third Belly
  • LAUREN QUIN:Third Belly
  • LAUREN QUIN:Third Belly
  • LAUREN QUIN:Third Belly
  • LAUREN QUIN:Third Belly
  • LAUREN QUIN:Third Belly
  • LAUREN QUIN:Third Belly
LAUREN QUIN
Third Belly
Year: 2021-2022
Medium: oil on canvas
Dimensions: 152.7 x 213.7 cm (60 1/8 x 84 1/8 in.)
Acquired from Phillips, 2023
オレンジ色の太く力強い「チューブ」と青を基調とした細切れの「チューブ」の対比、黄色いドローイングの線、鋭いカービングによる抽象的な多重線。クインの作品の特徴とされる要素が非常に強く出ている。特にオレンジと青の対比的な色使いによって前後の奥行きを錯覚させるような視覚効果が生じ、画面サイズ以上に大きな絵画空間を想像させる。「チューブ」によって画面に生じている激しいムーブメントの中に混ざり合うようにして、黄色いドローイングが表れており、何かの生物のパーツや人の指を描いているように見えるが、正しくは判別できない。それらは膨大に描き溜めたドローイングのアーカイブからモノプリント(一回性の強い版画技法)によって転写されている。他作にも作品間を跨いで同じモチーフが用いられることもあり、それらは個別の作品としての具象性を超えて繰り返される記号となっている。また、カービングによって絵具を剥ぎ取るようにして描かれた線は色を伴わないが、塗り重ねによって隠された背景の色彩を再び画面に呼び覚ます。これらの三要素がクインの作品における極めて複雑な抽象化を実現させている。異なる性質が重なることでそれぞれの要素が反発し合って、3DCGのテクスチャが不調和を起こした時のような非自然的絵画空間が発生している。色彩によってのみならず、線によってのみならず、クインの作品はそれらの複雑極まりない重層性が生み出す現代的な絵画空間によって新たな抽象絵画の可能性を提示している。
ARTIST LIST
DAMIEN HIRST:Justice, from The Virtues (H9-1)
DAMIEN HIRST:Justice, from The Virtues (H9-1)
DAMIEN HIRST:Justice, from The Virtues (H9-1)
DAMIEN HIRST:Justice, from The Virtues (H9-1)
DAMIEN HIRST:Justice, from The Virtues (H9-1)
  • DAMIEN HIRST:Justice, from The Virtues (H9-1)
  • DAMIEN HIRST:Justice, from The Virtues (H9-1)
  • DAMIEN HIRST:Justice, from The Virtues (H9-1)
  • DAMIEN HIRST:Justice, from The Virtues (H9-1)
  • DAMIEN HIRST:Justice, from The Virtues (H9-1)
DAMIEN HIRST
Justice, from The Virtues (H9-1)
Year: 2021
Medium: Laminated giclée print in colors, flush-mounted to aluminum with metal strainer on the reverse (as issued) contained in the original foam-lined cardboard packing box
Dimensions: 120 x 95.9 cm (47 1/4 x 37 3/4 in.)
Edition: No.546 of 1005
Acquired from PHILLIPS, 2022
1980年代の終わり、アート・マーケットへの挑発的な世代として立て続けに取り上げられたYBAs(Young British Artists)の中で、最もラディカルで戦略的な作家と評されてきた。現在に至るまでその姿勢を崩すことなく、衝撃的な作品を発表する度に世界中で話題をさらう。本作は国立新美術館(東京)での個展も実現された、ハーストにとって非常に珍しい「直筆」のキャンバス作品をもとに制作されたプリント作品である。見ての通りの桜の絵だが、ハーストがこれまで避けてきた作家自身の手仕事としての絵画に対して、愚直なやり方で向き合い直した。親しかった祖母への懐古を心理的出発点としていると作家が公言する通り、ハーストにしてはややエモーショナルな切り口だと言える。点描のように乗せられた絵の具の痕跡が、飛沫のように(実際に遠くから絵の具を投げ飛ばしながら描いた)舞い散る様子が、青空に鮮烈に浮かび上がる。黒々とした枝振りと荒いディフォルメがどこかゴッホの『梅の花 (広重)』とも重なり、示唆的である。
ARTIST LIST
JULIAN OPIE:Lucia, back 3
JULIAN OPIE:Lucia, back 3
JULIAN OPIE:Lucia, back 3
JULIAN OPIE:Lucia, back 3
  • JULIAN OPIE:Lucia, back 3
  • JULIAN OPIE:Lucia, back 3
  • JULIAN OPIE:Lucia, back 3
  • JULIAN OPIE:Lucia, back 3
JULIAN OPIE
Lucia, back 3
Year: 2017
Medium: Aluminum, nylon and lights
Dimensions: 120 x 91.6 x 9 cm ( 47 1/4 × 36 × 3 1/2 in.)
Acquired from MAHO KUBOTA GALLERY, 2022
オピーと言えば、点で表した目と簡素な線で表情を捉えたポートレートや、歩くシルエットの作品が思い浮かぶだろうか。実は風景をディフォルメした作品や、人物の表情をあえて見せない作品も多数制作している。オピーは簡略化の芸術と言われるように、対象となるモデルや光景を徹底的に簡素化した線と点で表現する。しかし、特定の人物名や都市名などがタイトルに付けられていることからも明らかなように、これは実際に存在するものへの真摯な表現なのであって、決して弄するようなものではない。本作品は、後ろを向いた女性をモデルとしており、そして、その描かれた肩から頭部が見せる物言わぬ佇まいから、その人物のパーソナリティをさまざまに想像させる。特に人物をモチーフとした作品の制作にあたっては、恐ろしいまでにモデルを観察することで知られている作家である。無数の写真を撮り、何度もグラフィック上で検証をする。その果てに残された線と僅かな色彩、だからこそ、その人物の何某かをより色濃く表すのである。
ARTIST LIST
DAMIEN HIRST:Untitled (Butterfly Spin Painting)
DAMIEN HIRST:Untitled (Butterfly Spin Painting)
DAMIEN HIRST:Untitled (Butterfly Spin Painting)
DAMIEN HIRST:Untitled (Butterfly Spin Painting)
DAMIEN HIRST:Untitled (Butterfly Spin Painting)
  • DAMIEN HIRST:Untitled (Butterfly Spin Painting)
  • DAMIEN HIRST:Untitled (Butterfly Spin Painting)
  • DAMIEN HIRST:Untitled (Butterfly Spin Painting)
  • DAMIEN HIRST:Untitled (Butterfly Spin Painting)
  • DAMIEN HIRST:Untitled (Butterfly Spin Painting)
DAMIEN HIRST
Untitled (Butterfly Spin Painting)
Year: 2009
Medium: Acrylic and metallic paint on paper
Dimensions: 51.5 x 68.5 cm (20 3/8 x 27 in.)
Acquired from Sotheby's, 2022
2008年、ウクライナのPinchuk Art Centre(キーウ)において開催されたハーストの回顧展「Requiem」を記念して制作された作品。この展覧会では最初期の代表作である「A Thousand Years」やホルマリン漬けのサメ「Death Explained」などとともに、これら「スピン・ペインティング」の新作も数多く制作、発表された。スピニングマシーンに紙を取り付け(固定の際のピンホールが複数認められる)、回転する紙に絵の具を注ぎ込み、遠心力を利用して絵の具を放射上に展開させることで制作される。ハーストは特徴的なモチーフを各作品シリーズで転用していくことがある。昆虫標本をそのまま画面に埋め込んだ作品シリーズがあるが、虹や万華鏡を模した構図に蝶の羽を多数配した作品は、美しい色彩でカバーしながらも生々しい生と死を露悪的示す問題作だ。蝶はハーストにとって他にも繰り返し用いている髑髏やピルなどと同様に生と死を想起させるアレゴリーの一つであり、つまり、ヴァニタスとしても見ることができるだろう。
ARTIST LIST
DAMIEN HIRST:Untitled (Skull Spin Painting)
DAMIEN HIRST:Untitled (Skull Spin Painting)
DAMIEN HIRST:Untitled (Skull Spin Painting)
DAMIEN HIRST:Untitled (Skull Spin Painting)
DAMIEN HIRST:Untitled (Skull Spin Painting)
DAMIEN HIRST:Untitled (Skull Spin Painting)
  • DAMIEN HIRST:Untitled (Skull Spin Painting)
  • DAMIEN HIRST:Untitled (Skull Spin Painting)
  • DAMIEN HIRST:Untitled (Skull Spin Painting)
  • DAMIEN HIRST:Untitled (Skull Spin Painting)
  • DAMIEN HIRST:Untitled (Skull Spin Painting)
  • DAMIEN HIRST:Untitled (Skull Spin Painting)
DAMIEN HIRST
Untitled (Skull Spin Painting)
Year: 2009
Medium: Acrylic and metallic paint on paper
Dimensions: 71 x 52 cm (28 x 20 1/2 in.)
Acquired from Sotheby's, 2022
2008年、ウクライナのPinchuk Art Centre(キーウ)において開催されたハーストの回顧展「Requiem」を記念して制作された作品。この展覧会では最初期の代表作である「A Thousand Years」やホルマリン漬けのサメ「Death Explained」などとともに、これら「スピン・ペインティング」の新作も数多く制作、発表された。スピニングマシーンに紙を取り付け(固定の際のピンホールが複数認められる)、回転する紙に絵の具を注ぎ込み、遠心力を利用して絵の具を放射上に展開させることで制作される。常に話題に事欠かない作家であるハーストだが、本作に先行して、プラチナとダイヤモンドでできた頭蓋骨(人骨から型取りをした)に本物の人の歯を埋め込んで制作した「For the Love of God」(2007)という倫理観を揺さぶる作品がある。当時約120億円の値段をつけたセンセーショナルな作品だ。死の象徴たる髑髏と、欲望と富、つまり激しい生の象徴でもあるダイヤ、そこに金額としての価値が渦巻く。ハースト作品だからこその、髑髏にまつわる死と富のイメージを、不適な笑みが表わしている。

展示会履歴

ARTIST LIST
GERHARD RICHTER:Cage 1 (P19-1)
GERHARD RICHTER:Cage 1 (P19-1)
GERHARD RICHTER:Cage 1 (P19-1)
GERHARD RICHTER:Cage 1 (P19-1)
GERHARD RICHTER:Cage 1 (P19-1)
GERHARD RICHTER:Cage 1 (P19-1)
  • GERHARD RICHTER:Cage 1 (P19-1)
  • GERHARD RICHTER:Cage 1 (P19-1)
  • GERHARD RICHTER:Cage 1 (P19-1)
  • GERHARD RICHTER:Cage 1 (P19-1)
  • GERHARD RICHTER:Cage 1 (P19-1)
  • GERHARD RICHTER:Cage 1 (P19-1)
GERHARD RICHTER
Cage 1 (P19-1)
Year: 2006/2020
Medium: Giclée print in colors, flush-mounted to aluminum with metal strainer on the reverse
Dimensions: 100 × 100 cm (39 3/8 × 39 3/8 in.)
Edition: #144 of 200
Acquired from PHILLIPS, 2022
オリジナルは2006年に制作された、290 x 290 cm にも及ぶ大型のペインティングで、2007年ベニスビエンナーレにおいて発表された。現在はロンドンのTATE Modernにプライベートコレクションから長期貸与されている。リヒターの作品の多くは抽象絵画であり、タイトルも単に「Abstraktes Bild」(抽象画)と付されることがほとんどである。ただ、時折特定の名詞を冠したシリーズが作られることがある。本作も「Cage」と名付けられた6点からなる連作の内一点である。リヒターの抽象画でよくみられるスキージーによる引き伸ばした鮮やかな色彩が眼を惹く。「Cage」は、檻や籠を意味するのではなく、John Cageの名から採られている。実験的音楽の金字塔「4分33秒」や「チャンスオペレーション」でその名を知られるアメリカの音楽家である。リヒターは、アトリエで常にケージの音楽に浴しながら本作に取り組んだという。
ARTIST LIST
GERHARD RICHTER:Abstraktes Bild (P1)
GERHARD RICHTER:Abstraktes Bild (P1)
GERHARD RICHTER:Abstraktes Bild (P1)
GERHARD RICHTER:Abstraktes Bild (P1)
GERHARD RICHTER:Abstraktes Bild (P1)
GERHARD RICHTER:Abstraktes Bild (P1)
  • GERHARD RICHTER:Abstraktes Bild (P1)
  • GERHARD RICHTER:Abstraktes Bild (P1)
  • GERHARD RICHTER:Abstraktes Bild (P1)
  • GERHARD RICHTER:Abstraktes Bild (P1)
  • GERHARD RICHTER:Abstraktes Bild (P1)
  • GERHARD RICHTER:Abstraktes Bild (P1)
GERHARD RICHTER
Abstraktes Bild (P1)
Year: 1990/2014
Medium: chromogenic print, flush-mounted to aluminum with metal strainer on the reverse
Dimensions: 92 × 126 cm (36 1/4 × 49 5/8 in.)
Edition: #471 of 500
Acquired from PHILLIPS, 2022
オリジナルは1990年に制作された。エディションやジャカード織作品の原画として何度も使われており、多数のヴァリエーションが存在する。特に、本作は2014年にHENIとのプリント制作を開始した最初の作品(P1はPrint作品の1番目の意)でもあり、オリジナル原寸で制作されている。リヒターの公式HPのPRINTカテゴリに掲載されている「Abstraktes Bild」は本作のみである。1990年に制作が始まった「Abstraktes Bild」の、最初期の傑作の一つと言えるだろう。
ARTIST LIST
MARK RYDEN:Yakalina (Bistre)
MARK RYDEN:Yakalina (Bistre)
MARK RYDEN:Yakalina (Bistre)
MARK RYDEN:Yakalina (Bistre)
MARK RYDEN:Yakalina (Bistre)
  • MARK RYDEN:Yakalina (Bistre)
  • MARK RYDEN:Yakalina (Bistre)
  • MARK RYDEN:Yakalina (Bistre)
  • MARK RYDEN:Yakalina (Bistre)
  • MARK RYDEN:Yakalina (Bistre)
MARK RYDEN
Yakalina (Bistre)
Year: 2021
Medium: bronze with patina
Dimensions: image: 105 x 43 x 33 cm (41 3/8 x 16 7/8 x 13 in.)
Acquired from PERROTIN, 2022
「Yakalina (ヤカリーナ)」と呼ばれる、色違いの9体の像が作られた。「Bistre」はフランス語で暗い褐色を意味する。ライデンは、ロウブロウ・アートの直接的な後継であり、ポップ・シュルレアリスムの先駆者という美術史的にも非常に重要なポジションに立つ作家である。作家のこうした背景から本作を読み解くなら、特定の神話や宗教的側面はなく、もっと俗世的な、例えばラブクラフトのクトゥルフのような架空の神聖性、フィクショナルな枠組みの中でのみ存在する霊性のようなものを念頭に置いて見るべきではないかと思われる。ライデンの博物趣味や、古典の引用を多く用いることも大きく作用しているが、偽史の美学とでも言うべき「それらしさ」が作品の全容を覆っている。諸手を挙げて何かを優しく迎えるような仕草をする「Yakalina」は、ライデンが言うところの「Anima Animals」(魂の動物たち)の一つであり、ライデン神話の聖性の表象であるだろう。

展示会履歴

ARTIST LIST
マッドサキ / MADSAKI:Untitled
マッドサキ / MADSAKI:Untitled
マッドサキ / MADSAKI:Untitled
マッドサキ / MADSAKI:Untitled
マッドサキ / MADSAKI:Untitled
マッドサキ / MADSAKI:Untitled
  • マッドサキ / MADSAKI:Untitled
  • マッドサキ / MADSAKI:Untitled
  • マッドサキ / MADSAKI:Untitled
  • マッドサキ / MADSAKI:Untitled
  • マッドサキ / MADSAKI:Untitled
  • マッドサキ / MADSAKI:Untitled
マッドサキ / MADSAKI
Untitled
Year: 2019
Medium: spray paint, acrylic on canvas
Dimensions: 100 x 100 cm (39 3/8 x 39 3/8 in.)
Acquired from PHILLIPS, 2022
MADSAKIはその他作品でも多くの引用をしているが、本作では、90年代のMTV内で放映されていたコメディアニメ「Beavis and Butt-head」のワンシーンを描いている。Beavis(向かって右)と相棒のButt-Head。Beavisは糖分を摂りすぎたり、過度に興奮するとCornholioという別人格が現れ、シャツの襟を頭に被り、スパニッシュ訛りの早口で理解不能な奇行に走る。MADSAKIは幼少期からアメリカに住み、英語が喋れない時期に絵はコミュニケーションの手段だったと話す。「Beavis and Butt-head」はいかにもブラック・ユーモアだが、言語がダメなら絵で、あるいは行動で垣根を越えて生き抜いていく強さが求められる多民族国家アメリカにおいては、コミュニケーション・ギャップは一つの社会的病理でもある。おそらくMTVをリアルタイムで視聴していたMADSAKIにとっては親しみと懐かしさと同時に、作家の世代で共有されるアメリカらしい文化の一つのアイコンとしての意味合いが強いだろう。
ARTIST LIST
村上隆 x VIRGIL ABLOH / TAKASHI MURAKAMI x VIRGIL ABLOH:Our spot 1
村上隆 x VIRGIL ABLOH / TAKASHI MURAKAMI x VIRGIL ABLOH:Our spot 1
村上隆 x VIRGIL ABLOH / TAKASHI MURAKAMI x VIRGIL ABLOH:Our spot 1
村上隆 x VIRGIL ABLOH / TAKASHI MURAKAMI x VIRGIL ABLOH:Our spot 1
村上隆 x VIRGIL ABLOH / TAKASHI MURAKAMI x VIRGIL ABLOH:Our spot 1
村上隆 x VIRGIL ABLOH / TAKASHI MURAKAMI x VIRGIL ABLOH:Our spot 1
  • 村上隆 x VIRGIL ABLOH / TAKASHI MURAKAMI x VIRGIL ABLOH:Our spot 1
  • 村上隆 x VIRGIL ABLOH / TAKASHI MURAKAMI x VIRGIL ABLOH:Our spot 1
  • 村上隆 x VIRGIL ABLOH / TAKASHI MURAKAMI x VIRGIL ABLOH:Our spot 1
  • 村上隆 x VIRGIL ABLOH / TAKASHI MURAKAMI x VIRGIL ABLOH:Our spot 1
  • 村上隆 x VIRGIL ABLOH / TAKASHI MURAKAMI x VIRGIL ABLOH:Our spot 1
  • 村上隆 x VIRGIL ABLOH / TAKASHI MURAKAMI x VIRGIL ABLOH:Our spot 1
村上隆 x VIRGIL ABLOH / TAKASHI MURAKAMI x VIRGIL ABLOH
Our spot 1
Year: 2018
Medium: Acrylic on canvas mounted to aluminum
Dimensions: 100 x 100 cm (39 3/8 x 39 3/8 in.)
Acquired from PHILLIPS, 2022
アブローが主宰するブランドOff-Whiteのシンボルである白いクロス・アロー・ロゴが、村上が多用する髑髏のモチーフに大きく重なって描かれている。アブローと村上の親交は単にコラボレーションとしてだけではなく、お互いの信頼と友情とで固く結ばれていた。アブローは多くのインタビューで村上のことに触れ、建築業界のインターン時代から村上を敬愛していたことを口にしている。既にLouis Vuitonのコラボレーションアーティストであった村上に対して若いアブローが強く影響されていたことは明らかである。村上もまたアブローを心から分かり合える友人と思っていたのかもしれない。彼が自身の絵と他者の絵を拮抗させるのではなく、完全に融合させるような合作を許したアーティストは (ドラえもんを除くならば)アブローただ一人だけだ。
ARTIST LIST
EDGAR PLANS:Untitled (Artist)
EDGAR PLANS:Untitled (Artist)
EDGAR PLANS:Untitled (Artist)
EDGAR PLANS:Untitled (Artist)
EDGAR PLANS:Untitled (Artist)
EDGAR PLANS:Untitled (Artist)
EDGAR PLANS:Untitled (Artist)
  • EDGAR PLANS:Untitled (Artist)
  • EDGAR PLANS:Untitled (Artist)
  • EDGAR PLANS:Untitled (Artist)
  • EDGAR PLANS:Untitled (Artist)
  • EDGAR PLANS:Untitled (Artist)
  • EDGAR PLANS:Untitled (Artist)
  • EDGAR PLANS:Untitled (Artist)
EDGAR PLANS
Untitled (Artist)
Year: 2019
Medium: spray paint, acrylic on canvas
Dimensions: 100 x 100 cm (39 3/8 x 39 3/8 in.)
Acquired from PHILLIPS, 2022
プランズの人気を不動のものとしている重要な要素として、作家が自身の代弁者として画中に登場させる「Animal Heroes」がある。小さな英雄である彼らは、カラフルなマスクを被り、マントを羽織り、スプレーやチョークを手にそこら中の床や壁に落書きをして回る。無邪気で可愛らしい様子だけではなく、どこか不穏さもつきまとう。プランズの絵は、そのポップで軽やかな内容でありながら、描画手法としてはとてもドラマチックな技法を採用している。中でも明暗の劇的なコントラスト表現は古典技法のキアロスクーロ(ルネサンス〜バロック期に発展した明暗法)を参照しているように思われる。本作において、影という点から見ると「Animal Heroes」の楽しげな様子とは裏腹に、壁面に伸びた大きな影はその影の主とは異なった少し恐ろしげな姿として描かれている。また、一つの空間にいながらにして、五人と二匹は視線を交わらせることがない。副題に「Artist」とあるように、画中にも「Artist」と大きく記されている。時にバスキアやトゥオンブリーらと比較して論じられることすらあるプランズの、アーティストとしての孤独と成功のコントラストが内面化されている。
ARTIST LIST
RAFA MACARRON:Los mentores
RAFA MACARRON:Los mentores
RAFA MACARRON:Los mentores
RAFA MACARRON:Los mentores
RAFA MACARRON:Los mentores
RAFA MACARRON:Los mentores
RAFA MACARRON:Los mentores
RAFA MACARRON:Los mentores
  • RAFA MACARRON:Los mentores
  • RAFA MACARRON:Los mentores
  • RAFA MACARRON:Los mentores
  • RAFA MACARRON:Los mentores
  • RAFA MACARRON:Los mentores
  • RAFA MACARRON:Los mentores
  • RAFA MACARRON:Los mentores
  • RAFA MACARRON:Los mentores
RAFA MACARRON
Los mentores
Year: 2013
Medium: mixed media on canvas
Dimensions: 194.9 x 130.2 cm (76 3/4 x 51 1/4 in.)
Acquired from PHILLIPS, 2022
日常の中で目にする人々や街の様子を、キャラクタライズして描くことで知られる。先行するスペインのマエストロたち、ゴヤ、ピカソ、ダリ、ミロ、彼らの突出した事象の認識手段と表現方法から独自に学び取り、日常を絵画として翻訳している。本作はマカロンが好むデイグローベースの明るい色彩で描かれ、大胆な画面構成によって具象性よりも抽象度がより優って見える。近接してみると、ダイナミックな絵肌に加えて、一つ一つ丁寧に描かれたキャラクター像が見えてくる。表情やポーズが大きく誇張されており、個々のキャラクターの性格やストーリーを想像しながら本作を見ていると、マカロンが見た、あるいは想像した街の喧騒が聞こえてくるようだ。
ARTIST LIST
名和晃平 / KOHEI NAWA:Fountain
名和晃平 / KOHEI NAWA:Fountain
名和晃平 / KOHEI NAWA:Fountain
名和晃平 / KOHEI NAWA:Fountain
名和晃平 / KOHEI NAWA:Fountain
名和晃平 / KOHEI NAWA:Fountain
名和晃平 / KOHEI NAWA:Fountain
名和晃平 / KOHEI NAWA:Fountain
  • 名和晃平 / KOHEI NAWA:Fountain
  • 名和晃平 / KOHEI NAWA:Fountain
  • 名和晃平 / KOHEI NAWA:Fountain
  • 名和晃平 / KOHEI NAWA:Fountain
  • 名和晃平 / KOHEI NAWA:Fountain
  • 名和晃平 / KOHEI NAWA:Fountain
  • 名和晃平 / KOHEI NAWA:Fountain
  • 名和晃平 / KOHEI NAWA:Fountain
名和晃平 / KOHEI NAWA
Fountain
Year: 2022
Medium: mixed media
Dimensions: 157 x 205 x 52 cm (61 3/4 x 80 3/4 x 20 1/2 in.)
Acquired from OIL by Bijutsutecho, 2022
本作は生命の循環を表現したものだという。湧水のように噴き上がる螺旋を基点として、さまざまな造形物が関連しながら広がっている。仔細に見てみると、鹿の角のようなもの、球体の連なりなど、これまでのさまざまな名和作品のエッセンスが取り込まれているようにも思われる。絨毛状の細やかな表面が反射光を柔らかに乱し、白く静謐な空間が本作の周りに作り出されている。有機体が分解されて次の命の礎となっていくその過程において、これまでも名和が注目してきた細胞という生命の最小単位へと立ち帰って再び生命の糸が繋がれていく。名和の作品は生命の神秘や自然の摂理、そうした根原的なものを思考するための彫刻であることを再認させられる作品である。
ARTIST LIST
VIK MUNIZ:Mona Lisa, after Leonardo da Vinci from Gordian Puzzles
VIK MUNIZ:Mona Lisa, after Leonardo da Vinci from Gordian Puzzles
VIK MUNIZ:Mona Lisa, after Leonardo da Vinci from Gordian Puzzles
VIK MUNIZ:Mona Lisa, after Leonardo da Vinci from Gordian Puzzles
VIK MUNIZ:Mona Lisa, after Leonardo da Vinci from Gordian Puzzles
VIK MUNIZ:Mona Lisa, after Leonardo da Vinci from Gordian Puzzles
  • VIK MUNIZ:Mona Lisa, after Leonardo da Vinci from Gordian Puzzles
  • VIK MUNIZ:Mona Lisa, after Leonardo da Vinci from Gordian Puzzles
  • VIK MUNIZ:Mona Lisa, after Leonardo da Vinci from Gordian Puzzles
  • VIK MUNIZ:Mona Lisa, after Leonardo da Vinci from Gordian Puzzles
  • VIK MUNIZ:Mona Lisa, after Leonardo da Vinci from Gordian Puzzles
  • VIK MUNIZ:Mona Lisa, after Leonardo da Vinci from Gordian Puzzles
VIK MUNIZ
Mona Lisa, after Leonardo da Vinci from Gordian Puzzles
Year: 2009
Medium: chromogenic print
Dimensions: 151.4 x 101.6 cm (59 5/8 x 40 in.)
Edition: #4 of 6
Acquired from PHILLIPS, 2022
本作は「Gordian Puzzles」シリーズの一点。本作はレオナルド・ダ・ヴィンチ「モナリザ」をモチーフとしているが、同シリーズには他にも「ゲルニカ」(ピカソ)、「グランジャット島の日曜の午後」(スーラ)、「バベルの塔」(ブリューゲル)など、世界の名画を題材としたものが多い。タイトルに「Gordian」とある通り、複雑に絡んで解けないパズルのような複雑な作品である。パズルのピースをよく見ると、隣り合うピースのカットは一つとして噛み合っていない。にも関わらず、本来はパズルを組み上げなければ見えてこないはずの図像の全容がしっかりと見えている。同じ絵柄の複数セットのパズルを使ったのである。
ARTIST LIST
草間彌生 / YAYOI KUSAMA:波は打ちよせる
草間彌生 / YAYOI KUSAMA:波は打ちよせる
草間彌生 / YAYOI KUSAMA:波は打ちよせる
草間彌生 / YAYOI KUSAMA:波は打ちよせる
草間彌生 / YAYOI KUSAMA:波は打ちよせる
  • 草間彌生 / YAYOI KUSAMA:波は打ちよせる
  • 草間彌生 / YAYOI KUSAMA:波は打ちよせる
  • 草間彌生 / YAYOI KUSAMA:波は打ちよせる
  • 草間彌生 / YAYOI KUSAMA:波は打ちよせる
  • 草間彌生 / YAYOI KUSAMA:波は打ちよせる
草間彌生 / YAYOI KUSAMA
波は打ちよせる
Year: 1978
Medium: enamel on paper
Dimensions: 27.2 x 24.2 cm (9 1/2 x 9 1/2 in.)
Acquired from SBI Art Auction, 2022
色紙にエナメル・スプレーペイントを施したシリーズで、1978年前後に多数制作されている。この年、草間は初の小説『マンハッタン自殺未遂常習犯』を出版している。当時パートナーであったジョゼフ・コーネルと死別し、草間自身も心身に問題を抱えて日本へ戻り入院生活にあった。それまでNYにおいてハプニングの女王とまで呼ばれた活躍の日々から大きな転換点を迎えていた時期でもある。すでに「無限の網 / Infinity Nets」シリーズにおいて画家として一定の評価を獲得していた草間だが、草間の代名詞的な網のモチーフを発展させたものとして本作のスプレーペイントのシリーズがある。網目を通して画面に定着した3色が幻視的に折り重なり、小さな作品ながらも草間の脳裏にある広大なヴィジョンが描き出されている。草間の網がなぜ「無限の」と冠されているのかの理由の一端が窺い知れるだろう。
ARTIST LIST
ANDY WARHOL:Jane Fonda (F. & S. II. 268)
ANDY WARHOL:Jane Fonda (F. & S. II. 268)
ANDY WARHOL:Jane Fonda (F. & S. II. 268)
ANDY WARHOL:Jane Fonda (F. & S. II. 268)
ANDY WARHOL:Jane Fonda (F. & S. II. 268)
ANDY WARHOL:Jane Fonda (F. & S. II. 268)
  • ANDY WARHOL:Jane Fonda (F. & S. II. 268)
  • ANDY WARHOL:Jane Fonda (F. & S. II. 268)
  • ANDY WARHOL:Jane Fonda (F. & S. II. 268)
  • ANDY WARHOL:Jane Fonda (F. & S. II. 268)
  • ANDY WARHOL:Jane Fonda (F. & S. II. 268)
  • ANDY WARHOL:Jane Fonda (F. & S. II. 268)
ANDY WARHOL
Jane Fonda (F. & S. II. 268)
Year: 1982
Medium: silk screen, Framed
Dimensions: 100.3 x 80 cm (39 1/2 x 31 1/2 in.)
Acquired from SBI Art Auction, 2022
アンディ・ウォーホルの代表的なシリーズである「ポートレート（肖像画）」の作品。シルクスクリーン技法で、写真を転写し、さまざまな色の組み合わせによりポップで強い存在感を放つ。モデルは有名なハリウッド女優のジェーン・フォンダで、彼女の洗練された美しさを表している。ウォーホルはセレブリティや時代を象徴するアイコンとしての人物の肖像画を手がける一方、1980年代には注文を受けて一般人（富裕層のパトロン）の肖像画も制作した。マリリン・モンローやエリザベス・テイラー、エルヴィス・プレスリー、毛沢東のイメージは、今やウォーホルの肖像画のイメージと結びついて現代の私たちの脳裏に刻まれているといっても過言ではない。彼の生み出した大量の肖像画は、まさに1960年代から80年代という時代のポートレートである。
ARTIST LIST
VIK MUNIZ:Flowers and Fruits, after Pierre Auguste Renoir (Series from Pictures of Magazines 2)
VIK MUNIZ:Flowers and Fruits, after Pierre Auguste Renoir (Series from Pictures of Magazines 2)
VIK MUNIZ:Flowers and Fruits, after Pierre Auguste Renoir (Series from Pictures of Magazines 2)
VIK MUNIZ:Flowers and Fruits, after Pierre Auguste Renoir (Series from Pictures of Magazines 2)
VIK MUNIZ:Flowers and Fruits, after Pierre Auguste Renoir (Series from Pictures of Magazines 2)
VIK MUNIZ:Flowers and Fruits, after Pierre Auguste Renoir (Series from Pictures of Magazines 2)
VIK MUNIZ:Flowers and Fruits, after Pierre Auguste Renoir (Series from Pictures of Magazines 2)
  • VIK MUNIZ:Flowers and Fruits, after Pierre Auguste Renoir (Series from Pictures of Magazines 2)
  • VIK MUNIZ:Flowers and Fruits, after Pierre Auguste Renoir (Series from Pictures of Magazines 2)
  • VIK MUNIZ:Flowers and Fruits, after Pierre Auguste Renoir (Series from Pictures of Magazines 2)
  • VIK MUNIZ:Flowers and Fruits, after Pierre Auguste Renoir (Series from Pictures of Magazines 2)
  • VIK MUNIZ:Flowers and Fruits, after Pierre Auguste Renoir (Series from Pictures of Magazines 2)
  • VIK MUNIZ:Flowers and Fruits, after Pierre Auguste Renoir (Series from Pictures of Magazines 2)
  • VIK MUNIZ:Flowers and Fruits, after Pierre Auguste Renoir (Series from Pictures of Magazines 2)
VIK MUNIZ
Flowers and Fruits, after Pierre Auguste Renoir (Series from Pictures of Magazines 2)
Year: 2013
Medium: digital C-print
Dimensions: 123.4 x 101.6 cm (39 3/8 x 4 x 11 7/8 in.)
Acquired from nca | nichido contemporary art, 2022
「Pictures of Magazines」は雑誌の紙片によるコラージュ作品を写真に収めたシリーズである。絵画史上のマスター・ピースをモチーフとして、それらの色彩やタッチの特徴を見事に再現して見せている。本作では、ルノワールの1889年制作の静物画を取り上げている。ルノワールは静物画も多く制作しているが、本作では優美な陶の青い花器に燃えるように赤い(おそらくはグラジオラス)花が活けられている。瑞々しい果実が白いクロスに配されて、落ち着いた緑の背景にはやや印象派的な筆触が見られる。1880年代以降のルノワールは印象派的表現から離れ始めて新古典主義的な作風へと移行していった時代である。本作では、最晩年の独自の画風へと至るまでの過渡期にあたる作品をあえて題材に選んだのかもしれない。ルノワールの独特の霞がかったような筆致でもなく、印象派風の色彩表現でもない、この時期の絵画の微妙なタッチが、コラージュによって非常に上手く捉えられている。近接して見ると、作品全体の雰囲気からは全く思いもよらない写真素材を駆使したユーモラスなコラージュの手つきに、ムニーズらしい悪戯めいた完成が強く感じられる。
ARTIST LIST
VIK MUNIZ:MASP (The boy, Camille Roulin, after Van Gogh)
VIK MUNIZ:MASP (The boy, Camille Roulin, after Van Gogh)
VIK MUNIZ:MASP (The boy, Camille Roulin, after Van Gogh)
VIK MUNIZ:MASP (The boy, Camille Roulin, after Van Gogh)
VIK MUNIZ:MASP (The boy, Camille Roulin, after Van Gogh)
VIK MUNIZ:MASP (The boy, Camille Roulin, after Van Gogh)
  • VIK MUNIZ:MASP (The boy, Camille Roulin, after Van Gogh)
  • VIK MUNIZ:MASP (The boy, Camille Roulin, after Van Gogh)
  • VIK MUNIZ:MASP (The boy, Camille Roulin, after Van Gogh)
  • VIK MUNIZ:MASP (The boy, Camille Roulin, after Van Gogh)
  • VIK MUNIZ:MASP (The boy, Camille Roulin, after Van Gogh)
  • VIK MUNIZ:MASP (The boy, Camille Roulin, after Van Gogh)
VIK MUNIZ
MASP (The boy, Camille Roulin, after Van Gogh)
Year: 2016
Medium: digital C-print
Dimensions: 121.9 x 101.6 cm (48 x 40 in.)
Acquired from nca | nichido contemporary art, 2022
タイトルにあるMASPはThe Museu de Arte de São Paulo(サンパウロ美術館)の略称で、本作は当美術館所蔵のゴッホによる1888年の絵画「小学生」をベースとしている。ゴッホはアルル時代に近隣に居住していたルーラン家の人々の肖像を多く残している。ゴーギャンとの共同生活が破綻して耳切り事件を起こした不安定なゴッホを見守ったのも彼らである。特に「郵便配達夫」のモデルとして知られるジョゼフ・ルーランは、人付き合いが極めて不得手なゴッホにとってモデルを頼める数少ない友人でもあった。本作はルーラン家の次男カミーユが描かれた一枚を題材とした「REPRO」(reproduction)のシリーズの一点である。このシリーズでムニーズは題材となる作品に関する書籍をはじめ、さまざまな媒体からイメージ素材を集めてコラージュしている。本作では特に古今東西の美術作品からポートレートのイメージが集められているようである。ディテールを探してみると思わぬ作品の断片が見付かるかもしれない。
ARTIST LIST
今井麗 / ULALA IMAI:ギャザリング / Gathering
今井麗 / ULALA IMAI:ギャザリング / Gathering
今井麗 / ULALA IMAI:ギャザリング / Gathering
今井麗 / ULALA IMAI:ギャザリング / Gathering
今井麗 / ULALA IMAI:ギャザリング / Gathering
  • 今井麗 / ULALA IMAI:ギャザリング / Gathering
  • 今井麗 / ULALA IMAI:ギャザリング / Gathering
  • 今井麗 / ULALA IMAI:ギャザリング / Gathering
  • 今井麗 / ULALA IMAI:ギャザリング / Gathering
  • 今井麗 / ULALA IMAI:ギャザリング / Gathering
今井麗 / ULALA IMAI
ギャザリング / Gathering
Year: 2017
Medium: oil on canvas
Dimensions: 38 x 45.5 cm (15 x 18 in.)
Acquired from a private collection, 2022
今井による最も代表的なシリーズとなりつつある「Gathering」。作家による初の作品集も同名のタイトルが付けられている。実際にフィギュアやぬいぐるみを集めて配し、その光景を的確に捉えて描いている。祖母が海外から買い集めた多種多様な人形が棚に並べられていた様子が「Gathering」の着想の原風景となっていると言う。何かを並べるという行為は、美術作家であれば作品の展示ということに直結する。作品を展示するということは、何をどのように見せたいかという意思を明確に働かせる必要がある。今井の祖母が、そのような意志や意図をもって人形を飾っていたということではないにせよ、そこに集められた数々の人形を、群として認識することの面白さ、集合の中で絡み合った関係性を読み解く楽しみを見出したことが少なからず今日の今井の作家性と地続きであるに違いない。
ARTIST LIST
今井麗 / ULALA IMAI:KOALA 6
今井麗 / ULALA IMAI:KOALA 6
今井麗 / ULALA IMAI:KOALA 6
今井麗 / ULALA IMAI:KOALA 6
  • 今井麗 / ULALA IMAI:KOALA 6
  • 今井麗 / ULALA IMAI:KOALA 6
  • 今井麗 / ULALA IMAI:KOALA 6
  • 今井麗 / ULALA IMAI:KOALA 6
今井麗 / ULALA IMAI
KOALA 6
Year: 2020
Medium: oil on canvas
Dimensions: 24.2 x 33.3 cm (9 1/2 x 13 1/8 in.)
Acquired from a private collection, 2022
今井には繰り返し描かれる気に入ったモチーフがいくつかあり、「トースト」、「アボカド」、「Gathering」、など、いくつかのシリーズ作品が見られる。「コアラ」もそうした繰り返し描かれているモチーフで、毎回同じ特定のぬいぐるみを描いていると思われる。両手両足の爪の部分がマジックテープになっており棒などに抱きつかせることができる、玩具として非常にありふれたものだ。画家が描く題材としてはあまりに日常的過ぎて、特別な感情を抱きにくいものであるようには思えない。しかしながら、難聴を抱える今井にとっては目で世界を知ることが認知の大半を占めており、おそらくは人一倍見ることによってより多くの情報を得ている。何の変哲もないぬいぐるみ、しかもとぼけたような表情のコアラがこちらを向いているだけのシチュエーションから、今井はどのような気配を読み取り、何に心を動かされたのだろうかと想像を掻き立てられる。光の加減だろうか、大きく見開いた左目のすぐ隣には濃い影が落ちて、ふいに驚いたような、やや強張った表情にも見えてくる。言語では表しようのない何らかの感情の宿った強い眼差しをこの絵に描かれたぬいぐるみの瞳に感じるのは気のせいではないだろう。
ARTIST LIST
RAFA MACARRON:Sin título(cosmos)
RAFA MACARRON:Sin título(cosmos)
RAFA MACARRON:Sin título(cosmos)
RAFA MACARRON:Sin título(cosmos)
RAFA MACARRON:Sin título(cosmos)
RAFA MACARRON:Sin título(cosmos)
RAFA MACARRON:Sin título(cosmos)
RAFA MACARRON:Sin título(cosmos)
  • RAFA MACARRON:Sin título(cosmos)
  • RAFA MACARRON:Sin título(cosmos)
  • RAFA MACARRON:Sin título(cosmos)
  • RAFA MACARRON:Sin título(cosmos)
  • RAFA MACARRON:Sin título(cosmos)
  • RAFA MACARRON:Sin título(cosmos)
  • RAFA MACARRON:Sin título(cosmos)
  • RAFA MACARRON:Sin título(cosmos)
RAFA MACARRON
Sin título(cosmos)
Year: 2015
Medium: mixed media on aluminum, PVC
Dimensions: 186 x 296 cm (72 x 116 1/2 in.)
Acquired from Phillips, 2022
非常にスケールの大きな作品である。マカロンの作品には奇妙にデフォルメされた人物が無数に描かれているが、本作では非常に大きなサイズの画面に対して、描かれているキャラクターや事物の一つ一つはとても小さいため、特にその対比が効果的に表れている。大作にも関わらず、キャラクターには一人として似た者はいない。マカロンが一人一人のキャラクターに対して性格、表情、姿勢、役割、などさまざまな個性を細やかに空想しながら描いていることが伝わってくる。絵としては、惑星から赤い恒星らしき天体へ向かって無数のキャラクターたちが吹き上がってくる様子が描かれている。遠目に見ると巨大な植物が枝葉を伸ばしているようにも見える。コミカルな場面が画面のあちらこちらで繰り広げられ、マカロンらしい賑やかな世界観が広がっている。本作品の画面は非常に造形的に作られていることも特筆すべき点である。作品の天井に当たる赤い天体の部分はかなり全面に迫り出しており、実際に星の一部から切り出してきたかのような様相を呈している。また、下方にある青い惑星には歪なクレーターが見えるが、この部分も深いポケット状になっており、その内側を覗くとそこにも不思議なキャラクターたちが潜んでいる。
ARTIST LIST
近藤亜樹 / AKI KONDO:Summer Candies
近藤亜樹 / AKI KONDO:Summer Candies
近藤亜樹 / AKI KONDO:Summer Candies
近藤亜樹 / AKI KONDO:Summer Candies
近藤亜樹 / AKI KONDO:Summer Candies
  • 近藤亜樹 / AKI KONDO:Summer Candies
  • 近藤亜樹 / AKI KONDO:Summer Candies
  • 近藤亜樹 / AKI KONDO:Summer Candies
  • 近藤亜樹 / AKI KONDO:Summer Candies
  • 近藤亜樹 / AKI KONDO:Summer Candies
近藤亜樹 / AKI KONDO
Summer Candies
Year: 2016
Medium: oil on canvas
Dimensions: 90 x 65 cm (35 3/8 x 25 1/2 in.)
Acquired from Shugo Arts, 2022
深いブルーに、暖色の花の描写が鮮やかな作品。大きく花弁を広げて咲き誇るものの、花の命は短い。近藤は花を題材とした作品を数多く制作している。手向けの花、祝いの花、さりげなく食卓を飾る花。人が花を手折る時、その行為に含ませる意味はそれぞれに異なるが、近藤の描く花にもやはりその先にいるであろう「相手」との関係性を思わせる。花が咲くのは繁栄の為で、命を繋ぐ行為そのものなのだから、近藤はここでも「生きること」という主題を花の中に見出している。生きるためには他者や世界と向き合わねばならない。
ARTIST LIST
近藤亜樹 / AKI KONDO:アニエス
近藤亜樹 / AKI KONDO:アニエス
近藤亜樹 / AKI KONDO:アニエス
近藤亜樹 / AKI KONDO:アニエス
近藤亜樹 / AKI KONDO:アニエス
近藤亜樹 / AKI KONDO:アニエス
  • 近藤亜樹 / AKI KONDO:アニエス
  • 近藤亜樹 / AKI KONDO:アニエス
  • 近藤亜樹 / AKI KONDO:アニエス
  • 近藤亜樹 / AKI KONDO:アニエス
  • 近藤亜樹 / AKI KONDO:アニエス
  • 近藤亜樹 / AKI KONDO:アニエス
近藤亜樹 / AKI KONDO
アニエス
Year: 2013
Medium: oil on canvas
Dimensions: 227.5 x 182 cm (89 1/2 x 71 5/8 in.)
Acquired from Shugo Arts, 2022
柔らかく靡く髪の表現に目を奪われる。髪と生地を掴む複数の手、そして一際冷たい質感で異彩を放つ大きな裁ち鋏。「生きること」を主題として描く作家として知られる近藤だが、本作においては髪という人体の中でも目に見えて変化が著しい部位を、生命の象徴として扱っているように思われる。生きるということは常に変化を強いられることでもある。誕生から死に至るまでの時間と共に、老いや病、子供から大人へ成長、否応なしに心身ともに変化を止めることがない。布地は糸から編まれるが、繊維を髪(生命)の比喩だと仮定すると、それを掴む手やそこに重ねられた鋏、そして針と糸の意味が全て死と生に結びついて見えてくる。布を掴む二つの手は、互いの人差し指を絡め合わせているが、一方の指は青い。豊かな髪を誇らしげに、逞しい手で頬付きをする女性の顔はどこか蒼白に見え、首元は白い百合の花弁のようだ。両義的な描写によって、命が力強さと同時に危うげな脆さを合わせ持っていることを示唆するようである。本作は2018年に府中市美術館で開催された「絵画の行方」にて展示された。
ARTIST LIST
KATHARINA GROSSE:o.T.
KATHARINA GROSSE:o.T.
KATHARINA GROSSE:o.T.
KATHARINA GROSSE:o.T.
KATHARINA GROSSE:o.T.
KATHARINA GROSSE:o.T.
  • KATHARINA GROSSE:o.T.
  • KATHARINA GROSSE:o.T.
  • KATHARINA GROSSE:o.T.
  • KATHARINA GROSSE:o.T.
  • KATHARINA GROSSE:o.T.
  • KATHARINA GROSSE:o.T.
KATHARINA GROSSE
o.T.
Year: 2013
Medium: acrylic on aluminium and linen
Dimensions: 72 x 80 x 144 cm (28 3/8 x 31 1/2 x 56 3/4 in.)
Acquired from PHILLIPS, 2022
キャンバスから色彩を、絵画を解放したグロッセは、巨大なペインティングを立体化し、屋外にも展示している。クンストパラスト美術館（デュッセルドルフ）、ボン美術館などの建物横には、突如「色彩」が立ち上がり、巨人によって置かれていったような風情で彼女の作品が設置されている。アルミニウムにアクリル絵具をスプレーガンで着彩した本作は「色の絵画彫刻」とも言えるだろう。鮮やかに、エッジの立った３Dペインティングは空間を変容させる。

展示会履歴

ARTIST LIST
松本陽子 / YOKO MATSUMOTO:熱帯 / The Tropics
松本陽子 / YOKO MATSUMOTO:熱帯 / The Tropics
松本陽子 / YOKO MATSUMOTO:熱帯 / The Tropics
松本陽子 / YOKO MATSUMOTO:熱帯 / The Tropics
松本陽子 / YOKO MATSUMOTO:熱帯 / The Tropics
  • 松本陽子 / YOKO MATSUMOTO:熱帯 / The Tropics
  • 松本陽子 / YOKO MATSUMOTO:熱帯 / The Tropics
  • 松本陽子 / YOKO MATSUMOTO:熱帯 / The Tropics
  • 松本陽子 / YOKO MATSUMOTO:熱帯 / The Tropics
  • 松本陽子 / YOKO MATSUMOTO:熱帯 / The Tropics
松本陽子 / YOKO MATSUMOTO
熱帯 / The Tropics
Year: 2021
Medium: oil, oil pastel, charcoal on canvas
Dimensions: 130 x 194 cm (51 1/8 x 76 3/8 in.)
Acquired from Hino Gallery, 2022
本作では、松本の「Green」シリーズの中でも最も新しい発展的要素が見受けられる。これまでの「Green」では、緑を中心とした色面と、パステルの白や青などの線描の重なりによって、ブラッシュ・ストロークのダイナミズムとはまた異なる動性を表現してきた。重なり合った線の誘導によってか、キャンバスの中の絵画空間が歪み、まるで深い森の木々のざわめきのように揺さぶられているようにさえ見える。本作では特に緑の隙間から垣間見える青やオレンジの色彩が目に鮮やかに映る。特にオレンジは多作と一線を画する強い要素として緑の中にあって反対色としての強靭な存在感を放っている。下部より垂直に突くような逞しい萌芽を思わせるエネルギーが充満している。松本の「熱帯」とは、生命と色彩の蠕動なのである。2021年5月に予定されていた個展(日本橋髙島屋美術画廊X)が新型コロナウイルス感染拡大を受けて開催中止、半年間の延期を経て同年11月にようやく開かれた。その際のメインピースとしてスペース中央を飾った作品。
ARTIST LIST
今津景 / KEI IMAZU:Asyura
今津景 / KEI IMAZU:Asyura
今津景 / KEI IMAZU:Asyura
今津景 / KEI IMAZU:Asyura
今津景 / KEI IMAZU:Asyura
今津景 / KEI IMAZU:Asyura
  • 今津景 / KEI IMAZU:Asyura
  • 今津景 / KEI IMAZU:Asyura
  • 今津景 / KEI IMAZU:Asyura
  • 今津景 / KEI IMAZU:Asyura
  • 今津景 / KEI IMAZU:Asyura
  • 今津景 / KEI IMAZU:Asyura
今津景 / KEI IMAZU
Asyura
Year: 2022
Medium: oil on canvas
Dimensions: 100 x 80 cm
Acquired from Anomaly, 2022
今津景の特徴的な手法である、デジタルイメージを取り込み重層的に編集して作成した下図をもとに、キャンバスに描いた油彩作品。阿修羅像のイメージが、ブラッシュストロークと他の事物のイメージによって混沌とし、不穏で不安定なものへと変容している。それは阿修羅がもともと戦いの神であったという由来や、阿修羅像の異形をより際立たせることともなっている。私たちを取り巻くインターネットの情報の海、イメージの氾濫、あやふやで不確実性に満ちた現代そのものを描く、複雑で明快な絵画。今津の力量が発揮された作品である。

展示会履歴

ARTIST LIST
今津景 / KEI IMAZU:Orange Desert on Blue Sheet
今津景 / KEI IMAZU:Orange Desert on Blue Sheet
今津景 / KEI IMAZU:Orange Desert on Blue Sheet
今津景 / KEI IMAZU:Orange Desert on Blue Sheet
今津景 / KEI IMAZU:Orange Desert on Blue Sheet
今津景 / KEI IMAZU:Orange Desert on Blue Sheet
今津景 / KEI IMAZU:Orange Desert on Blue Sheet
  • 今津景 / KEI IMAZU:Orange Desert on Blue Sheet
  • 今津景 / KEI IMAZU:Orange Desert on Blue Sheet
  • 今津景 / KEI IMAZU:Orange Desert on Blue Sheet
  • 今津景 / KEI IMAZU:Orange Desert on Blue Sheet
  • 今津景 / KEI IMAZU:Orange Desert on Blue Sheet
  • 今津景 / KEI IMAZU:Orange Desert on Blue Sheet
  • 今津景 / KEI IMAZU:Orange Desert on Blue Sheet
今津景 / KEI IMAZU
Orange Desert on Blue Sheet
Year: 2009
Medium: acrylic on canvas
Dimensions: 116.8 x 91 cm (46 x 35 7/8 in.)
Acquired from SBI Art Auction, 2022
本作が描かれた当時の今津は雑誌やインターネットなどで様々な画像を直観的に集め、それをコンピュータ上で合成した下絵を参照しながら制作されている。直観的に選び取られていく画像同士には本来何の脈絡も存在しない。関係のない物同士が単に並んで描かれたとして、そこに絵画としての物語は生まれるだろうか。玩具箱をひっくり返して遊ぶ子供のように、今津は散漫と集められた画像素材の山を眺めながら、本来は付帯しているはずのない意味を想像し、そうして自らが作り出した意味同士を繋ぐ物語を空想したに違いない。オレンジ色に焼け付いた砂漠の果てに一本のヤシ。オアシスのように豊かな草花に囲まれた青はブルーシートである。高圧洗浄機、牛、様々な容器が散乱している。佇む三人の少女たちは趣向の全く異なる装いで、それぞれの視線が互いを見合うことさえない。何もかもバラバラな物同士がぎこちなく寄せ集められて世界がどうにか形を保っている。不条理ではあるが悪意のないユーモアに、つい頬が緩む。
ARTIST LIST
工藤麻紀子 / MAKIKO KUDO:謎の楽器を手に入れた / I Got a Mysterious Instrument
工藤麻紀子 / MAKIKO KUDO:謎の楽器を手に入れた / I Got a Mysterious Instrument
工藤麻紀子 / MAKIKO KUDO:謎の楽器を手に入れた / I Got a Mysterious Instrument
工藤麻紀子 / MAKIKO KUDO:謎の楽器を手に入れた / I Got a Mysterious Instrument
工藤麻紀子 / MAKIKO KUDO:謎の楽器を手に入れた / I Got a Mysterious Instrument
  • 工藤麻紀子 / MAKIKO KUDO:謎の楽器を手に入れた / I Got a Mysterious Instrument
  • 工藤麻紀子 / MAKIKO KUDO:謎の楽器を手に入れた / I Got a Mysterious Instrument
  • 工藤麻紀子 / MAKIKO KUDO:謎の楽器を手に入れた / I Got a Mysterious Instrument
  • 工藤麻紀子 / MAKIKO KUDO:謎の楽器を手に入れた / I Got a Mysterious Instrument
  • 工藤麻紀子 / MAKIKO KUDO:謎の楽器を手に入れた / I Got a Mysterious Instrument
工藤麻紀子 / MAKIKO KUDO
謎の楽器を手に入れた / I Got a Mysterious Instrument
Year: 2022
Medium: oil on wallpaper
Dimensions: 34.2 x 17.5 cm (13 1/2 x 6 7/8 in.)
Acquired from Tomio Koyama Gallery, 2022
ラフにカットした壁紙に描かれている。支持体がキャンバスでないことでドローイングと呼ぶことに違和感を覚えるほどに濃密な描画になっている。工藤にとってのドローイングとは線画という本来の意味よりも、即興的であったり、タブローの作品よりも簡潔な制作行為全般を意味するようだ。過去のインタビューでも、幼少の頃から路上やチラシの裏に絵を描く日常を過ごしていたことの延長にある、と述べている。今も子どもの頃と変わらないのだ、とも。本作ではトロンボーンに似た造形の管楽器を手にした少女が佇んでいる。謎の楽器と言うくらいだからきっと初めてそれを手にしているのだろう、楽器を握る所作もぎこちない。背景の青と緑の中でピンク色の衣服と黄色い楽器が浮き立って見える。どうやらこの楽器が音を鳴らすことはなさそうだが、薄めに溶いた油絵具の伸びやかな様子は、さらさら走る絵筆の心地よい音が聞こえてくるようだ。
ARTIST LIST
工藤麻紀子 / MAKIKO KUDO:夜の明かり / Night Lights
工藤麻紀子 / MAKIKO KUDO:夜の明かり / Night Lights
工藤麻紀子 / MAKIKO KUDO:夜の明かり / Night Lights
工藤麻紀子 / MAKIKO KUDO:夜の明かり / Night Lights
工藤麻紀子 / MAKIKO KUDO:夜の明かり / Night Lights
工藤麻紀子 / MAKIKO KUDO:夜の明かり / Night Lights
工藤麻紀子 / MAKIKO KUDO:夜の明かり / Night Lights
  • 工藤麻紀子 / MAKIKO KUDO:夜の明かり / Night Lights
  • 工藤麻紀子 / MAKIKO KUDO:夜の明かり / Night Lights
  • 工藤麻紀子 / MAKIKO KUDO:夜の明かり / Night Lights
  • 工藤麻紀子 / MAKIKO KUDO:夜の明かり / Night Lights
  • 工藤麻紀子 / MAKIKO KUDO:夜の明かり / Night Lights
  • 工藤麻紀子 / MAKIKO KUDO:夜の明かり / Night Lights
  • 工藤麻紀子 / MAKIKO KUDO:夜の明かり / Night Lights
工藤麻紀子 / MAKIKO KUDO
夜の明かり / Night Lights
Year: 2019
Medium: oil on canvas
Dimensions: 227.3 x 181.8 cm (89 1/2 x 71 1/2 in.)
Acquired from Tomio Koyama Gallery, 2022
梅は百花の魁と言われる通り、冬の寒さが厳しい2月ごろに咲く。ゆっくりと時間をかけて花をひらいて香りを綻ばせながら、春遠からじと告げる。工藤は本作を振り返って、夜に見る梅が好きだったと作品集『空気に生まれ変わる』に書いている。この時期の夜は寒く、その凛と刺すような空気が画面からも感じられる。紅白の梅の間を青白い人物が、なぜか頭には雄鶏を乗せて歩いている。紅白の梅が冬の夜の凍ったような風景をほんのりとしたピンク色で少しだけ暖かく見せている。
梅が早春を告げる花だとすると、鶏は夜明けを知らせて鳴く鳥だ。長い冬、暗い夜がもうじき明けてくれるのだと淡い期待を胸に歩みを進めているはずの人物の面持ちは未だ硬く強張っているが、これからの春の訪れとともにゆっくり綻んでいくのだろう。
ARTIST LIST
杉本博司 / HIROSHI SUGIMOTO:Manatee
杉本博司 / HIROSHI SUGIMOTO:Manatee
杉本博司 / HIROSHI SUGIMOTO:Manatee
杉本博司 / HIROSHI SUGIMOTO:Manatee
杉本博司 / HIROSHI SUGIMOTO:Manatee
  • 杉本博司 / HIROSHI SUGIMOTO:Manatee
  • 杉本博司 / HIROSHI SUGIMOTO:Manatee
  • 杉本博司 / HIROSHI SUGIMOTO:Manatee
  • 杉本博司 / HIROSHI SUGIMOTO:Manatee
  • 杉本博司 / HIROSHI SUGIMOTO:Manatee
杉本博司 / HIROSHI SUGIMOTO
Manatee
Year: 1994
Medium: gelatin silver print
Dimensions: 42.2 x 54.3 cm (16 5/8 x 21 3/8 in.)
Edition: No. 8 of 25
Acquired from Sotheby’s, 2022
杉本の作品の中でも初期の重要な作品の一つに、NYのアメリカ自然史博物館の展示物をあたかも実際の風景の様に写したことで始まった「ジオラマ」シリーズがある。本作はその一つで、デンバー自然科学博物館のマナティの親子の標本展示を撮影したものだろう。ジオラマ自体の完成度もあってのことではあるものの、予備知識なく本作品を見れば海中の微笑ましいワンシーンを写真に写したものと誤認するはすである。8 x 10インチの大判フィルムならではの精密さで生々しく写し取られており、同様の「劇場」や「海景」よりもその解像度の精緻さがより強く発揮されている。非生命に生命を吹き込み直す魔術のような表現は蝋人形の「肖像写真」シリーズへも繋がっていく。「ジオラマ」はNYの伝説的ギャラリーであるソナベンドの所属作家となる契機となった他、70年代MoMA写真部門の名物キュレーターであったジョン・シャーカウスキーにも本シリーズを認められて同館のコレクションへ収蔵に至っている。写真が美術として認知されていくにあたってシャーカウスキーの業績は美術史において非常に大きいが、シャーカウスキーの厳しい眼識に優れた作品であると認めさせたことは駆け出しの杉本の写真が既に完成された美意識と技術によって美術品としての価値を備えていたことの証左である。
ARTIST LIST
塩田千春 / CHIHARU SHIOTA:上海での隔離 / Quarantine in Shanghai
塩田千春 / CHIHARU SHIOTA:上海での隔離 / Quarantine in Shanghai
塩田千春 / CHIHARU SHIOTA:上海での隔離 / Quarantine in Shanghai
塩田千春 / CHIHARU SHIOTA:上海での隔離 / Quarantine in Shanghai
塩田千春 / CHIHARU SHIOTA:上海での隔離 / Quarantine in Shanghai
  • 塩田千春 / CHIHARU SHIOTA:上海での隔離 / Quarantine in Shanghai
  • 塩田千春 / CHIHARU SHIOTA:上海での隔離 / Quarantine in Shanghai
  • 塩田千春 / CHIHARU SHIOTA:上海での隔離 / Quarantine in Shanghai
  • 塩田千春 / CHIHARU SHIOTA:上海での隔離 / Quarantine in Shanghai
  • 塩田千春 / CHIHARU SHIOTA:上海での隔離 / Quarantine in Shanghai
塩田千春 / CHIHARU SHIOTA
上海での隔離 / Quarantine in Shanghai
Year: 2021
Medium: water-soluble wax pastel, ink, thread on paper
Dimensions: 20 x 25 cm (7 7/8 x 9 7/8 in.)
Acquired from KENJI TAKI GALLERY, 2022
本作は塩田が2021年に展覧会のために訪れた上海で長期間の隔離を経験した際に滞在先で描かれた一連のドローイング群の内の一点。同シリーズでは、ホテルの室内らしきベッドや、自らの手足、椅子、窓、群衆、家などのいくつかのモチーフが連続して描かれている。本作は10名ほどの人々が身を寄せ合っている。厳しい措置の最中に人が集うとすれば検査か除染作業の様子だろうか。パンデミックによって人と人の距離が遠ざけられることとなった事実に直面した塩田がそれに対して何も感じないことなどなかっただろう。塩田の作品には赤く染め上げた糸が多用されるが、体内の血管組織を直接的に模しているのと同時に、血縁や運命を繋ぐ比喩としての糸でもある。赤い糸の意味は本作においても引き継がれている。幾人かの胸と胸の間を結ぶように伸びる数条の黒い糸や赤いインクによる網状の描写は、いずれも中心に描かれたただ一人赤い輪郭を伴った人物から広がっている。互いに触れ合うことはできなくとも、心を繋げることはできるという希望を表象しているだろう。

展示会履歴

ARTIST LIST
塩田千春 / CHIHARU SHIOTA:上海での隔離 / Quarantine in Shanghai
塩田千春 / CHIHARU SHIOTA:上海での隔離 / Quarantine in Shanghai
塩田千春 / CHIHARU SHIOTA:上海での隔離 / Quarantine in Shanghai
塩田千春 / CHIHARU SHIOTA:上海での隔離 / Quarantine in Shanghai
塩田千春 / CHIHARU SHIOTA:上海での隔離 / Quarantine in Shanghai
  • 塩田千春 / CHIHARU SHIOTA:上海での隔離 / Quarantine in Shanghai
  • 塩田千春 / CHIHARU SHIOTA:上海での隔離 / Quarantine in Shanghai
  • 塩田千春 / CHIHARU SHIOTA:上海での隔離 / Quarantine in Shanghai
  • 塩田千春 / CHIHARU SHIOTA:上海での隔離 / Quarantine in Shanghai
  • 塩田千春 / CHIHARU SHIOTA:上海での隔離 / Quarantine in Shanghai
塩田千春 / CHIHARU SHIOTA
上海での隔離 / Quarantine in Shanghai
Year: 2021
Medium: water-soluble wax pastel, ink, thread on paper
Dimensions: 20 x 25 cm (7 7/8 x 9 7/8 in.)
Acquired from KENJI TAKI GALLERY, 2022
横並びに置かれた2台のベッド。本作を含む「上海での隔離」シリーズは、塩田の実体験に基づいて制作されたドローイングである。厳しい感染症対策措置が敷かれていた2021年冬、上海市のホテルの一室で隔離期間を過ごしていた塩田はその際の室内の様子を多数のドローイングとして制作した。2台のベッドのうち奥に置かれたものはベッドメイキングがなされたままだ。手前の赤い描写が重ねられている方で塩田が眠っていたのだろう。赤い網状の描写は塩田の身体がつい今し方までそこに横たわっていたことを示すように寝台から壁へと伸び上がり、室内に広がっていくように見える。その見えない体の存在を感じさせるように黒い糸ベッドの上から伸び、解放を求めてか明るい窓を目指している。

展示会履歴

ARTIST LIST
塩田千春 / CHIHARU SHIOTA:宇宙とつながる / Connected to the Universe
塩田千春 / CHIHARU SHIOTA:宇宙とつながる / Connected to the Universe
塩田千春 / CHIHARU SHIOTA:宇宙とつながる / Connected to the Universe
塩田千春 / CHIHARU SHIOTA:宇宙とつながる / Connected to the Universe
塩田千春 / CHIHARU SHIOTA:宇宙とつながる / Connected to the Universe
  • 塩田千春 / CHIHARU SHIOTA:宇宙とつながる / Connected to the Universe
  • 塩田千春 / CHIHARU SHIOTA:宇宙とつながる / Connected to the Universe
  • 塩田千春 / CHIHARU SHIOTA:宇宙とつながる / Connected to the Universe
  • 塩田千春 / CHIHARU SHIOTA:宇宙とつながる / Connected to the Universe
  • 塩田千春 / CHIHARU SHIOTA:宇宙とつながる / Connected to the Universe
塩田千春 / CHIHARU SHIOTA
宇宙とつながる / Connected to the Universe
Year: 2021
Medium: water-soluble wax pastel, ink, thread on paper
Dimensions: 27 x 37 cm (10 5/8 x 14 1/2 in.)
Acquired from KENJI TAKI GALLERY, 2022
塩田の作品にはたびたび宇宙が登場する。糸が表すのは宇宙であり、血液であり、心と心を繋ぐものだと塩田は繰り返し述べている。本作では向かい合う二人の間を糸が結んでいる。タイトルに「宇宙とつながる」とあるが、塩田にとっての宇宙は魂や精神など人間の内部的な宇宙という意味も含んでいる。人と人を繋ぐ糸は、同時に人と宇宙、宇宙と宇宙がお互いにつながることを表しているだろう。塩田のドローイング作品では、人物や船から噴き出す網目か泡のような描写が見られることがあるが、本作においてはそれが人物を取り巻くようにして描かれている。塩田の描く線や糸は単にAとBを直線的に繋ぐというだけのものではなく、むしろ様々な障害や困難を迂回し、複雑に絡みながら全体を包み込んでいく。塩田のインスタレーションでは糸が多重に重なって複雑な網目を作り出し、ガラス作品などの彫刻においても果物の房や内蔵器官のような内包性のある造形が多用されていることも関連してくるだろう。
ARTIST LIST
工藤麻紀子 / MAKIKO KUDO:ウイルス / Virus
工藤麻紀子 / MAKIKO KUDO:ウイルス / Virus
工藤麻紀子 / MAKIKO KUDO:ウイルス / Virus
工藤麻紀子 / MAKIKO KUDO:ウイルス / Virus
工藤麻紀子 / MAKIKO KUDO:ウイルス / Virus
  • 工藤麻紀子 / MAKIKO KUDO:ウイルス / Virus
  • 工藤麻紀子 / MAKIKO KUDO:ウイルス / Virus
  • 工藤麻紀子 / MAKIKO KUDO:ウイルス / Virus
  • 工藤麻紀子 / MAKIKO KUDO:ウイルス / Virus
  • 工藤麻紀子 / MAKIKO KUDO:ウイルス / Virus
工藤麻紀子 / MAKIKO KUDO
ウイルス / Virus
Year: 2022
Medium: acrylic on handkerchief
Dimensions: 26 x 27.3 cm (10 1/4 x 10 3/4 in.)
Acquired from Tomio Koyama Gallery, 2022
工藤の作品は、日常と絵画の境界が緩やかに交わる。本作は、筆を洗う際に、と母親から贈られたハンカチを支持体として選んでいる。猫と暮らし、絵中にもよく猫が登場する工藤だが、本作ではハンカチの絵柄が愛らしい黒猫になっているところが何とも微笑ましい。しかし、描かれている人物は顔を真っ直ぐ前に向けて目を瞠っており、その横顔はかなり強張って見える。タイトルは「ウイルス」である。ハンカチに点々とプリントされた黒猫などの図案が、待機中に蔓延り人類に猛威を振るう目に見えない脅威の比喩に思えてくる。本作の制作は2022年であり、発表当時も依然として世界はCOVID-19の脅威に晒され続けており、それと戦うことが人類の大命題となっていたこともあって多くのアーティストは彼らなりのソーシャル・コメンタリーとして、あるいは願いや祈りとして作品に表した。工藤のハンカチの作品は本作を含めていくつか制作され、ギャラリーや美術館での展示の際にはまるで洗濯物を干すようにロープに吊るされて、宙空で軽やかにゆらめいていた。
ARTIST LIST
塩田千春 / CHIHARU SHIOTA:存在様態 (髑髏) / State of Being (Skull)
塩田千春 / CHIHARU SHIOTA:存在様態 (髑髏) / State of Being (Skull)
塩田千春 / CHIHARU SHIOTA:存在様態 (髑髏) / State of Being (Skull)
塩田千春 / CHIHARU SHIOTA:存在様態 (髑髏) / State of Being (Skull)
塩田千春 / CHIHARU SHIOTA:存在様態 (髑髏) / State of Being (Skull)
塩田千春 / CHIHARU SHIOTA:存在様態 (髑髏) / State of Being (Skull)
塩田千春 / CHIHARU SHIOTA:存在様態 (髑髏) / State of Being (Skull)
  • 塩田千春 / CHIHARU SHIOTA:存在様態 (髑髏) / State of Being (Skull)
  • 塩田千春 / CHIHARU SHIOTA:存在様態 (髑髏) / State of Being (Skull)
  • 塩田千春 / CHIHARU SHIOTA:存在様態 (髑髏) / State of Being (Skull)
  • 塩田千春 / CHIHARU SHIOTA:存在様態 (髑髏) / State of Being (Skull)
  • 塩田千春 / CHIHARU SHIOTA:存在様態 (髑髏) / State of Being (Skull)
  • 塩田千春 / CHIHARU SHIOTA:存在様態 (髑髏) / State of Being (Skull)
  • 塩田千春 / CHIHARU SHIOTA:存在様態 (髑髏) / State of Being (Skull)
塩田千春 / CHIHARU SHIOTA
存在様態 (髑髏) / State of Being (Skull)
Year: 2015
Medium: metal frame, red thread, skull model
Dimensions: 50 x 25 x 25 cm (19 5/8 x 9 7/8 x 9 7/8 in.)
Acquired from KENJI TAKI GALLERY, 2022
「存在様態」は塩田の作品の中でも最も重要なシリーズであると目される。直方体の金属製フレームによって囲われた中にさまざまなオブジェが置かれ、赤、白、黒などいずれか単色の糸によってそのオブジェが中空に保持されている、というものだ。本作は塩田の代名詞とも言える赤い糸、そして塩田の一貫したテーマである死と生についてを象徴する髑髏の組み合わせが選ばれている。「存在様態」の語を、塩田はおそらく言語理論や哲学用語から採っていると思われる。デカルトやスピノザらが論ずる存在論では「実体」「属性」「様態」という区別によって存在を記述していく。絶対的な「実体」が変容した状態を意味する「属性」、「実体」が何らかの特殊性を帯びた様子を「様態」として事象を判別していく。塩田の「存在様態」シリーズで表されるものは、それがいかにして在るのか(being)という状態の表明(state of)である。そして、ある事物がその在り方によって特殊性を獲得している状態を造形として捉えることだ。ヴァニタスとして髑髏を用いることで、本作に相対する私たち個々に向けてそれぞれの死と生についての「様態」を問いかける。

展示会履歴

ARTIST LIST
MISHECK MASAMVU:The Power of Running Away
MISHECK MASAMVU:The Power of Running Away
MISHECK MASAMVU:The Power of Running Away
MISHECK MASAMVU:The Power of Running Away
MISHECK MASAMVU:The Power of Running Away
MISHECK MASAMVU:The Power of Running Away
MISHECK MASAMVU:The Power of Running Away
MISHECK MASAMVU:The Power of Running Away
  • MISHECK MASAMVU:The Power of Running Away
  • MISHECK MASAMVU:The Power of Running Away
  • MISHECK MASAMVU:The Power of Running Away
  • MISHECK MASAMVU:The Power of Running Away
  • MISHECK MASAMVU:The Power of Running Away
  • MISHECK MASAMVU:The Power of Running Away
  • MISHECK MASAMVU:The Power of Running Away
  • MISHECK MASAMVU:The Power of Running Away
MISHECK MASAMVU
The Power of Running Away
Year: 2022
Medium: oil on canvas
Dimensions: 238 x 285 cm (93 3/4 x 112 1/4 in.)
Acquired from Goodman Gallery, 2022
本作は国際芸術祭あいち2022において紹介された4作の1点である。世界的なロックダウンの最中本作は描かれた。常に社会的な抑圧や苦悩を作品に昇華させていく作家であるマザンヴにとって、COVID19の未曾有のパンデミックはジンバブエの抱える社会不安をさらに増長させる不安定なファクターとして制作にも深い影響を与えたことだろう。その葛藤を愚直に吐き出すかのような力強い色彩と筆致が画面を覆い尽くしている。幾重にも重ねられ、下層を次々と消し込んでいくような激しいエネルギーがまざまざと表れている。マザンヴの絵画は抽象でもあり具象でもある。本作でも、この激しい筆致に目が慣れるに従って、人物らしきシルエットの一部が奥底から浮かんでくる。画面の比較的中央部に集まった色彩の塊の中で一際白くまとまった描写が目に止まるだろう。白の中に赤い線が僅かに輪郭をなしているのも見えてくる。おそらくは臀部から足、判然とはしないが身を屈めたり座り込んだような姿勢の人物が複数描かれていた痕跡かも知れない。「The Power of Running Away (逃げる力)」と題されている本作は作家の絵画への姿勢を強く示唆しているように思われる。文字通り抗えぬものからの必死の逃走であるかもしれないが、後方へではなく前に進む力なのではないか。ジル・ドゥルーズとフェリックス・ガタリが述べるところの「逃走線」つまりは困難を迂回していく逃げ道の連なりこそが未来を切り開く力と転じていく、マザンヴの筆致はそういう力を目指した線であるだろう。
ARTIST LIST
工藤麻紀子 / MAKIKO KUDO:あかくもえる / Burning Red
工藤麻紀子 / MAKIKO KUDO:あかくもえる / Burning Red
工藤麻紀子 / MAKIKO KUDO:あかくもえる / Burning Red
工藤麻紀子 / MAKIKO KUDO:あかくもえる / Burning Red
工藤麻紀子 / MAKIKO KUDO:あかくもえる / Burning Red
工藤麻紀子 / MAKIKO KUDO:あかくもえる / Burning Red
  • 工藤麻紀子 / MAKIKO KUDO:あかくもえる / Burning Red
  • 工藤麻紀子 / MAKIKO KUDO:あかくもえる / Burning Red
  • 工藤麻紀子 / MAKIKO KUDO:あかくもえる / Burning Red
  • 工藤麻紀子 / MAKIKO KUDO:あかくもえる / Burning Red
  • 工藤麻紀子 / MAKIKO KUDO:あかくもえる / Burning Red
  • 工藤麻紀子 / MAKIKO KUDO:あかくもえる / Burning Red
工藤麻紀子 / MAKIKO KUDO
あかくもえる / Burning Red
Year: 2012
Medium: oil on canvas
Dimensions: 181.1 x 227.3 cm (71 1/4 x 89 1/2 in.)
Acquired from Tomio Koyama Gallery, 2022
工藤の2000年代の初期作が鮮烈な色彩でフォーヴからの影響を指摘されていることに比べると、2010年代あたりの作品にはどことなく鬱屈とした暗さが画面を覆っている。およそ10年単位で大別していくならば、近年の2020年代の作風はかなり明るく開けた印象へとかわってきていると言える。本作はその観点から見れば2010年代の特徴がよく表れているだろう。水色で描かれた人物が中空に横たわっている。その浮かない表情や手足を木々に吊るされたような姿は物悲しさが滲んでいる。その浮世離れした様子に似つかわしくなく、背景に広がる森は高く聳える針葉樹の垂直性が力強く描かれ、生命感がみなぎっている。梢に青空がのぞく様子からそこまで暗い森ではないようだ。おそらく西日の赤い光が、ところどころ幹の低い位置にまで差し込んでいる。深い森の内側まで赤く照らされたこの景色のように、冷めた様子に見える水色の人物の胸の内も実は静かに燃えているのかもしれない。
ARTIST LIST
MARC QUINN:The Moon of Jupiter
MARC QUINN:The Moon of Jupiter
MARC QUINN:The Moon of Jupiter
MARC QUINN:The Moon of Jupiter
MARC QUINN:The Moon of Jupiter
MARC QUINN:The Moon of Jupiter
  • MARC QUINN:The Moon of Jupiter
  • MARC QUINN:The Moon of Jupiter
  • MARC QUINN:The Moon of Jupiter
  • MARC QUINN:The Moon of Jupiter
  • MARC QUINN:The Moon of Jupiter
  • MARC QUINN:The Moon of Jupiter
MARC QUINN
The Moon of Jupiter
Year: 2010
Medium: oil on canvas
Dimensions: 170 x 270 cm (66 7/8 x 106 1/4 in.)
Acquired from Sotheby's, 2022
クインは多数の作品シリーズがあるが、最も有名なものの一つに「Garden」(2000年)がある。これは冷凍システムを完備した巨大なショーケースに季節も地域もさまざまな鑑賞用花卉を用いてさながら楽園の花園のようなインスタレーションを展示したもので、ファウンデーション・プラダのために制作された。以降、人間の愉悦のために最適化された園芸品種の花々が讃える人工的な美しさを題材とした作品展開が始まっている。古来より花は生の喜びを祝い、死者への手向として贈られてきた身近な自然であったが、現代においては短期的な鑑賞を目的としたプロダクトとして消費され続けている。本作を含む、花のハイパーリアリズム絵画のシリーズにおいてクインはただ花の美しさを賛美してるのでは全くない。むしろ、作られた花という不自然さを描出しているのである。もはや花は自然ではない。園芸品種は野生から切り離され、種をなすことも許されず、人間の生活に彩りを添えるものに作り変えられてしまった。このシリーズにおいてクインは、火山の砂や雪の中などの決して花が咲くはずのない環境に散りばめられた花々を写真に収め、それを精密に描写している。自然を剥奪された花の凍結した時間を描いているのである。品種改良や遺伝子操作を重ねられていく花々は、自らのために他の生命をデザインするという人間の強欲を象徴しているだろう。

展示会履歴

ARTIST LIST
MARTIN CREED:Work No. 1392
MARTIN CREED:Work No. 1392
MARTIN CREED:Work No. 1392
MARTIN CREED:Work No. 1392
MARTIN CREED:Work No. 1392
  • MARTIN CREED:Work No. 1392
  • MARTIN CREED:Work No. 1392
  • MARTIN CREED:Work No. 1392
  • MARTIN CREED:Work No. 1392
  • MARTIN CREED:Work No. 1392
MARTIN CREED
Work No. 1392
Year: 2012
Medium: acrylic on canvas
Dimensions: 35.5 x 28 cm (14 x 11 in.)
Acquired from Sotheby’s, 2022
「全世界+作品＝全世界」とはクリードの言だが、それほどにこの作家の対象範囲は広く底が知れない。クリードの描く絵画は、絵画史の文脈を意識しているには違いないがあくまでエッセンスを抽出して並べているに過ぎないとさえ思える軽妙さを見せる。本作は基本的な色彩である赤、黄色、青、緑、それらの中間色が、虹(と表現するにしてはあまりに雑に)のように重ねられている。ストライプやコンポジションといった色彩の構成を見せようという意図は感じられず、強いて言えば強い横殴りのストロークと色彩の明るさが特徴的であると言えばそうなるだろう。クリードの作品は時にコンセプチュアル・アートともアブジェクト・アートとも評される。両者はジャンルとしては恐ろしく遠い両極端にあるのだが、クリードはその両サイドを容易にカバーしてしまう。本作のような掴みどころのない作品であればあるほどクリードのクリエイティビティのどの一端が表出したのか答えを見つけ出すことは困難である。しかしながら、むしろその困難さを受容して向き合うのがクリード作品の醍醐味であるとも言える。

展示会履歴

ARTIST LIST
杉本博司 / HIROSHI SUGIMOTO:United Nations
杉本博司 / HIROSHI SUGIMOTO:United Nations
杉本博司 / HIROSHI SUGIMOTO:United Nations
杉本博司 / HIROSHI SUGIMOTO:United Nations
  • 杉本博司 / HIROSHI SUGIMOTO:United Nations
  • 杉本博司 / HIROSHI SUGIMOTO:United Nations
  • 杉本博司 / HIROSHI SUGIMOTO:United Nations
  • 杉本博司 / HIROSHI SUGIMOTO:United Nations
杉本博司 / HIROSHI SUGIMOTO
United Nations
Year: 1997
Medium: gelatin silver print
Dimensions: sheet size: 58.5 x 47 cm (23 1⁄2 x 18 1⁄2 in.) frame size: 78 x 60.3 cm (30 3⁄4 x 23 3⁄4 in.)
Acquired from Sotheby’s, 2022
杉本の「建築」シリーズの一点。本作ではタイトルにある通り、NYに建つ国際連合本部ビルを撮っている。戦勝国各国を代表する建築家を集めたチームによって設計案に取り組み、最終的にはフランスのル・コルビュジェとブラジルのオスカー・ニーマイヤーのプランの折衷案を骨子として委員長であるアメリカのウォレス・ハリソンが現行の建築設計に取りまとめたものだ。薄板型に聳える特徴的な外観に加えて、コルビュジェの原案では地上界は彼の得意としたピロティが設けられ中空の浮き上がるような構造が草案されてた。ハリソンによって大きく計画を変更されたことでこのコルビュジェ案は実現せず、ハリソンとコルビュジェの間に軋轢を生んだとされる。杉本の「建築」シリーズは、著名なモダニスム建築をわざと焦点をぼかして撮影している。杉本曰く、建築物とは現実との妥協によって、設計者の当初抱いたイメージとは異なったものとして実現するのである。コルビュジェやニーマイヤーの理想は確かに完全な形では達成されなかった。しかし、その秘められた思想は現実の建築物の中に精神として宿っているはずである。杉本はあえて建築物の堅牢な外殻をぼかすことによってその建築の中で仮死している建築家の理想を蘇生し、写真として具現化しようとしているのである。
ARTIST LIST
ミカ・タジマ(田島美加) / MIKA TAJIMA:Negative Entropy (TAE Pulse Power Capacitor, Black, Single)
ミカ・タジマ(田島美加) / MIKA TAJIMA:Negative Entropy (TAE Pulse Power Capacitor, Black, Single)
ミカ・タジマ(田島美加) / MIKA TAJIMA:Negative Entropy (TAE Pulse Power Capacitor, Black, Single)
ミカ・タジマ(田島美加) / MIKA TAJIMA:Negative Entropy (TAE Pulse Power Capacitor, Black, Single)
ミカ・タジマ(田島美加) / MIKA TAJIMA:Negative Entropy (TAE Pulse Power Capacitor, Black, Single)
  • ミカ・タジマ(田島美加) / MIKA TAJIMA:Negative Entropy (TAE Pulse Power Capacitor, Black, Single)
  • ミカ・タジマ(田島美加) / MIKA TAJIMA:Negative Entropy (TAE Pulse Power Capacitor, Black, Single)
  • ミカ・タジマ(田島美加) / MIKA TAJIMA:Negative Entropy (TAE Pulse Power Capacitor, Black, Single)
  • ミカ・タジマ(田島美加) / MIKA TAJIMA:Negative Entropy (TAE Pulse Power Capacitor, Black, Single)
  • ミカ・タジマ(田島美加) / MIKA TAJIMA:Negative Entropy (TAE Pulse Power Capacitor, Black, Single)
ミカ・タジマ(田島美加) / MIKA TAJIMA
Negative Entropy (TAE Pulse Power Capacitor, Black, Single)
Year: 2017
Medium: cotton, wood, acoustic baffling felt
Dimensions: 93.7 x 67 cm (36 7/8 x 26 3/8 in.)
Acquired from TARONASU, 2022
本作は田島の代表作シリーズにあたる「Negative Entropy」の「Single」、つまり音形パターンを一組のみ使用した作品となる。ある特定の場所において発せられる環境音や機械音などを録音した音源データを可視化したスペクトログラムを織物の図案としている。ジャカード織は上糸と下糸を上げ下げして複雑な図案を作る。古くはパンチングカードによってプログラムされ、現代ではデジタルデータによってコントロールされている。田島の耳に届く音は目に見えないものであったはずだが、それを収録してデジタル音声に変換し、さらにスペクトログラムとして視覚情報化するという多重の転換を経て、最終的には織物となって描出されていくのである。織物という技術はおそらくは文字よりも歴史が古く、現代に至るまで人類の生活の基礎を支え続けている。田島はこれまでも一貫して自身を含む人類と物資やエネルギーの関係性、人間の意識や社会の変遷についてを表現しており、その観点において、織物という原始的技術に立ちかえることは必然性があると言える。黒を基調としていることはタイトルから想像されるが、スペクトログラムの波形が左右の黄色と青色とに掠れていく様子が目を惹き付ける美しい作品である。
ARTIST LIST
ミカ・タジマ(田島美加) / MIKA TAJIMA:Negative Entropy (Stripe International Inc., Legal Department, Black and White, Hex)
ミカ・タジマ(田島美加) / MIKA TAJIMA:Negative Entropy (Stripe International Inc., Legal Department, Black and White, Hex)
ミカ・タジマ(田島美加) / MIKA TAJIMA:Negative Entropy (Stripe International Inc., Legal Department, Black and White, Hex)
ミカ・タジマ(田島美加) / MIKA TAJIMA:Negative Entropy (Stripe International Inc., Legal Department, Black and White, Hex)
ミカ・タジマ(田島美加) / MIKA TAJIMA:Negative Entropy (Stripe International Inc., Legal Department, Black and White, Hex)
  • ミカ・タジマ(田島美加) / MIKA TAJIMA:Negative Entropy (Stripe International Inc., Legal Department, Black and White, Hex)
  • ミカ・タジマ(田島美加) / MIKA TAJIMA:Negative Entropy (Stripe International Inc., Legal Department, Black and White, Hex)
  • ミカ・タジマ(田島美加) / MIKA TAJIMA:Negative Entropy (Stripe International Inc., Legal Department, Black and White, Hex)
  • ミカ・タジマ(田島美加) / MIKA TAJIMA:Negative Entropy (Stripe International Inc., Legal Department, Black and White, Hex)
  • ミカ・タジマ(田島美加) / MIKA TAJIMA:Negative Entropy (Stripe International Inc., Legal Department, Black and White, Hex)
ミカ・タジマ(田島美加) / MIKA TAJIMA
Negative Entropy (Stripe International Inc., Legal Department, Black and White, Hex)
Year: 2021
Medium: cotton, wood, acoustic baffling felt
Dimensions: 140 x 280 cm (55 1/8 x 110 1/4 in.)
Acquired from TARONASU, 2022
田島の代表作である「Negative Entropy」シリーズ。本作はその中でも「Hex」と呼ばれる6面のパターン構成からなる大型の作品である。このシリーズには幾重にも掛け合わされた意味がある。まず、タイトルにある通り「Negative Entropy(負のエントロピー)」という難解な熱力学の概念をベースとしている。量子力学で有名なシュレーディンガーが『生命とは何か』という論文の中で「生命は負のエントロピーを食べる」と書いて物議を醸したことに着想を得ていると思われる。田島は本作を特定の場所で録音した環境音を解析したスペクトログラムの図像をジャカード織で制作している。音源の採取地には何かを生産する場所が選ばれる。そこで何らかの生産行為に対して副次的に発生する音とは、まさに無秩序の状態＝高いエントロピーを有するものだと田島は認識しているのだろう、それを図形化し、織物として定着させていくことで低いエントロピーへと変換していく行為である。ここにおいて田島が作品を制作する行為は、本来その環境には介在するはずのなかった外的な要因(エネルギー)に他ならず、田島が空間に散乱した音を拾い集めて一枚の作品という安定的な状態へと変化させていく、つまりその場のエントロピーを負の方向へ導くのである。素材に目を向けると「acoustic baffling felt(吸音フェルト)」を用いているとある。音に起因する作品を、音を無化する素材に置換するのである。さらに、田島は度々本シリーズについてアコースティック・ポートレート的な行為であると述べているが、それは「聴覚的な描出」といった意味合いになるだろう。本作の視覚的な様相は副次的なものであり、作品の本質は聴覚的に対象を捉えた事実にこそあるということだ。
ARTIST LIST
工藤麻紀子 / MAKIKO KUDO:熱いアスファルトにねころがるのも好きだったけれど / I Also Liked Lying Down on the Hot Pavement
工藤麻紀子 / MAKIKO KUDO:熱いアスファルトにねころがるのも好きだったけれど / I Also Liked Lying Down on the Hot Pavement
工藤麻紀子 / MAKIKO KUDO:熱いアスファルトにねころがるのも好きだったけれど / I Also Liked Lying Down on the Hot Pavement
工藤麻紀子 / MAKIKO KUDO:熱いアスファルトにねころがるのも好きだったけれど / I Also Liked Lying Down on the Hot Pavement
工藤麻紀子 / MAKIKO KUDO:熱いアスファルトにねころがるのも好きだったけれど / I Also Liked Lying Down on the Hot Pavement
工藤麻紀子 / MAKIKO KUDO:熱いアスファルトにねころがるのも好きだったけれど / I Also Liked Lying Down on the Hot Pavement
工藤麻紀子 / MAKIKO KUDO:熱いアスファルトにねころがるのも好きだったけれど / I Also Liked Lying Down on the Hot Pavement
  • 工藤麻紀子 / MAKIKO KUDO:熱いアスファルトにねころがるのも好きだったけれど / I Also Liked Lying Down on the Hot Pavement
  • 工藤麻紀子 / MAKIKO KUDO:熱いアスファルトにねころがるのも好きだったけれど / I Also Liked Lying Down on the Hot Pavement
  • 工藤麻紀子 / MAKIKO KUDO:熱いアスファルトにねころがるのも好きだったけれど / I Also Liked Lying Down on the Hot Pavement
  • 工藤麻紀子 / MAKIKO KUDO:熱いアスファルトにねころがるのも好きだったけれど / I Also Liked Lying Down on the Hot Pavement
  • 工藤麻紀子 / MAKIKO KUDO:熱いアスファルトにねころがるのも好きだったけれど / I Also Liked Lying Down on the Hot Pavement
  • 工藤麻紀子 / MAKIKO KUDO:熱いアスファルトにねころがるのも好きだったけれど / I Also Liked Lying Down on the Hot Pavement
  • 工藤麻紀子 / MAKIKO KUDO:熱いアスファルトにねころがるのも好きだったけれど / I Also Liked Lying Down on the Hot Pavement
工藤麻紀子 / MAKIKO KUDO
熱いアスファルトにねころがるのも好きだったけれど / I Also Liked Lying Down on the Hot Pavement
Year: 2018
Medium: oil on canvas
Dimensions: 227.8 x 181.8 cm (89 3/4 x 51 5/8 in.)
Acquired from Tomio Koyama Gallery, 2022
実に工藤らしい、動植物と人物の複雑な組み合わせで画面全体が構成されている。大きな植物のまとまりが四方を取り囲むその中央に、二等辺三角形のような構図で人物と動物が描かれている。猫と寝そべる少女、ライオンに添い寝する少年、デイベッドに気だるく横たわる少女、ヒョウ、奥に堂々と仁王立ちする少女、それらは奥行きよりもピラミッドのような階層構造を想像させる不思議な空間になっている。画面下方の見えないエリアから大きく枝葉を広げている植物が果たして前景なのか下方なのかを曖昧にし、その装飾的な描画によって絵画の遠近感を迷走させている。タイトルから察するにアスファルトの地面であるはずの灰青色の背景が空にも見え、モチーフが中空に浮遊しているようにも見える。動物や人物の瞳が時折真っ直ぐにこちらに向けられていることも本作に相対する鑑賞者に奥行きよりも正面性を強く感じさせる。画面左肩に描かれている、こっそり逃げ出すような人物の存在感の希薄な様子は、中央に立つ生気溢れる人物とはあまりにも対称的に描かれている。本来は小さな雑草だろうと思われる植物も、実際に人よりも大きく成長するウチワサボテンなどと同じようなボリュームで巨大に描かれている。ひょっとして横たわる人物が見た夢現の幻なのではないか、と思わせる不条理で読み解けない世界に興味が尽きない。
ARTIST LIST
近藤亜樹 / AKI KONDO:いたいのいたいのとんでいけ / Pain, Pain, Go Away
近藤亜樹 / AKI KONDO:いたいのいたいのとんでいけ / Pain, Pain, Go Away
近藤亜樹 / AKI KONDO:いたいのいたいのとんでいけ / Pain, Pain, Go Away
近藤亜樹 / AKI KONDO:いたいのいたいのとんでいけ / Pain, Pain, Go Away
近藤亜樹 / AKI KONDO:いたいのいたいのとんでいけ / Pain, Pain, Go Away
近藤亜樹 / AKI KONDO:いたいのいたいのとんでいけ / Pain, Pain, Go Away
  • 近藤亜樹 / AKI KONDO:いたいのいたいのとんでいけ / Pain, Pain, Go Away
  • 近藤亜樹 / AKI KONDO:いたいのいたいのとんでいけ / Pain, Pain, Go Away
  • 近藤亜樹 / AKI KONDO:いたいのいたいのとんでいけ / Pain, Pain, Go Away
  • 近藤亜樹 / AKI KONDO:いたいのいたいのとんでいけ / Pain, Pain, Go Away
  • 近藤亜樹 / AKI KONDO:いたいのいたいのとんでいけ / Pain, Pain, Go Away
  • 近藤亜樹 / AKI KONDO:いたいのいたいのとんでいけ / Pain, Pain, Go Away
近藤亜樹 / AKI KONDO
いたいのいたいのとんでいけ / Pain, Pain, Go Away
Year: 2022
Medium: acrylic on canvas
Dimensions: 162 x 130.3 cm (63 3/4 x 51 1/4 in.)
Acquired from Shugo Arts, 2022
絵を描くことは生きることだ、と近藤は述べている。生きることを賛美するかのように、近年の近藤作品は力強く、激しい色と筆運びで慈愛に満ちた世界を描き続けている。本作では、性別も人種も異なる二人の子どもが優しく寄り添っている。タイトルから察するにどちらかが心か体に傷を負って一方がそれを癒そうとしているのか、あるいはお互いがお互いを、ということかもしれない。そこは絵からは窺い知ることはできない。悲しみや痛みの元はすでに去ったのだろうか、二人の眼差しはどちらも沈んではおらず、頬にはわずかな綻びも見えるようだ。お互いを抱き寄せる腕は柔らかく、そして手には確かな力強さがある。澄んで、まっすぐな瞳は私たちの胸を射る。このように他者と寄り添い、互いを慈しんで生きることができたなら。

展示会履歴

ARTIST LIST
近藤亜樹 / AKI KONDO:They are smiling for you 12
近藤亜樹 / AKI KONDO:They are smiling for you 12
近藤亜樹 / AKI KONDO:They are smiling for you 12
近藤亜樹 / AKI KONDO:They are smiling for you 12
近藤亜樹 / AKI KONDO:They are smiling for you 12
  • 近藤亜樹 / AKI KONDO:They are smiling for you 12
  • 近藤亜樹 / AKI KONDO:They are smiling for you 12
  • 近藤亜樹 / AKI KONDO:They are smiling for you 12
  • 近藤亜樹 / AKI KONDO:They are smiling for you 12
  • 近藤亜樹 / AKI KONDO:They are smiling for you 12
近藤亜樹 / AKI KONDO
They are smiling for you 12
Year: 2022
Medium: acrylic on canvas
Dimensions: 45.5 x 53 cm (17 7/8 x 20 7/8 in.)
Acquired from Shugo Arts, 2022
力強く開いた花が、こちらに真っ直ぐ向いている。花笑む、とはよく言ったもので、万葉の時代から花の咲き誇る姿は親しい人の笑み思わるものだ。近藤の作品は常にその奥に、人への愛情や慈しみが満ちている。本作はその姿からガーベラだろうか。本作は、近藤らしい彫刻的ですらある強い筆致に加えて、花弁の黄色に囲まれた輪の芯には青、背景を占める明るいピンクと葉の深い緑など補色を迷いなく使う明るさを求めた色彩構成が鮮烈な印象を与える。「smiling for you」とある通り、この花は作者である近藤に対してだけでなく健やかな生命力に溢れた笑みを「あなた」に向けている。誰かが花を手向ける時それは贈る相手への祝福を意味するように、本作を含む「They are smiling for you」シリーズには近藤の温かい願いがそこに込められているのだろう。
ARTIST LIST
OSCAR MURILLO:manifestation
OSCAR MURILLO:manifestation
OSCAR MURILLO:manifestation
OSCAR MURILLO:manifestation
OSCAR MURILLO:manifestation
  • OSCAR MURILLO:manifestation
  • OSCAR MURILLO:manifestation
  • OSCAR MURILLO:manifestation
  • OSCAR MURILLO:manifestation
  • OSCAR MURILLO:manifestation
OSCAR MURILLO
manifestation
Year: 2020-2022
Medium: oil, oil stick, graphite and spray paint on canvas and linen
Dimensions: 115.6 x 120.7 cm/ 45 1/2 x 46 1/2 inches
Acquired from David Zwirner, 2022
世界中を移動しながらコミュニティのあり方を問い続け制作を行ってきたムリーリョは、パンデミックに際し、故郷コロンビアの町で2020年３月から作品制作と人道支援活動に取り組んだ。2021年にコロンビアで起きた大規模な抗議活動と、それを封じようとする国家の暴力を目の当たりにし、その同じ時期に現地で描かれたペインティングが「マニフェステイション」シリーズであり、本作はその１点である。異なる場所、文化、時間を包括した作品がコラージュされた下地に、顔料を染み込ませ、作家の身体の痕跡を写す「エネルギーのダウンロード」を行い、さらに油彩で、太く力強い線と鮮やかな色の層を描いていく。ダイナミックで複雑なペインティングが完成する。それは「パンデミックにまつわる苦難の証人」でもあり、人間の尊厳を脅かすものへの抵抗を宣言するマニフェストでもある。

展示会履歴

ARTIST LIST
DANIEL ARSHAM:Still Life with Eroded Bust of Diana the Huntress, Sneaker and Porsche
DANIEL ARSHAM:Still Life with Eroded Bust of Diana the Huntress, Sneaker and Porsche
DANIEL ARSHAM:Still Life with Eroded Bust of Diana the Huntress, Sneaker and Porsche
DANIEL ARSHAM:Still Life with Eroded Bust of Diana the Huntress, Sneaker and Porsche
DANIEL ARSHAM:Still Life with Eroded Bust of Diana the Huntress, Sneaker and Porsche
DANIEL ARSHAM:Still Life with Eroded Bust of Diana the Huntress, Sneaker and Porsche
  • DANIEL ARSHAM:Still Life with Eroded Bust of Diana the Huntress, Sneaker and Porsche
  • DANIEL ARSHAM:Still Life with Eroded Bust of Diana the Huntress, Sneaker and Porsche
  • DANIEL ARSHAM:Still Life with Eroded Bust of Diana the Huntress, Sneaker and Porsche
  • DANIEL ARSHAM:Still Life with Eroded Bust of Diana the Huntress, Sneaker and Porsche
  • DANIEL ARSHAM:Still Life with Eroded Bust of Diana the Huntress, Sneaker and Porsche
  • DANIEL ARSHAM:Still Life with Eroded Bust of Diana the Huntress, Sneaker and Porsche
DANIEL ARSHAM
Still Life with Eroded Bust of Diana the Huntress, Sneaker and Porsche
Year: 2022
Medium: acrylic on canvas
Dimensions: 152.4 x 127 cm (60 x 50 in.)
Acquired from Perrotin, 2022
アーシャムが初めて発表した油彩画のシリーズより。描かれている内容は現代的なオブジェクトが多いが、スタイルとしてはティピカルな静物画を踏襲している。ローマ神話の女神ディアーナ(ギリシア神話におけるアルテミス)、ナイキのシューズ、ポルシェの模型、林檎、デザイン事務所nendoの図録、枯れた花束、それらは青く、他はセピアとグレーで占められている。色覚異常を抱えるアーシャムの視界にある色彩を象徴するようだ。ここでは、アーシャムの誘導に従って、この画面の中での色彩、つまり青く描かれたオブジェクトについて、その次にセピアのトランプ、砂時計、横倒しの瓶、ビーカーなどを順に図像学的に読み解いていくのが正しいのだろう。ディアーナは天界、地上、地獄においてそれぞれ月、貞操、魔術の三つを司る。林檎は原罪を、書籍は知識と学問を表す寓意であり、ポルシェはおそらく富や成功を含意していると思われる。本作で最も重点をなしているのは枯れた花束ではないか。本作の構成は寓意画(Vanitas)のそれであるのは間違いなく、そこでは死を通した生を描出する。枯れた花はヴァニタスで多く描かれる髑髏などと同じく死の直接的イメージであると共に、原罪によって限りある生と生産の苦役に従事し続けねばならない生を象徴する。クラブの9のトランプカードが画面中央に描かれているが、欧米のカード占いなどでは知的探究心や不安などの意味合いがあるとされている。「Fictional Archeology(フィクションとしての考古学)」を標榜するアーシャムである。本作が全体として何を物語るのか、現代のヴァニタスであるアーシャムの静物画を読み解くには同時代性と虚構を考慮した新たな寓意を探す手続きが必要になるだろう。

展示会履歴

ARTIST LIST
TEAMLAB:Waves of Light
TEAMLAB:Waves of Light
TEAMLAB:Waves of Light
TEAMLAB:Waves of Light
TEAMLAB:Waves of Light
TEAMLAB:Waves of Light
TEAMLAB:Waves of Light
TEAMLAB:Waves of Light
TEAMLAB:Waves of Light
TEAMLAB:Waves of Light
TEAMLAB:Waves of Light
  • TEAMLAB:Waves of Light
  • TEAMLAB:Waves of Light
  • TEAMLAB:Waves of Light
  • TEAMLAB:Waves of Light
  • TEAMLAB:Waves of Light
  • TEAMLAB:Waves of Light
  • TEAMLAB:Waves of Light
  • TEAMLAB:Waves of Light
  • TEAMLAB:Waves of Light
  • TEAMLAB:Waves of Light
  • TEAMLAB:Waves of Light
TEAMLAB
Waves of Light
Year: 2018
Medium: four-channel digital work, continuous Loop
Dimensions: 121.4 x 274 cm (47 3/4 x 107 7/8 in.) overall
Acquired from Pace Gallery, 2022
「超主観空間」とteamLabが規定している西洋絵画のパースペクティブとは異なる平面的描画法に則って作られている。視点を一所に固定して見ることを大前提とした遠近法による構図では、絵画の奥に存在する消失点に向かって空間が収斂していく。それは翻せば、実際の空間の広がりを無視し、むしろ狭小な空間へと収束していくことで錯視的に空間の奥行きを仮構しているに過ぎない。teamLabの作品においては東洋美術の多くに見られる西洋的透視図法とは異なる空間性を引き継いでいるのである。西洋絵画は奥に進むあるいは眼前に迫る方向性を持つが、東洋美術、特に日本の絵巻などにおいてはスクロールする水平移動の視点を前提とした空間と時間が表されているのである。例えば、絵巻などに見られる「吹抜屋台」と呼ばれるような空間表現は、理論的には斜投影あるいは軸測投影などと説明されることが多いが、奥行き方向の歪みがないため視点をどこに移動させても常に正面性を維持することができる。本作品において荒波が隆起しては強く引き戻していくダイナミックな空間的表現に圧倒されるが、波は奥から手前に向かうことはなく常時水平方向に展開しており、それはまさに絵巻の水平移動する視点を踏襲しているだろう。それが故に鑑賞者はこの大画面の前に立って、自らの視点を左右に自由移動させつつ常にその波のムーブメントを自らの真正面に感じることができる。言うなれば現実と同じスケールの空間がディスプレイの奥に仮想的に広がっており、それを窓から見渡しているのと同じ体験を再現している。また、本作の波の描写が線的な集合、つまり極めて東洋的「目」に従った表現で描き出されていることも注視に値する。西洋における水の表現はクールベの迫り来る荒波の絵を見れば分かるように質感と量感を動的な視点から捉えるのが主流であるのに対し、東洋においては北斎の例に明らかなように、雨にしても川にしても、そして波にしても高速度撮影写真のように形質と線の静的視点によって描写することが多い。teamLabは絵画的な空間と時間の描出を先鋭的テクノロジーを駆使しつつ再解釈するのである。
ARTIST LIST
MATTHEW DAY JACKSON:WHJ Waterfall
MATTHEW DAY JACKSON:WHJ Waterfall
MATTHEW DAY JACKSON:WHJ Waterfall
MATTHEW DAY JACKSON:WHJ Waterfall
MATTHEW DAY JACKSON:WHJ Waterfall
MATTHEW DAY JACKSON:WHJ Waterfall
MATTHEW DAY JACKSON:WHJ Waterfall
  • MATTHEW DAY JACKSON:WHJ Waterfall
  • MATTHEW DAY JACKSON:WHJ Waterfall
  • MATTHEW DAY JACKSON:WHJ Waterfall
  • MATTHEW DAY JACKSON:WHJ Waterfall
  • MATTHEW DAY JACKSON:WHJ Waterfall
  • MATTHEW DAY JACKSON:WHJ Waterfall
  • MATTHEW DAY JACKSON:WHJ Waterfall
MATTHEW DAY JACKSON
WHJ Waterfall
Year: 2022
Medium: wood, oil paint, epoxy, acrylic paint, urethane plastic, lead, geode, stainless steel frame
Dimensions: 184.2 x 148 x 5.1 cm (72 1/2 x 58 1/4 x 2 in.)
Acquired from Pace Gallery, 2022
この作家の作品は、まるで特定のスタイルというものが存在しないか如く、発表ごとにまるで異なる形式、異なるコンセプトを変幻自在に操る。本作ではステンレスの硬質なフレームに滝の景色が造形されているが、間近で細部を見た時にその物質的な異様さに圧倒されることだろう。絵具のように見える画面は、鉛であり、瑪瑙であり、多種多様な素材を造形し、精巧なパズルのように組み合せて景色が作られている。意味深に思えるタイトルは暗号ではない。WHJとはアメリカ西部の風景写真家として名高いWilliam Henry Jackson(1843-1942)のイニシャルであると推察できる。本作の構図はヘンリー・ジャクソンがイエローストーン国立公園で撮影した滝の写真の一枚と構図が正確に重なるからである。デイ・ジャクソンは2022年の一部の作品において、過去のアーティストが残した名作からの引用を試みている。しかし、本作にも見られる通り、素直にオリジナルをなぞるのではなく、色彩や使用する素材の際立った異様さによって、元の作品から引き継いだものをまるで逆転させるかのようである。作家が常々「Horrible」と述べているように、かつてヘンリー・ジャクソンが心を奪われたであろう雄大な自然の崇高さを残していながら、それを重苦しい鉛で暴力的に覆い尽くすような、本作の緊迫した表現に全身が粟立つのを覚える。
ARTIST LIST
SABINE MORITZ:Lantern II
SABINE MORITZ:Lantern II
SABINE MORITZ:Lantern II
SABINE MORITZ:Lantern II
SABINE MORITZ:Lantern II
  • SABINE MORITZ:Lantern II
  • SABINE MORITZ:Lantern II
  • SABINE MORITZ:Lantern II
  • SABINE MORITZ:Lantern II
  • SABINE MORITZ:Lantern II
SABINE MORITZ
Lantern II
Year: 2022
Medium: oil on paper
Dimensions: 100 x 70 cm (39 3/8 x 27 1/2 in.)
Acquired from Marian Goodman Gallery, 2022
モリッツ作品に多く見られるやや深い青や赤に加え、鮮やかなライトグリーンが中央に見える。上下方向のやや荒い筆運びでそれらの色彩が紙上に乗せられている。モリッツの作品は連作あるいはシリーズで制作されることが多く、本作のタイトルからも同様の主題で描かれた何点かのうちの一枚であることが分かる。「Lantern」と名付けられているものの、それらしい形象は見当たらない。記憶や心象風景を主に描く作家として知られるモリッツにとって、形や物質性などの具象性を求めるよりも曖昧さの中から浮かび上がるようなイメージを希求すべきなのかも知れない。闇夜に小さな光を灯すように、本作の深く青い空間の奥底から浮かび上がるものが何であるか思考を巡らせながら対峙するのも良いだろう。

展示会履歴

ARTIST LIST
近藤亜樹 / AKI KONDO:Hello, my friend
近藤亜樹 / AKI KONDO:Hello, my friend
近藤亜樹 / AKI KONDO:Hello, my friend
近藤亜樹 / AKI KONDO:Hello, my friend
近藤亜樹 / AKI KONDO:Hello, my friend
近藤亜樹 / AKI KONDO:Hello, my friend
  • 近藤亜樹 / AKI KONDO:Hello, my friend
  • 近藤亜樹 / AKI KONDO:Hello, my friend
  • 近藤亜樹 / AKI KONDO:Hello, my friend
  • 近藤亜樹 / AKI KONDO:Hello, my friend
  • 近藤亜樹 / AKI KONDO:Hello, my friend
  • 近藤亜樹 / AKI KONDO:Hello, my friend
近藤亜樹 / AKI KONDO
Hello, my friend
Year: 2022
Medium: acrylic on canvas
Dimensions: 91 x 116.7 cm (35 7/8 x 46 in.)
Acquired from ShugoArts, 2022
近藤の作品には、誰かを抱く様子がよく描かれる。生きる上で誰かを愛したり、共に歩むことは大切なことだ。それには互いの心の垣根を超えて相手と向き合う必要がある。近藤の近年の作品は、明るい色彩と力強い筆致によって、その垣根を堂々と超えていく強い人々の姿を描き出している。本作で描かれているのはクマのようだが、ぬいぐるみのようにふんわりと優しい感触が絵肌から伝わってくる。新たな命と共にある温かい家族のポートレート。穏やかに眠る2頭の大きな躯体にそっと抱かれている子グマは、眠くないのか目覚めたところなのかぱっちりと目を見開いて何を思っているのだろうか。近藤らしい、ダイナミックな筆致で盛り上げるようにして重ねられた絵具によって、毛皮の質感や腕の重量感が表現されている。
ARTIST LIST
杉本博司 / HIROSHI SUGIMOTO:Palais Garnier, Paris
杉本博司 / HIROSHI SUGIMOTO:Palais Garnier, Paris
杉本博司 / HIROSHI SUGIMOTO:Palais Garnier, Paris
杉本博司 / HIROSHI SUGIMOTO:Palais Garnier, Paris
杉本博司 / HIROSHI SUGIMOTO:Palais Garnier, Paris
杉本博司 / HIROSHI SUGIMOTO:Palais Garnier, Paris
  • 杉本博司 / HIROSHI SUGIMOTO:Palais Garnier, Paris
  • 杉本博司 / HIROSHI SUGIMOTO:Palais Garnier, Paris
  • 杉本博司 / HIROSHI SUGIMOTO:Palais Garnier, Paris
  • 杉本博司 / HIROSHI SUGIMOTO:Palais Garnier, Paris
  • 杉本博司 / HIROSHI SUGIMOTO:Palais Garnier, Paris
  • 杉本博司 / HIROSHI SUGIMOTO:Palais Garnier, Paris
杉本博司 / HIROSHI SUGIMOTO
Palais Garnier, Paris
Year: 2019
Medium: gelatin silver print
Dimensions: 61 x 50.8 cm
Edition: No.8 of 25
Acquired from Gallery Koyanagi, 2022
杉本の劇場のシリーズの中で、特にオペラハウスを撮った一連のものが「オペラ劇場」と呼ばれる。本作はタイトルにある通り、パリの「パレ・ガルニエ」を写している。ナポレオン三世の時代にシャルル・ガルニエの設計によって建てられた現代でも現役のオペラ座であり、パリで最も重要な建築物の一つ。ミュージカル「オペラ座の怪人」の舞台としても知られる。ミュージカルではスリリングな落下シーンがある大シャンデリアのほか、ネオ・バロック様式の絢爛な装飾が施されたヨーロッパ最大級の劇場空間は圧巻である。1965年にはシャガールによる天井画が加えられ、それまで天井を飾っていたジュール・ウジェーヌ=ルヌヴー作によるものは模写がオルセー美術館で見られる。本作では大判フィルムの圧倒的な解像度によって写された劇場内部の様子が克明に見て取れる。「劇場」シリーズの最大の特徴である長時間露光によって、舞台上には演者も装置もなくまばゆい光だけが捉えられている。本劇場の長い歴史の堆積をひとえに可視化しているように思われる。
ARTIST LIST
塩田千春 / CHIHARU SHIOTA:上海での隔離 / Quarantine in Shanghai
塩田千春 / CHIHARU SHIOTA:上海での隔離 / Quarantine in Shanghai
塩田千春 / CHIHARU SHIOTA:上海での隔離 / Quarantine in Shanghai
塩田千春 / CHIHARU SHIOTA:上海での隔離 / Quarantine in Shanghai
塩田千春 / CHIHARU SHIOTA:上海での隔離 / Quarantine in Shanghai
  • 塩田千春 / CHIHARU SHIOTA:上海での隔離 / Quarantine in Shanghai
  • 塩田千春 / CHIHARU SHIOTA:上海での隔離 / Quarantine in Shanghai
  • 塩田千春 / CHIHARU SHIOTA:上海での隔離 / Quarantine in Shanghai
  • 塩田千春 / CHIHARU SHIOTA:上海での隔離 / Quarantine in Shanghai
  • 塩田千春 / CHIHARU SHIOTA:上海での隔離 / Quarantine in Shanghai
塩田千春 / CHIHARU SHIOTA
上海での隔離 / Quarantine in Shanghai
Year: 2021
Medium: water-soluble wax pastel, ink, thread on paper
Dimensions: 20 x 25 cm (7 7/8 x 9 7/8 in.)
Acquired from KENJI TAKI GALLERY, 2022
「上海での隔離」シリーズは、自らの展覧会のために訪れた上海で、香港政府によるCOVID-19の防疫政策に従いホテルで隔離期間を過ごすことになった塩田が、そのストレスフルな時間を作品制作へと振り向けることで乗り切った成果物である。苛烈なゼロ・コロナ政策を取っていた当時の中国において、香港の人々の生活は塩田の目にいかに映り、また塩田自身に何をもたらしたのだろうか。塩田は、生と死という生物にとって根源的な命題を作品の主題に置く作家である。コロナ禍とは、即ち、人類史状稀に見る生存領域の争奪戦であるとも言える。目に見えぬウイルスの脅威に対して、人は感情と肉体を限界に晒しながら知によってそれに抗ったのである。本作でも見られる塩田作品の象徴となっている糸は、ウイルス同様に目に見えぬものでありながらも脅威とは真逆の性質を表している。人と人の心の繋がりであり、生と死を跨ぐ人類の命脈である。本作では一軒の赤い家から黒い糸が走り出ている。その家は窓も扉もない閉鎖的な様子で表現されており、そして、糸の繋がる先は描かれていない。密集する家屋の風景でありながらも、孤立を強く感じさせるのは隔離当時の塩田の心理を強く反映しているのではないだろうか。
ARTIST LIST
今津景 / KEI IMAZU:Moment
今津景 / KEI IMAZU:Moment
今津景 / KEI IMAZU:Moment
今津景 / KEI IMAZU:Moment
今津景 / KEI IMAZU:Moment
今津景 / KEI IMAZU:Moment
今津景 / KEI IMAZU:Moment
  • 今津景 / KEI IMAZU:Moment
  • 今津景 / KEI IMAZU:Moment
  • 今津景 / KEI IMAZU:Moment
  • 今津景 / KEI IMAZU:Moment
  • 今津景 / KEI IMAZU:Moment
  • 今津景 / KEI IMAZU:Moment
  • 今津景 / KEI IMAZU:Moment
今津景 / KEI IMAZU
Moment
Year: 2008
Medium: oil on canvas
Dimensions: 162 x 194 cm (63 3/4 x 76 3/8 in.)
Acquired from SBI Art Auction, 2022
2000年代当時の今津の作品は、雑誌やウェブから拾い集めた画像を組み合わせた下絵をパソコン上で構成し、それを油彩に起こしていくというプロセスを辿って制作されている。近年の作品では美術史上の名画や神話・宗教的モチーフなど、ある程度特定の範囲から表象を選んで題材とすることが多くなっているが、本作では都市の風景と少年の間には直接的な関係性を見出すことはできないように見える。しかし、画面の中心に描かれている少年は肌に明るい光を浴びて髪は水に濡れており、それによって背景に描かれた都市の風景がさながら水中都市のように見えてくる、というイメージの連鎖が生じている。光が水の揺らぎに従ってゆったりとした屈折を作り出し、その歪みに応じて色彩が干渉を起こすようにして虹色に変じていく様子が美しい。タイトルにある「Moment」は瞬間という意味のほかにも、物理学では軸を回転させる力のことを意味し、この絵の中でビル群は捻れを示している。今津の絵画では一貫して、いくつものイメージを連鎖させることによって柔軟な想像力の喚起が行われる。その過程において、個々の事物の形象は絵画の中で柔らかく解きほぐされていく。本作における「ビル」の描写に現れている力のモーメントは、作家のその手付きを明らかに伝えてくる。
ARTIST LIST
KATHARINA GROSSE:Untitled
KATHARINA GROSSE:Untitled
KATHARINA GROSSE:Untitled
KATHARINA GROSSE:Untitled
KATHARINA GROSSE:Untitled
  • KATHARINA GROSSE:Untitled
  • KATHARINA GROSSE:Untitled
  • KATHARINA GROSSE:Untitled
  • KATHARINA GROSSE:Untitled
  • KATHARINA GROSSE:Untitled
KATHARINA GROSSE
Untitled
Year: 2003
Medium: Acrylic on linen
Dimensions: 200.7 x 132.1 cm (79 x 52 in.)
Acquired from PHILLIPS, 2022
男性主権的なメディウムであった絵画に対し、スプレーガンを武器に「色」そのものでその概念を覆し、絵画を革新したグロッセ。彼女の代名詞であるスプレーガンを用いながら、ドリッピングにより絵の具＝色の物質的な存在感も際立たせる、重層的で繊細な表現。カタリーナ・グロッセの抽象表現主義的スタイルの特徴を顕著に表したペインティングである。

展示会履歴

ARTIST LIST
MARC QUINN:Thick Pink Nervous Breakdown
MARC QUINN:Thick Pink Nervous Breakdown
MARC QUINN:Thick Pink Nervous Breakdown
MARC QUINN:Thick Pink Nervous Breakdown
MARC QUINN:Thick Pink Nervous Breakdown
MARC QUINN:Thick Pink Nervous Breakdown
MARC QUINN:Thick Pink Nervous Breakdown
  • MARC QUINN:Thick Pink Nervous Breakdown
  • MARC QUINN:Thick Pink Nervous Breakdown
  • MARC QUINN:Thick Pink Nervous Breakdown
  • MARC QUINN:Thick Pink Nervous Breakdown
  • MARC QUINN:Thick Pink Nervous Breakdown
  • MARC QUINN:Thick Pink Nervous Breakdown
  • MARC QUINN:Thick Pink Nervous Breakdown
MARC QUINN
Thick Pink Nervous Breakdown
Year: 1998
Medium: stainless steel, concrete, polyurethane and sponges
Dimensions: 188 x 95.6 x 81 cm (74 x 37 3/4 x 31 7/8 in.)
Acquired from Sotheby's, 2022
クインの代表作として作家自らの血液をつかって自身の頭像を模った「Self」があるが、本作はその傍流とも言える。コンクリートの台座から真っ直ぐに立ち上がったポールの突端にクインの頭像が載っている。頭頂からまるで緩いチョコレートを流しかけたその瞬間で時間が止まったように、滑らかなポリウレタン樹脂が頭部から滴り落ちる様子をそのままに凝固している。タイトルから自ずと脊髄や脳へとつながる神経組織、あるいは色彩から血管などを連想する。足元のコンクリート台座には海綿が貼り付けられている。これらは明確に身体性のメタファーである。クインらしい毒の味のする作品である。Nervous Breakdownというタイトルでは、さまざまな色の類似作品や発展作品が作られているほか、90年代末の同時期には同じようなポリウレタン樹脂やゴムを用いたセルフポートレート的な彫刻作品が多く発表されている。
ARTIST LIST
VIK MUNIZ:Irises, after Gogh (from Pictures of Magazines)
VIK MUNIZ:Irises, after Gogh (from Pictures of Magazines)
VIK MUNIZ:Irises, after Gogh (from Pictures of Magazines)
VIK MUNIZ:Irises, after Gogh (from Pictures of Magazines)
VIK MUNIZ:Irises, after Gogh (from Pictures of Magazines)
VIK MUNIZ:Irises, after Gogh (from Pictures of Magazines)
VIK MUNIZ:Irises, after Gogh (from Pictures of Magazines)
  • VIK MUNIZ:Irises, after Gogh (from Pictures of Magazines)
  • VIK MUNIZ:Irises, after Gogh (from Pictures of Magazines)
  • VIK MUNIZ:Irises, after Gogh (from Pictures of Magazines)
  • VIK MUNIZ:Irises, after Gogh (from Pictures of Magazines)
  • VIK MUNIZ:Irises, after Gogh (from Pictures of Magazines)
  • VIK MUNIZ:Irises, after Gogh (from Pictures of Magazines)
  • VIK MUNIZ:Irises, after Gogh (from Pictures of Magazines)
VIK MUNIZ
Irises, after Gogh (from Pictures of Magazines)
Year: 2004
Medium: chromogenic print
Dimensions: image size: 241.3 x 180.3 cm (95 x 71 in.) frame size: 250.2 x 190.5 cm (98 1/2 x 75 in.)
Edition: A.P. #4 from an edition of 6 + 4 A.P
Acquired from Phillips, 2022
「Pictures of Magazines」のシリーズより、著名なゴッホの「アイリスのある静物」(所蔵：ゴッホ美術館, アムステルダム)を引用元とした作品。ゴッホはこの当時、耳切り事件を起こした後でプロヴァンス地方サン＝レミにあるサン・ポール・ド・モーゾ修道院病院での療養生活を送っていた。この療養期間中、ゴッホ自身は退屈で苦悩の日々と綴っているものの、有名なオルセー美術館の「星降る夜」、診療所の入所者の肖像、明るい院内の庭や近隣の風景画や、本作も連なる「アイリス」のシリーズなど、100点以上の絵を描いている。特に、絵画の象徴論的には死を象徴する糸杉の絵や、ゴッホ晩年特有の渦巻きの描画はこの時期以降に顕著になっていく。ムニーズは「Pictures of Magazines」において、雑誌の切り抜きを駆使したコラージュによって名画を再現している。ゴッホは近現代の絵画におけるインパスト(厚塗り)技法を実に個性的に実践した作家の一人だが、ムニーズのコラージュの手つきは明らかにその物質性という点においてゴッホとその絵画の立体的造形感覚に共感している。コラージュが見せる過剰な重層性は、単に「アイリスのある静物」を図像的に模倣するにとどまらず、その情熱的ですらあるゴッホの激しい筆致を見事に捉えている。「アイリスのある静物」はサン＝レミの生活に限界を感じていた最後の日々に描かれている。穏やかなサン＝レミの風土の中、他者には決して理解されない内面的苦悩と止まることのない創作への情熱に浮かされ続けていた当時のゴッホの張り詰めきった感情が、静かな画面の中に秘められていることを思う。本作の制作で、ゴッホのアイリスをなぞりながらムニーズは何を受け取っただろうか。
ARTIST LIST
GERHARD RICHTER:untitled (3.11.89)
GERHARD RICHTER:untitled (3.11.89)
GERHARD RICHTER:untitled (3.11.89)
GERHARD RICHTER:untitled (3.11.89)
GERHARD RICHTER:untitled (3.11.89)
  • GERHARD RICHTER:untitled (3.11.89)
  • GERHARD RICHTER:untitled (3.11.89)
  • GERHARD RICHTER:untitled (3.11.89)
  • GERHARD RICHTER:untitled (3.11.89)
  • GERHARD RICHTER:untitled (3.11.89)
GERHARD RICHTER
untitled (3.11.89)
Year: 1989
Medium: gelatin silver print, unique
Dimensions: 67.9 x 97.8 cm (26 3/4 x 38 1/2 in.)
Acquired from Phillips, 2022
リヒターのユニークピースとしての写真作品というのは非常に珍しい。なぜなら、リヒターは写真と絵画の関係性を誰よりもセンシティブに捉えている作家であるからだ。自身の作品を複写したものはいくつか存在し、フォト・ペインティングの有名な一点「Ema (Nude on a Staircase)」(1966年制作)も写真に収められたものを作品として発表している。本作品もおそらく抽象絵画シリーズを複写したものの一つであろうと思われる。リヒターのフォト・ペインティングは、写真が最も「写真らしく」見える表現としてブレやボケなどを取り上げて、絵画でそれを忠実に再現して作られている。つまり、写真としては失敗にあたる、写実らしくないぼやけた表情こそが、写真において頻繁に起こり得る現象として広く認知されており、人々はそれを「写真らしさ」と感じるのである。リヒターはこの「写真らしさ」という新たなイメージのあり方を絵画表現に再輸入しているのである。そして、それを再び写真へと戻す、このイメージの往還こそがリヒターの写真作品の持つ必然性であると言えるだろう。
ARTIST LIST
MARTIN CREED:Work No. 2204 (DON’T WORRY)
MARTIN CREED:Work No. 2204 (DON’T WORRY)
MARTIN CREED:Work No. 2204 (DON’T WORRY)
MARTIN CREED:Work No. 2204 (DON’T WORRY)
MARTIN CREED:Work No. 2204 (DON’T WORRY)
MARTIN CREED:Work No. 2204 (DON’T WORRY)
  • MARTIN CREED:Work No. 2204 (DON’T WORRY)
  • MARTIN CREED:Work No. 2204 (DON’T WORRY)
  • MARTIN CREED:Work No. 2204 (DON’T WORRY)
  • MARTIN CREED:Work No. 2204 (DON’T WORRY)
  • MARTIN CREED:Work No. 2204 (DON’T WORRY)
  • MARTIN CREED:Work No. 2204 (DON’T WORRY)
MARTIN CREED
Work No. 2204 (DON’T WORRY)
Year: 2015
Medium: multicolor neon
Dimensions: 16.4 x 160 x 13 cm (6 1/2 x 63 x 5 1/8 in.)
Edition: #2 of 3 + 1 A.P.
Acquired from Hauser & Wirth, 2023
クリードはネオン作品を数多く発表しているが、その中でも繰り返し制作されているモチーフが「DON’T WORRY」というフレーズだ。作品No.220(1999~2002年制作)では白、No.239(2000年制作)は青、ケルンにある聖ペーター教会に設置されたNo.252(2000年制作)は白、No.273(2001年)は黄色、No.277(2002−2003年制作)は緑、No.291(2003年制作)は赤、No.794(2007年制作)は白、といずれも単色の作品になっている。No.890(2008年制作)は黄色で、TATEのコレクションになっている。これはコーナー壁面に二面に分けて「DON’T」と「WORRY」が直角に折れ曲がるように展示される。一方で本作は、壁面ではなく天井から中空に吊り下げるようになっているためネオンサインが表裏両サイドに付けられている。また、文字の一つ一つが異なる色彩になっており丸みを強調した字形と相まって、クリードのポップな作風がより強調されていると言える。
この楽観的なフレーズは、日常的な会話の中では不安を抱える人に対して心を込めて投げかけられるものだろう。本作は、こうしたヒューマニズム的な言葉の本来的な意味を剥奪するように美術館やギャラリーという特別な環境に展観されるという美術の制度に対する反語的な批判精神とも受け取れる一方で、ただ明るく享楽的な励ましの言葉を一般大衆に投げかけることで返ってくる反応をユーモアとして楽しんでいるだけのようにも取れる。この人を食ったような態度こそクリードの作品らしい。
ARTIST LIST
ロッカクアヤコ / AYAKO ROKKAKU:Untitled
ロッカクアヤコ / AYAKO ROKKAKU:Untitled
ロッカクアヤコ / AYAKO ROKKAKU:Untitled
ロッカクアヤコ / AYAKO ROKKAKU:Untitled
ロッカクアヤコ / AYAKO ROKKAKU:Untitled
ロッカクアヤコ / AYAKO ROKKAKU:Untitled
ロッカクアヤコ / AYAKO ROKKAKU:Untitled
  • ロッカクアヤコ / AYAKO ROKKAKU:Untitled
  • ロッカクアヤコ / AYAKO ROKKAKU:Untitled
  • ロッカクアヤコ / AYAKO ROKKAKU:Untitled
  • ロッカクアヤコ / AYAKO ROKKAKU:Untitled
  • ロッカクアヤコ / AYAKO ROKKAKU:Untitled
  • ロッカクアヤコ / AYAKO ROKKAKU:Untitled
  • ロッカクアヤコ / AYAKO ROKKAKU:Untitled
ロッカクアヤコ / AYAKO ROKKAKU
Untitled
Year: 2011
Medium: acrylic on canvas
Dimensions: 130 x 130 cm (51 1/8 x 51 1/8 in.)
Acquired from Phillips, 2022
正方形のキャンバス一杯に鮮やかな赤、ピンクの花々が広がり、中央には緑のワンピースを纏った少女が裸足で佇んでいる。この赤と緑の鮮やかな対比によって、瞳を大きく見開いたやや不機嫌な少女の表情に視線が誘導される。背景は寒色を中心として、明るく伸びやかな筆致(おそらくは指によって)が重ねられている。全体を俯瞰したのちに改めて赤い花冠と思われた部分を注視してみると、朗らかな風景から一転して恐ろしげな髑髏が花畑の無数に潜んでいることが分かる。青い線で花影に隠れるようにして描かれている髑髏は、少女を囲んで脅かそうとも歓迎しているようにも見える。少女の何とも量りにくい表情に象徴されているように、ロッカクの絵画は華やかなようでいて、時折毒と影を見せる。さしずめ少女はFemme fataleともEnfant terribleとも。純粋で無垢なものほど実は空恐ろしい。
ARTIST LIST
TRACEY EMIN:It’s what I’d like to be
TRACEY EMIN:It’s what I’d like to be
TRACEY EMIN:It’s what I’d like to be
TRACEY EMIN:It’s what I’d like to be
TRACEY EMIN:It’s what I’d like to be
  • TRACEY EMIN:It’s what I’d like to be
  • TRACEY EMIN:It’s what I’d like to be
  • TRACEY EMIN:It’s what I’d like to be
  • TRACEY EMIN:It’s what I’d like to be
  • TRACEY EMIN:It’s what I’d like to be
TRACEY EMIN
It’s what I’d like to be
Year: 1999
Medium: blue neon
Dimensions: 176 x 213 cm (69 1/4 x 83 7/8 in.)
Acquired from Phillips, 2022
しばしばエミンの作品には「Confession」であるとの評が付けられる。初期から一貫して激しい自己の表出、それそのものを美術表現としてきた作家であるが故である。本作は、そういう観点においてはエミンの作品としてはかなりソフトな部類になるかもしれない。優しいブルーネオンの光で浮かび上がるのは、かわいらしい一頭の子鹿と、その上に掲げられた「It’s what I’d like to be(これぞ私のなりたい姿)」という一文である。光のサインを美術表現に持ち込んだ最も早い作家たち、つまりダン・フレイヴィンやジョセフ・コスースらが工業的造形美やミニマルな機能性を援用していたことに反して、ネオン・アートのイメージを極めて感情的な表現に塗り替えたのはエミンである。エミン自らのセリフだとしてテキストを再読してみるとまた違ったニュアンスを想像せずにはおれない。子鹿は可愛らしいものの表象であるだろう。しかし、テキストは自らにその属性がないことを示している。1999年といえば当時エミンは36歳、同年のターナー賞授賞式では泥酔して騒動になったほどまだまだ破天荒な作家として鳴らしていた頃である。本心では純真な子鹿のようになりたいと願っていたのだろうか？
ARTIST LIST
名和晃平 / KOHEI NAWA:Direction
名和晃平 / KOHEI NAWA:Direction
名和晃平 / KOHEI NAWA:Direction
名和晃平 / KOHEI NAWA:Direction
名和晃平 / KOHEI NAWA:Direction
  • 名和晃平 / KOHEI NAWA:Direction
  • 名和晃平 / KOHEI NAWA:Direction
  • 名和晃平 / KOHEI NAWA:Direction
  • 名和晃平 / KOHEI NAWA:Direction
  • 名和晃平 / KOHEI NAWA:Direction
名和晃平 / KOHEI NAWA
Direction
Year: 2014
Medium: paint on canvas
Dimensions: 120 x 160 cm (47 1/4 x 63 in.)
Acquired from SBI Art Auction, 2022
名和の平面作品の代表的シリーズとなっている「Direction」。15度(1時方向へ)傾けて壁面に設置したキャンバスに、インクを流しかけて作られる。定規や機械によらずとも歪みなく引かれた平行線は、重力という普遍的な力を可視化するものだ。しかし、15度の傾斜によってそれが重力によって得られた線であることが巧妙に隠されている。制作時には重力の表象として垂直に落ちていた線が、完成作品を壁面に設置する際には15度(11時方向)傾斜することになるためである。画面を注視すると流しかけるインクの量や偶然によってわずかな不規則性が表れているのがわかるが、その不規則性が結局は垂直という極めて強い指向性に隷属する範囲内でしかないことが、かえって重力という抗い難い力の凄まじさを伝えている。本作はシリーズの中でも珍しい銀色の下地の上で制作されていることが、際立って目を引く。
ARTIST LIST
JULIAN OPIE:Dance 3 figure 1.
JULIAN OPIE:Dance 3 figure 1.
JULIAN OPIE:Dance 3 figure 1.
JULIAN OPIE:Dance 3 figure 1.
JULIAN OPIE:Dance 3 figure 1.
JULIAN OPIE:Dance 3 figure 1.
JULIAN OPIE:Dance 3 figure 1.
JULIAN OPIE:Dance 3 figure 1.
  • JULIAN OPIE:Dance 3 figure 1.
  • JULIAN OPIE:Dance 3 figure 1.
  • JULIAN OPIE:Dance 3 figure 1.
  • JULIAN OPIE:Dance 3 figure 1.
  • JULIAN OPIE:Dance 3 figure 1.
  • JULIAN OPIE:Dance 3 figure 1.
  • JULIAN OPIE:Dance 3 figure 1.
  • JULIAN OPIE:Dance 3 figure 1.
JULIAN OPIE
Dance 3 figure 1.
Year: 2022
Medium: Continuous computer animation on LED screen with sound
Dimensions: 100 x 50 x 8 cm (39 3/8 x 19 3/4 x 3 1/8 in.)
Edition: # 1 of 4 + 1A.P.
Acquired from Maho Kubota Gallery, 2022
オピーはこれまでもアニメーションによって動きの要素を作品に取り入れてきた。単純化された線画のポートレートに瞬きをさせる作品や、人物が滑らかに歩く姿を捉えた「Walking」のシリーズなどはよく知られている。オピーの作品で最も着目すべき点の一つは、単純な線によって最大限の表情を表していることである。対象の特徴を正確に捉えた上でその造形を簡略化しており、わずかな線の長さや角度のコントロール、点の位置や大きさ、それらの相互の関係性によって人物の複雑極まりない表情や動きを再現している。造形の単純化とは抽象化のプロセスでもある。本来抽象化することによって対象の個性は失われていくが、オピーはその個性が失われる寸前を見極めている。本作において、ダンスを踊る人物は丸い頭部と簡素なシルエットの身体によって極めて単純化されている。一見するとその動きは機械的で無個性に見える。しかし、本来「Dance 3」は本作を含む4連作であり、同じ振り付けのダンスを踊る他の3点との差異を比較することによってモデルとなったダンサーの「個」が浮かび上がってくる仕掛けになっている。軽やかに弾む身体に合わせて揺れるスカートの動き、上半身と下半身の捻れ、肩、肘、手首への柔らかな力の伝達など、まるで実際の人物が踊っているように思えてくるほどに細かな表情がそこにある。アニメーションということは一連の動作を細分化した静止画(フレーム)を連続(シークエンス)させることでこの動画は作られているはずである。人間の目にはシークエンスとしてしか認識されないが、一秒間に数十枚はあるであろう一つ一つのフレームにオピーによる緻密な線と表情の追求があり、それらが集積することによって本作が作り出されていることを念頭において鑑賞されたい。
ARTIST LIST
岡﨑乾二郎 / KENJIRO OKAZAKI:Encontro das águas / Scooping water from a stream
岡﨑乾二郎 / KENJIRO OKAZAKI:Encontro das águas / Scooping water from a stream
岡﨑乾二郎 / KENJIRO OKAZAKI:Encontro das águas / Scooping water from a stream
岡﨑乾二郎 / KENJIRO OKAZAKI:Encontro das águas / Scooping water from a stream
岡﨑乾二郎 / KENJIRO OKAZAKI:Encontro das águas / Scooping water from a stream
  • 岡﨑乾二郎 / KENJIRO OKAZAKI:Encontro das águas / Scooping water from a stream
  • 岡﨑乾二郎 / KENJIRO OKAZAKI:Encontro das águas / Scooping water from a stream
  • 岡﨑乾二郎 / KENJIRO OKAZAKI:Encontro das águas / Scooping water from a stream
  • 岡﨑乾二郎 / KENJIRO OKAZAKI:Encontro das águas / Scooping water from a stream
  • 岡﨑乾二郎 / KENJIRO OKAZAKI:Encontro das águas / Scooping water from a stream
岡﨑乾二郎 / KENJIRO OKAZAKI
Encontro das águas / Scooping water from a stream
Year: 2020
Medium: acrylic on canvas, framed
Dimensions: 18.2 x 24.9 cm (7 1/8 x 9 3/4 in.)
Acquired from Blum & Poe, 2022
岡﨑の代表作の一つと目されるゼロ・サムネイルのシリーズ。ゼロ・サムネイルは、最小の規格サイズである0号キャンバスに描かれる。そして、端正ながらも四方に欠落のある木枠に収められているのが特徴でもある。作品の内容は歴史上の絵画のさまざまなエピソードに着想を得ているとされる。そのタイトルを元にして想像力を働かせながら自分なりに作品を紐解いていくのも面白い。本作のタイトルにはまず、ポルトガル語のEncontro das águas(Meeting of waters)とある。ブラジルの有名な河川合流域の名称であり、黒と茶色の異なる質の水流が合流地点からしばらくくっきりと分離したまま、一つの川を二分している奇景として知られる。タイトルの後半はおそらく、フランスのバロック期を代表する作家の一人ニコラ・プッサン作の「Landscape with a Man scooping Water from a Stream」から取られている。同作は、一本の小川を挟んで白衣の青年と青衣の老齢の男性が描かれている。若者は力のみなぎる腕を水面に伸ばして水を汲み上げようとし、一方の老人は足を投げ出してやや疲れた目線を若者が掬おうとしている水面に送っているように見える。岡﨑が、交わらぬ水流と老若の二人という対比によって、一体何を抽象しようとしたのか、この小さな作品から思索を進めてみるのも良いだろう。
ARTIST LIST
RYAN GANDER:On slow Obliteration, or How are you still hungry
RYAN GANDER:On slow Obliteration, or How are you still hungry
RYAN GANDER:On slow Obliteration, or How are you still hungry
RYAN GANDER:On slow Obliteration, or How are you still hungry
RYAN GANDER:On slow Obliteration, or How are you still hungry
RYAN GANDER:On slow Obliteration, or How are you still hungry
RYAN GANDER:On slow Obliteration, or How are you still hungry
RYAN GANDER:On slow Obliteration, or How are you still hungry
  • RYAN GANDER:On slow Obliteration, or How are you still hungry
  • RYAN GANDER:On slow Obliteration, or How are you still hungry
  • RYAN GANDER:On slow Obliteration, or How are you still hungry
  • RYAN GANDER:On slow Obliteration, or How are you still hungry
  • RYAN GANDER:On slow Obliteration, or How are you still hungry
  • RYAN GANDER:On slow Obliteration, or How are you still hungry
  • RYAN GANDER:On slow Obliteration, or How are you still hungry
  • RYAN GANDER:On slow Obliteration, or How are you still hungry
RYAN GANDER
On slow Obliteration, or How are you still hungry
Year: 2019
Medium: flip-dot panel, powder-coated aluminium tray frame, rub-down transfer
Dimensions: 130 × 86.1 × 7.8 cm (51 1/8 x 33 7/8 x 3 in.)
Acquired from TARO NASU, 2022
本作は、「On slow Obliteration, or」と始まるタイトルがつけられた一連のシリーズの一作で、オセロのように両面が異なる色になっている1cm程度の丸いドットがあるアルゴリズムに沿って回転することで、雨粒や雫が落ちていくようなアニメーションを作り出す装置である。本作のフリップ・ドットの両面はシルバーと明るめのグレーになっている。シルバーの面がその時々の光の影響によって白く光ったり黒く沈んだりすることで、中間色のグレーよりも明るいか暗いかで流れていく雨のような描写の見え方は変わってくる。
また、このシリーズでは作品の装置にテキストが添えられることになっているが、本作では美術史上の著名な作家名が羅列されている。ポン・タヴァン派のCuno Amietに始まり、ドイツの夭折のアーティストUll Hornの名前で終わるこの並びには、法則性や意味性はほとんど読み取ることができない。本作のフリップ・ドットが明滅する動きを「雨が降る」や「水滴が落ちる」といった何らかの時間的現象として認識するためには、ある程度の時間作品の前に立っている必要がある。その間、著名美術館の所蔵作品リストのようなテキストに時折目を送りながら、そのうち何か劇的なアクションが起こるのだろうかと淡い期待を胸にしつつ漫然とした時間を浪費するのである。時間とは多くの人にとっては資産であり、その観点から対比的に考えればテキスト上に並ぶ名前は美術史という時間軸上において認められてきた価値の表象そのものである。
ARTIST LIST
JEAN-MICHEL OTHONIEL:Oracle
JEAN-MICHEL OTHONIEL:Oracle
JEAN-MICHEL OTHONIEL:Oracle
JEAN-MICHEL OTHONIEL:Oracle
JEAN-MICHEL OTHONIEL:Oracle
JEAN-MICHEL OTHONIEL:Oracle
JEAN-MICHEL OTHONIEL:Oracle
  • JEAN-MICHEL OTHONIEL:Oracle
  • JEAN-MICHEL OTHONIEL:Oracle
  • JEAN-MICHEL OTHONIEL:Oracle
  • JEAN-MICHEL OTHONIEL:Oracle
  • JEAN-MICHEL OTHONIEL:Oracle
  • JEAN-MICHEL OTHONIEL:Oracle
  • JEAN-MICHEL OTHONIEL:Oracle
JEAN-MICHEL OTHONIEL
Oracle
Year: 2022
Medium: Indian rose mirrored glass, stainless steel
Dimensions: 13 x 146 x 22 cm (5 1/8 x 57 1/2 x 8 5/8 in.)
Acquired from Kukje Gallery, 2022
レンガはオトニエルの90年代の作品から継続して見られ、ビーズと並ぶ代表的なモチーフの一つである。例えば2018年の大規模なインスタレーション「Big Wave」は吹きガラスで作られたレンガが津波のごとく積み上げられたものだ。レンガは人類史においても重要なものだ。古来、人々はレンガを用いて家や砦、道、竈を作って生きてきた。オトニエルは作品を常に空間に作用させることを意識しているが、彫刻作品の宿命でもある空間との関係性において、オトニエルの思考は建築や数学、果ては人類の生活史にまで及ぶのである。レンガで作られた塀の一部を切り出してきたような造形が特徴的な本作は「Oracle」(神託)と名付けられている。オトニエルは、アーティストとは預言者のごとく先を見通す者であり、自分の作品は神託のごときものである、という主旨を語ったことがある。レンガ積みは単純で論理的な構造の繰り返しだが、それはある種のコードとなってオトニエルに下った神託を私たちに想像させる。
ARTIST LIST
THOMAS RUFF:neg◊bal_01
THOMAS RUFF:neg◊bal_01
THOMAS RUFF:neg◊bal_01
THOMAS RUFF:neg◊bal_01
THOMAS RUFF:neg◊bal_01
  • THOMAS RUFF:neg◊bal_01
  • THOMAS RUFF:neg◊bal_01
  • THOMAS RUFF:neg◊bal_01
  • THOMAS RUFF:neg◊bal_01
  • THOMAS RUFF:neg◊bal_01
THOMAS RUFF
neg◊bal_01
Year: 2014
Medium: chromogenic print, framed
Dimensions: frame size: 71 x 61 cm (28 x 24 in.) / image size: 22 x 29 cm (8 5/8 x 11 3/8 in.)
Edition: of 1 of 8
Acquired from Gallery Koyanagi, 2022
ルフ自身が収集していた古い鶏卵紙写真を元にして制作された「negatives」シリーズの一枚。バリ島の舞踊の舞手だと思われる人物が写っている。鶏卵紙とは卵白を塗布した紙を印画紙として使用する。現代でも主流であるゼラチンシルバー印画紙の登場までは写真の現像と言えば鶏卵紙を用いることが多かった。鶏卵紙写真では、金調色といういわゆるセピアカラーに仕上げる処理がなされ、独特の柔らかい明暗の表情が美しいのが特徴でもある。それをデジタル技術によって反転させ、あえてネガフィルム調の画像に仕立て、さらに青焼写真のような青い諧調を用いている。写真を撮らない写真家であるルフは、本作においてもカメラを構えることはない。現在では、あえて選択しなければほとんどの場合はスマート・フォンなどのデジタル写真が最も身近な写真になるため、こうしたフィルムの仕組みに馴染みのない世代も多いはずである。デジタルが普及する以前は、日常的なスナップ撮影など、ごく一般的な用途のフィルム写真では色調整がしやすいネガ・フィルムを用いられていたため、写真とは図像の色彩が反転する現象であることは広く知られていた。ルフは、デジタル写真全盛の現代において、鶏卵紙、ネガフィルム、青焼き、といったかつての写真技術の歴史そのものを作品としているのである。本作をスマート・フォンなどのデバイスを介してネガティブ画像として視認すると、本来の鶏卵紙上の画像がまざまざと蘇る。
ARTIST LIST
塩田千春 / CHIHARU SHIOTA:Cell
塩田千春 / CHIHARU SHIOTA:Cell
塩田千春 / CHIHARU SHIOTA:Cell
塩田千春 / CHIHARU SHIOTA:Cell
塩田千春 / CHIHARU SHIOTA:Cell
塩田千春 / CHIHARU SHIOTA:Cell
  • 塩田千春 / CHIHARU SHIOTA:Cell
  • 塩田千春 / CHIHARU SHIOTA:Cell
  • 塩田千春 / CHIHARU SHIOTA:Cell
  • 塩田千春 / CHIHARU SHIOTA:Cell
  • 塩田千春 / CHIHARU SHIOTA:Cell
  • 塩田千春 / CHIHARU SHIOTA:Cell
塩田千春 / CHIHARU SHIOTA
Cell
Year: 2018
Medium: watercolor, oil pastel, thread on paper
Dimensions: 56 x 42 cm (22 x 16 1/2 in.)
Acquired from Kenji Taki Gallery, 2022
2017年、塩田は2度目の卵巣がん発病によって死と向き合った。6時間にも及ぶ手術を経て卵巣を摘出し、5ヶ月にわたって抗がん剤治療を続け、そして病魔を退けた。今日の塩田の国際的な評価の端緒となった2019年の個展「魂がふるえる」(森美術館, 東京)は、病に打ち勝った作家の、まさしく全霊をもって開催されたのである。本作を含む「Cell」シリーズは、その名の通り細胞を題材とした作品群である。癌とは、アポトーシス(細胞死)が機能しないことによって異常に増殖してしまった細胞組織のことだ。人の体は細胞によって組織されているので、一度その正常性を失えば即ち死に直結する。塩田は生と死を自らの作品命題に据えているが、闘病によって奇しくもその両者を司るものの恐るべき病理に触れたのである。本作では風船のように膨らんだ赤い細胞組織をかろうじて安定させようと一筋の糸が繋ぎ止めているように見える。細胞は自らの意志によっては支配できず、まして病巣と化した細胞に対しては医療という外側からの干渉を受けてようやく戦うことができる。身体を救うべく心はひたすら苦しみに耐え抜く。心と体を引き離されるほどの苦しみを体験した塩田が、人間としての尊厳を、自我を、自らの身体へと再び取り戻すために作られたのが「Cell」である。
ARTIST LIST
今津景 / KEI IMAZU:Blue Ribbon
今津景 / KEI IMAZU:Blue Ribbon
今津景 / KEI IMAZU:Blue Ribbon
今津景 / KEI IMAZU:Blue Ribbon
今津景 / KEI IMAZU:Blue Ribbon
今津景 / KEI IMAZU:Blue Ribbon
  • 今津景 / KEI IMAZU:Blue Ribbon
  • 今津景 / KEI IMAZU:Blue Ribbon
  • 今津景 / KEI IMAZU:Blue Ribbon
  • 今津景 / KEI IMAZU:Blue Ribbon
  • 今津景 / KEI IMAZU:Blue Ribbon
  • 今津景 / KEI IMAZU:Blue Ribbon
今津景 / KEI IMAZU
Blue Ribbon
Year: 2008
Medium: oil on canvas
Dimensions: 162 x 131 cm (63 3/4 x 51 5/8 in.)
Acquired from NEW AUCTION, 2022
絵画の地にあたる部分は、花畑を思わせる明るい色彩がふんだんに使用されている。遠景ではじんわりと滲むように見える色彩がやがて近景では輪郭の描写が具体的になり、やや放射状に花火や流れ星が尾を引くように広がる様子へと転じている。眩しいほどに明るい色の奔流の中、まるで似つかわしくない廃屋らしきものが描かれている。その建物は大きく歪んで今にも崩れそうに見える。前面と屋根にはほぼ遮るものが残っていない状態で、本来ならば日に晒されることのない屋内空間に光が入って黄金色に輝いて見える。乱れた室内の様子とは裏腹に、大切なもののモニュメントのようでもある。それを背景に、大きなブルーのリボンタイを着けて直立している少年の表情は、眩しさや嬉しさに目を細めているのか、あるいは悲しみや苦しみに頬を強張らせているのか、そのどちらとも決定的な判断がつかない。少年の表情や青いリボンをはっきりと性格づける要素が見られないが故に、彼はこの世界の中でただ一人関係性から切り離されて浮き立っているようにすら見える。明・暗のアンビバレントな感情を掻き立てる絵画である。
ARTIST LIST
ロバート・ロンゴ / ROBERT LONGO:untitled (small Venus)
ロバート・ロンゴ / ROBERT LONGO:untitled (small Venus)
ロバート・ロンゴ / ROBERT LONGO:untitled (small Venus)
ロバート・ロンゴ / ROBERT LONGO:untitled (small Venus)
ロバート・ロンゴ / ROBERT LONGO:untitled (small Venus)
ロバート・ロンゴ / ROBERT LONGO:untitled (small Venus)
  • ロバート・ロンゴ / ROBERT LONGO:untitled (small Venus)
  • ロバート・ロンゴ / ROBERT LONGO:untitled (small Venus)
  • ロバート・ロンゴ / ROBERT LONGO:untitled (small Venus)
  • ロバート・ロンゴ / ROBERT LONGO:untitled (small Venus)
  • ロバート・ロンゴ / ROBERT LONGO:untitled (small Venus)
  • ロバート・ロンゴ / ROBERT LONGO:untitled (small Venus)
ロバート・ロンゴ / ROBERT LONGO
untitled (small Venus)
Year: 2005
Medium: charcoal on paper in artist’s frame
Dimensions: 62.7 x 62.7 cm (24 5/8 x 24 5/8 in.)
Acquired from Phillips, 2022
ロンゴが2005~2006年頃に取り組んでいた惑星などの天体を描いた「OUTWARD AND VISIBLE SIGNS」という大判のドローイング作品シリーズがある。本作はその名の示す様にシリーズの一枚であるもののコンパクトな作品になっている。金星を描いている。地球に最も似た天体であるとされる金星には大気層があり、主成分は濃硫酸ではあるが雲も発生する。ロンゴは、おそらく詳細な天体観測データをもとに本作を描いているのだろう。金星の極にある特徴的な大きな渦が克明に描かれている。また、蝕の部分は背景の黒く塗りつぶされた宇宙空間に溶け込んでいるが、作品を間近に見ると、やや筆圧や濃度を変えた金星の半身が丁寧に描かれているのが分かる。ロンゴの木炭作品は、描かれているシーンのインパクトに目を奪われることも多いが、本作のように非常に繊細な描画技術はやはり第一人者ならではのものがある。天体を模したロンゴの初期作として有名な彫刻作品「DEATH STAR」は18000発もの弾丸を球体に固定したまさに死の天体であったが、それに限らずモノクローム映像の一コマを切り出したかのように描かれるロンゴの作品には、どこか擬死的なものを感じさせられるものが多い。本作においても最も近い惑星である金星ですら我々人類の生からは遥かに遠くかけ離れた存在であることを思わせる。死を思うことは生を思うことでもある。
ARTIST LIST
ABOUDIA:UN Car Burning I
ABOUDIA:UN Car Burning I
ABOUDIA:UN Car Burning I
ABOUDIA:UN Car Burning I
ABOUDIA:UN Car Burning I
ABOUDIA:UN Car Burning I
  • ABOUDIA:UN Car Burning I
  • ABOUDIA:UN Car Burning I
  • ABOUDIA:UN Car Burning I
  • ABOUDIA:UN Car Burning I
  • ABOUDIA:UN Car Burning I
  • ABOUDIA:UN Car Burning I
ABOUDIA
UN Car Burning I
Year: 2011
Medium: acrylic, paper collage on paper
Dimensions: 178.9 x 236.6 cm (70 3/8 x 93 1/8 in.)
Acquired from Phillips, 2022
アブディア作品としては、ティピカルな呪術的ポートレートが並ぶ最近の作風とはやや趣が異なっている。本作では、おそらく報道写真と思われる既存の画像をキャンバス上にコラージュし、その上に絵具の描写が重なっている。アブディアはこういった写真のコラージュを多用するが、多くの場合それを覆い尽くすほどの描き込みが重ねられる。しかし、本作ではあまり写真を隠すほどの加筆はなく、特にタイトルにもなっているUN(国際連合)の白い車が炎上している様子はほぼそのまま残されている。制作は2011年となっている。2011年はコートジボワールにおいて激しい内戦のあった年で、国連の平和維持活動部隊(PKO)が軍事介入している。本作は、アブディアがまさに自らの身をもって体験し生き抜いてきたこの紛争を題材として描いたものであろう。この時期の真に迫る作品群によって高い評価を得たアブディアはその後国際的な人気アーティストへと駆け上がっていくことになる。本作はキャリアの起点となった時期に描かれたの非常に重要な作品であると言えるだろう。
ARTIST LIST
MARC QUINN:Ankor Sunburst
MARC QUINN:Ankor Sunburst
MARC QUINN:Ankor Sunburst
MARC QUINN:Ankor Sunburst
MARC QUINN:Ankor Sunburst
MARC QUINN:Ankor Sunburst
  • MARC QUINN:Ankor Sunburst
  • MARC QUINN:Ankor Sunburst
  • MARC QUINN:Ankor Sunburst
  • MARC QUINN:Ankor Sunburst
  • MARC QUINN:Ankor Sunburst
  • MARC QUINN:Ankor Sunburst
MARC QUINN
Ankor Sunburst
Year: 2009
Medium: oil on canvas
Dimensions: 184.6 x 122.3 cm (72 5/8 x 48 1/8 in.)
Acquired from Sotheby’s, 2023
本作は「Iris」シリーズの最初期個展(Mary Boone Gallery, NY)で同時に発表され、この天体と人体とを繋ぐ円形のモチーフはその後「Anthropocene」シリーズにも継承されていくその契機となった重要な作品の一点と言える。「Iris」シリーズは人間の虹彩を巨大な円形キャンバスに描き出したものだが、人体的なスケールにおいてはわずか直径10ミリ程度のものがクインの絵画では2000ミリ程度まで拡大される。スケールが大きく変じることによって違ったものが見えてくることは多々ある。クインは虹彩という身体の小さなパーツをより大きな宇宙のスケールにまで結びつけていく。「Iris」とはギリシア神話の虹の女神の名である通り、語源的には虹を意味する。本作はアンコール遺跡の一角を成すバイヨン寺院の空を題材としている。目の眩むような太陽を中心に広がった見事な二重の日暈がフォトリアリスティックに描かれている。「Iris」と対比されるように展示されたこの作品は、人体の虹彩、そしてその中央にある瞳孔が暗い穴を示すのと対比的に、太陽光と大気によって起こされる稀な自然現象、その中央にある恒星の圧倒的な光、という両者のスケールと陰陽の対比的関係性を示すとともに、クインの想像領域の広大さを示唆するものだ。
ARTIST LIST
OLAFUR ELIASSON:Mirror, mirror
OLAFUR ELIASSON:Mirror, mirror
OLAFUR ELIASSON:Mirror, mirror
OLAFUR ELIASSON:Mirror, mirror
OLAFUR ELIASSON:Mirror, mirror
OLAFUR ELIASSON:Mirror, mirror
OLAFUR ELIASSON:Mirror, mirror
  • OLAFUR ELIASSON:Mirror, mirror
  • OLAFUR ELIASSON:Mirror, mirror
  • OLAFUR ELIASSON:Mirror, mirror
  • OLAFUR ELIASSON:Mirror, mirror
  • OLAFUR ELIASSON:Mirror, mirror
  • OLAFUR ELIASSON:Mirror, mirror
  • OLAFUR ELIASSON:Mirror, mirror
OLAFUR ELIASSON
Mirror, mirror
Year: 2002
Medium: color-effect filter glass, stainless steel, mirror
Dimensions: 46.4 x 46.4 x 5.7 cm (18 1/4 x 18 1/4 x 2 1/4 in.)
Edition: #5 of 12 + 3 A.P.
Acquired from Sotheby’s, 2023
円形の鏡と、ガラスが重ねられている。作品に向かって右手はほぼその両者は接しており、逆に左手側は3cm程度の距離が開いている。鏡は通常のものだが、ガラスには透過する光を黄色と青に分光するフィルター処理が施されているようだ。エリアソンはかず多くのガラスや鏡を使った光学的現象を作品として提示してきた。本作は鏡とガラスによる透過と反射の作用を組み合わせたものだ。作品を壁面にかけた状態で作品に正対すると必然的にガラス面は鑑賞者の視線をややズレた角度で受け止める形となる。逆に言えば、ガラスの表面で反射されて鑑賞者の目に届く景色は、実際の鑑賞者の視界には入らないはずのやや右手後背側の景色である。そこに、ガラスを透過して鏡が真っ直ぐに跳ね返す自らの姿を重ねて視認することになる。目の前にある作品が映し出している自分自身の姿は、果たして経験的に現実であると信じ続けてきたものと真に同じだと言えるだろうか？
カラー・エフェクト・フィルターを加工されたガラスによって遮られていることによって、その裏にある鏡には現実から引き剥がされたごく一部の波長のみしか届かない。さらにはガラスの角度によって空間的な位相すらも変じてしまう。確たるものと信じてやまない自らの身体的同一性や、世界の安定性はいとも容易に崩されてしまうものなのだ。
ARTIST LIST
山口歴 / MEGURU YAMAGUCHI:SPLITTING HORIZON NO. 23
山口歴 / MEGURU YAMAGUCHI:SPLITTING HORIZON NO. 23
山口歴 / MEGURU YAMAGUCHI:SPLITTING HORIZON NO. 23
山口歴 / MEGURU YAMAGUCHI:SPLITTING HORIZON NO. 23
山口歴 / MEGURU YAMAGUCHI:SPLITTING HORIZON NO. 23
山口歴 / MEGURU YAMAGUCHI:SPLITTING HORIZON NO. 23
山口歴 / MEGURU YAMAGUCHI:SPLITTING HORIZON NO. 23
  • 山口歴 / MEGURU YAMAGUCHI:SPLITTING HORIZON NO. 23
  • 山口歴 / MEGURU YAMAGUCHI:SPLITTING HORIZON NO. 23
  • 山口歴 / MEGURU YAMAGUCHI:SPLITTING HORIZON NO. 23
  • 山口歴 / MEGURU YAMAGUCHI:SPLITTING HORIZON NO. 23
  • 山口歴 / MEGURU YAMAGUCHI:SPLITTING HORIZON NO. 23
  • 山口歴 / MEGURU YAMAGUCHI:SPLITTING HORIZON NO. 23
  • 山口歴 / MEGURU YAMAGUCHI:SPLITTING HORIZON NO. 23
山口歴 / MEGURU YAMAGUCHI
SPLITTING HORIZON NO. 23
Year: 2022
Medium: acrylic and UV printing on canvas
Dimensions: 292.1 x 227.6 cm (115 x 89 5/8 in.)
Acquired from GOLD WOOD ART WORKS, 2022
本作は、当コレクションの契機となった作家の一人である山口に、UESHIMA MUSEUMの設立を機に制作を依頼したコミッションワークであり、長辺およそ3mに及ぶ大作である。NYより一時帰国した山口が完成前の当スペース内において三日間にわたって行った試作を踏まえた上で、NYのスタジオで度重なるブラッシュ・アップを加えて完成された。これまで「OUT OF BOUNDS」シリーズなどに見られる、激しいストロークを自立させた支持体不要のシェイプド作品が中心であった山口にとって、矩形のキャンバスやパネルという支持体の存在に改めて向き合っていた作家としての大きな転換期に制作された。山口のシグニチャー・カラーである青、その中でも独自に開発した特別な青が要所に使われている。色彩のクールさに反して恐ろしいまでの熱量を湛えていることは見ての通りである。画面の枠に収まり切ることなど到底不可能なように思われる、真っ直ぐに振り抜かれた迷いのないストロークが、凄まじいスピードで疾駆するムーブメントを作品内に生じさせており、周囲の空間までをも大きく揺さぶるかのような錯覚に陥る。鋭利に砕けたガラス片のごとき鮮やかな色面の断絶によって、ストロークがトップスピードから突如としてゼロになる。豊かな質感を伴ったプリント下地と、分厚い絵具という多重のレイヤーが、作品の複雑な空間的奥行きを作り出している。画面の多くを占める直線的ストロークの間隙を縫うように、有機的なうねりを伴った彫刻のような線が水飛沫のような不規則な動性で奥から前面へと迫ってくる。本作において、キャンバスという新たな地平を得た山口のストロークは絵画表現として極限に近い運動性を現前させるに至っている。
ARTIST LIST
THEASTER GATES:Walking on Afroturf
THEASTER GATES:Walking on Afroturf
THEASTER GATES:Walking on Afroturf
THEASTER GATES:Walking on Afroturf
THEASTER GATES:Walking on Afroturf
THEASTER GATES:Walking on Afroturf
  • THEASTER GATES:Walking on Afroturf
  • THEASTER GATES:Walking on Afroturf
  • THEASTER GATES:Walking on Afroturf
  • THEASTER GATES:Walking on Afroturf
  • THEASTER GATES:Walking on Afroturf
  • THEASTER GATES:Walking on Afroturf
THEASTER GATES
Walking on Afroturf
Year: 2012
Medium: reclaimed wood
Dimensions: 113 x 77.5 x 10.2 cm (44 1/2 x 30 1/2 x 4 in.)
Acquired from Phillips, 2023
ゲーツは例えば「Ground Rules」シリーズや「Thrones」シリーズなどに見られるように、ある特定のコミュニティ内における社会的な問題に対して実践的に対処していくプロジェクトを続けている。特に、人種間や貧困による格差や不安定な治安が問題とされているシカゴのサウス・サイドのコミュニティへのコミットメントは特筆すべきゲーツの活動の一つだ。地域の不動産を自らの力で買い取り、廃屋から得られる資材を用いた作品を制作販売することで得た収益によって安価な住宅やアーティストの活動スペース、コミュニティスペースなどの整備を行い、地域に還元していくのである。本作は、タイトルからも推察されるようにそうした活動の中でいずれかの廃屋から出た床材などを集めてストライプ状のタブローに再構築したものだろう。こびりついた緑や白の塗料や、激しく荒れた表面の様子からかなりの年季を経たものであることがわかる。一見するといかにも抽象表現主義然とした端正な相貌を見せる作品を前にして、その表層的な享楽に満足していてはならない。かつてその上を歩いたであろう数多の人の人生の堆積によってこの画面が作り出されているのだという厳然たる事実が現前しているのだから。しかし、単なる感傷では社会に変化はもたらされない。資本主義国家の一地域において美術が何か実社会へのコミットメントを示せるとすれば、それはまず作品と資本の交換が実現し、そして何よりも作家の強固な意思と実行力からその資本が地域社会へと還流せらるることによって、である。ゲーツは、自ら掲げる高い理念に起因してこそ自身の作品が社会的意義と同時に金銭的価値を持つのだという、ギャラリーシステムを含む現代美術マーケットの構造とその力の行使についてを真に理解している稀有なアーティストである。言うなれば都市計画的視座と美術の経済的視座を自覚的に行われる社会実践的な一連のプロジェクトの総体こそがゲーツの美術作品であり、それは中央集権に頼らずして行われる新たな公共性の実現に他ならないだろう。
ARTIST LIST
ミカ・タジマ(田島美加) / MIKA TAJIMA:Art d'Ameublement (Earhart Light)
ミカ・タジマ(田島美加) / MIKA TAJIMA:Art d'Ameublement (Earhart Light)
ミカ・タジマ(田島美加) / MIKA TAJIMA:Art d'Ameublement (Earhart Light)
ミカ・タジマ(田島美加) / MIKA TAJIMA:Art d'Ameublement (Earhart Light)
ミカ・タジマ(田島美加) / MIKA TAJIMA:Art d'Ameublement (Earhart Light)
  • ミカ・タジマ(田島美加) / MIKA TAJIMA:Art d'Ameublement (Earhart Light)
  • ミカ・タジマ(田島美加) / MIKA TAJIMA:Art d'Ameublement (Earhart Light)
  • ミカ・タジマ(田島美加) / MIKA TAJIMA:Art d'Ameublement (Earhart Light)
  • ミカ・タジマ(田島美加) / MIKA TAJIMA:Art d'Ameublement (Earhart Light)
  • ミカ・タジマ(田島美加) / MIKA TAJIMA:Art d'Ameublement (Earhart Light)
ミカ・タジマ(田島美加) / MIKA TAJIMA
Art d'Ameublement (Earhart Light)
Year: 2022
Medium: spray acrylic, thermoformed PETG
Dimensions: 133.5 x 103 cm (52 1/2 x 40 1/2 in.)
Acquired from TARO NASU, 2022
航空史に詳しい人であれば副題にある「Earhart Light」に思い当たるかもしれない。1928年に女性では初めての大西洋単独横断飛行の偉業を成し遂げたパイロット、Amellia Earhart(アメリア・イアハート)。彼女の名を冠するこの灯台は、太平洋の孤島ハウランド島に建っている。1937年、赤道上世界一周飛行の冒険に挑んだイアハートは、この島へ向かう航路中に消息を断った。灯台はイアハートの飛来を迎えるべく建てられたものだった。田島は「Art d’Ameublement (家具の美術)」シリーズにおいて離島などに因んだ副題を付けている。それらは困難の象徴であり、未知の象徴である。本シリーズは、裏面に色彩を噴霧したPETG(グリコール変性ポリエチレンテレフタレート)をボックス状に熱形成したものだ。田島は「Shell」または「Frame」だと表現しているが、この透明の殻のなかに封じられているのは「色彩」という極めて観念的なものであり、作品の本質はそこから惹起されるイマジネーションである。イアハートは曇天の中絶海の孤島を目指して飛んだ。視界を阻む雲の中、絶望と希望に入り混じった極限状態でイアハートは何を見ただろうか。彼女を待つはずの灯台の光を幻視しただろうか。色鮮やかな色彩の霧を閉じ込めたもの、それを田島は抽象絵画の比喩表現としてエリック・サティを引用して「家具の美術」と呼び、それを見る私たちはそこから何をイメージするのかを問われているのだ。Abstract (抽象)の本質を問う作品である。
ARTIST LIST
HERNAN BAS:Private Bouquet (8)
HERNAN BAS:Private Bouquet (8)
HERNAN BAS:Private Bouquet (8)
HERNAN BAS:Private Bouquet (8)
HERNAN BAS:Private Bouquet (8)
HERNAN BAS:Private Bouquet (8)
  • HERNAN BAS:Private Bouquet (8)
  • HERNAN BAS:Private Bouquet (8)
  • HERNAN BAS:Private Bouquet (8)
  • HERNAN BAS:Private Bouquet (8)
  • HERNAN BAS:Private Bouquet (8)
  • HERNAN BAS:Private Bouquet (8)
HERNAN BAS
Private Bouquet (8)
Year: 2015
Medium: acrylic on canvas, silk screen, airbrush, colored pencil, chalk, oil pastel on paper
Dimensions: 76.3 x 57.5 cm (30 x 22 5/8 in.)
Acquired from SBI Art Auction, 2023
本作は、”Private Bouquet (Suite of 8)” と題して8枚の連作として発表されたものの一枚である。人物をモチーフに描くことの多いバスの作品の中では比較的珍しく、花の静物画というスタイルの作品となっている。作品の主たるモチーフであるべきブーケはブラインド・カーテンで半ば隠された状態で描画されている。青いブラインドは着彩した紙のコラージュになっており、より物質的に花を覆い隠そうとするバスの意思を強く感じさせる。しかし、このブラインドによって隠すという表現には、対象を人目に触れさせぬように守りつつも、そのスリットから外部の窃視的視線を受け入れもするという二面性を孕んでいる。バスは決して露骨に走ることなく寓意性の高い表現によって人物像を捉えて退廃的な官能性を描き出してきた。鑑賞者はその甘い抒情性に酔わされるのだ。本作において、バスは静物画のスタイルを踏襲しながらも、やはりそこに秘めたる官能性を描いているように見える。描く対象が人物であれば表情やジェスチャーによってそうした特徴を示唆してきたバスであれば、花は表情を持たない代わりに画題としては愛や身体や死生にまつわるさまざまな象徴・意味を内包していることを踏まえた上で静物画というジャンルをあえて選択していると見るのが妥当だろう。人間性が仮託されたブーケを半ば隠す、という表現がここではより強い隠喩として機能しているであろうことが推察される。タイトルにある「Private」という言葉はさらにその向きを強調する。語感から察するに極めて私的な場における、おそらくは特定の誰かへの親愛感情の表れであるはずのブーケを部外者である我々は卑しくもそれを窃視する立場に置かれるのだから、このブラインド・カーテンはその視線の関係性を鑑賞者に自覚させるためにあると捉えるべきだろう。この全貌を露わにすることのないブーケは、翻って、バスならではの抑制された官能の現れでもある。
ARTIST LIST
ANNIE MORRIS:Stack 7, Ultramarine Blue
ANNIE MORRIS:Stack 7, Ultramarine Blue
ANNIE MORRIS:Stack 7, Ultramarine Blue
ANNIE MORRIS:Stack 7, Ultramarine Blue
ANNIE MORRIS:Stack 7, Ultramarine Blue
ANNIE MORRIS:Stack 7, Ultramarine Blue
ANNIE MORRIS:Stack 7, Ultramarine Blue
ANNIE MORRIS:Stack 7, Ultramarine Blue
  • ANNIE MORRIS:Stack 7, Ultramarine Blue
  • ANNIE MORRIS:Stack 7, Ultramarine Blue
  • ANNIE MORRIS:Stack 7, Ultramarine Blue
  • ANNIE MORRIS:Stack 7, Ultramarine Blue
  • ANNIE MORRIS:Stack 7, Ultramarine Blue
  • ANNIE MORRIS:Stack 7, Ultramarine Blue
  • ANNIE MORRIS:Stack 7, Ultramarine Blue
  • ANNIE MORRIS:Stack 7, Ultramarine Blue
ANNIE MORRIS
Stack 7, Ultramarine Blue
Year: 2018
Medium: polystyrene, pigment, metal and concrete, in 8 parts
Dimensions: 93 x 23 x 21 cm (36 5/8 x 9 x 8 1/4 in.)
Acquired from Sotheby’s, 2023
モリスを最も世に知らしめている「Stack」シリーズ。作品タイトルには主役となる色彩が示されている。その名の通り、大小の丸みを帯びた形状が歪なバランスで積み上がっている。本作では頂点のウルトラマリンが最も大きく、その視覚的な不安定さが増している。可愛らしい形状と、美しい色彩、乱れる様も心地よく捉えられる見事な均整が作品を明るく見せるが、コンセプトには仄暗い影が差す。モリスは初子を死産で亡くしている。その際に生まれたのが「Stack」のシリーズである。明るい色彩に希望を託しながら、一つづつ悲しみを乗り越えるようにして積み上げられた形こそが、この歪みつつも美しい彫刻である。日本の俗習にある賽の河原、キリスト教聖地巡礼者の石積み、荒野の道標、登山者のケルンなど、世界中に様々な想いを積み上げて残していく習慣は多数ある。モリスの「Stack」もまた、その行為自体が彼女の心の拠るべであったと同時に、時間をかけてその複雑な感情に折り合いをつけてきた自らの標として残したものであることは間違いないだろう。
ARTIST LIST
CERITH WYN EVANS:SILENCE
CERITH WYN EVANS:SILENCE
CERITH WYN EVANS:SILENCE
CERITH WYN EVANS:SILENCE
CERITH WYN EVANS:SILENCE
  • CERITH WYN EVANS:SILENCE
  • CERITH WYN EVANS:SILENCE
  • CERITH WYN EVANS:SILENCE
  • CERITH WYN EVANS:SILENCE
  • CERITH WYN EVANS:SILENCE
CERITH WYN EVANS
SILENCE
Year: 2005
Medium: neon
Dimensions: 15.2 x 61 cm (6 x 24 in.)
Edition: #1 of 3
Acquired from Phillips, 2023
コンセプチュアル・アーティストであるエヴァンスの作品は、作品としての物質性や物体よりも、その作品がいかなるコンセプトをいかなるコンテキストの中で表しているのか、という点に最も重点が置かれている。また、エヴァンスの作品では、美術史上の先行例を引用し、文学作品のテキストを題材とするなどのシミュレーショニズム的な態度が極めて自覚的に行われている。エヴァンスは、現代美術作品の制作の材料として、暗黙のうちに前提とされているさまざまな概念について、自己言及的に示している。
本作は「SILENCE」という単語をシンプルなフォントのネオンサインで示した非常に簡潔なものだ。しかし、アルファベットの一文字の大きさが末尾の「E」に向かうに従って次第に大きく示されている。それを一つの単語と認識するにあたって、私たちはほぼ経験的に左端の「S」から右端の「E」に向かって目を進ませていく。ゆえに、この作品全体が示す造形はまるで音楽のクレッシェンド記号のように次第に増大する音量を想像させるが、それによって「SILENCE」という語意と作品の認識にズレを生じさせている。あるいは、この文字サイズの不等を空間的に捉えるならば、薄闇に浮かび上がるこの単語は奥から手前に向かって迫り出してくるように錯覚されるだろう。さらには、「SILENCE」という単語が喚起するさまざまな社会的、文化的、政治的な意味合いについての思考を鑑賞者に向かって促すこともあるだろう。エヴァンスのコンセプチュアル・アーティストとしての態度とは、こうした極めて重層的な思考のパラフレーズに集約されていると言って良い。
ARTIST LIST
LOUISE BOURGEOIS x TRACEY EMIN:Just Hanging (no.11 of 16, from the series, Do Not Abandon Me)
LOUISE BOURGEOIS x TRACEY EMIN:Just Hanging (no.11 of 16, from the series, Do Not Abandon Me)
LOUISE BOURGEOIS x TRACEY EMIN:Just Hanging (no.11 of 16, from the series, Do Not Abandon Me)
LOUISE BOURGEOIS x TRACEY EMIN:Just Hanging (no.11 of 16, from the series, Do Not Abandon Me)
LOUISE BOURGEOIS x TRACEY EMIN:Just Hanging (no.11 of 16, from the series, Do Not Abandon Me)
LOUISE BOURGEOIS x TRACEY EMIN:Just Hanging (no.11 of 16, from the series, Do Not Abandon Me)
LOUISE BOURGEOIS x TRACEY EMIN:Just Hanging (no.11 of 16, from the series, Do Not Abandon Me)
  • LOUISE BOURGEOIS x TRACEY EMIN:Just Hanging (no.11 of 16, from the series, Do Not Abandon Me)
  • LOUISE BOURGEOIS x TRACEY EMIN:Just Hanging (no.11 of 16, from the series, Do Not Abandon Me)
  • LOUISE BOURGEOIS x TRACEY EMIN:Just Hanging (no.11 of 16, from the series, Do Not Abandon Me)
  • LOUISE BOURGEOIS x TRACEY EMIN:Just Hanging (no.11 of 16, from the series, Do Not Abandon Me)
  • LOUISE BOURGEOIS x TRACEY EMIN:Just Hanging (no.11 of 16, from the series, Do Not Abandon Me)
  • LOUISE BOURGEOIS x TRACEY EMIN:Just Hanging (no.11 of 16, from the series, Do Not Abandon Me)
  • LOUISE BOURGEOIS x TRACEY EMIN:Just Hanging (no.11 of 16, from the series, Do Not Abandon Me)
LOUISE BOURGEOIS x TRACEY EMIN
Just Hanging (no.11 of 16, from the series, Do Not Abandon Me)
Year: 2009-2010
Medium: pigment dyes print on fabric
Dimensions: 74 x 60.5 cm (29 1/8 x 23 13/16 in.)
Edition: #4 of 18 + 6 A.P. + 1 H.C.
Acquired from Sotheby’s, 2022
「Do Not Abandon Me」はルイーズ・ブルジョワとトレーシー・エミンによる合作であり、ブルジョワが2010年に没する直前に完遂された、彼女にとっての最後のプロジェクトでもある。本来は16枚の連作として発表されており、本作「Just Hanging」はシリーズ内の11番目の作品となる。エミンはブルジョワに深い影響を受けていることを明かしているが、その両者に通奏する身体性への関心が一連のドローイング制作における協業を通して豊かに共鳴している。独立したアーティスト同士のコラボレーションは度々行われるが、ここまで本質的な親和性を示す合作は珍しいだろう。制作にあたっては、まずブルジョワがルーズな絵具の広がりを使って横を向いた人物のボディを描いた。ブルジョワによる描画部分は、妊娠した女性の腹部と勃起した男性器を描いたものとが半数づつあり、それらに対してエミンが後から線描を加筆している。ブルジョワの描写は男性と女性の身体と生殖的役割についてシンプルで定型的な記号化がなされている。その記号的かつ象徴的な描写にエミンが具体的なストーリー性を持ち込み、それぞれの作品個別の性格を付与している。生殖本能に根ざした身体的性差を極めて端的に示したブルジョワに対して、性愛や感情のヴァリエーションを生々しくも細やかに描き分けたエミン、という両者の身体および人間観の差異がこのコラボレーションをより興味深いものとしている。本作においては、いかにも雄々しい男性器にかけられた縄状のものによって力なく吊るされた女性像が描かれている。本作の個別タイトルが「Just Hanging」とあるようにただぶら下がっているだけ、と素直に受け止めるにはあまりに衝撃的な光景であることは否めない。「Do Not Abandon Me」というシリーズタイトルに預けられた共依存性が暗に示すものは、広義には離れ難いほどの性愛を、狭義においてはブルジョワとエミン両者のアーティストとしての世代を超えた精神的咬合であるだろう。
本シリーズには各18部のエディションと6部のアーティスト・プルーフが存在するが、唯一のH.C(非売エディション)は全てMoMA(NY)に収蔵されている。
ARTIST LIST
JEAN-PHILIPPE DELHOMME:Building in fog
JEAN-PHILIPPE DELHOMME:Building in fog
JEAN-PHILIPPE DELHOMME:Building in fog
JEAN-PHILIPPE DELHOMME:Building in fog
  • JEAN-PHILIPPE DELHOMME:Building in fog
  • JEAN-PHILIPPE DELHOMME:Building in fog
  • JEAN-PHILIPPE DELHOMME:Building in fog
  • JEAN-PHILIPPE DELHOMME:Building in fog
JEAN-PHILIPPE DELHOMME
Building in fog
Year: 2021
Medium: oil on canvas
Dimensions: 33.2 x 41.3 cm (13 x 16 1/4 in.)
Acquired from PERROTIN, 2022
霧の立ち込める中、遠くのビルに灯る光が揺らいでいる。人影は見えないものの、そこに誰かが生きて暮らしていることを暗に、しかし非常に肯定的に描いている。薄紫に見える暗い空が、次第に明るくなる朝焼けの様子だとしたら、そこに描かれている窓の光も、月の明かりもやがて朝霧と共に消えてくのだろうか。Delhommeがイラストレーター時代に描いていた広告やファッションイラストレーションでは、人々が賑やかに、いかにも人生の豊かさを享受している様子が描かれていた。その明るさと比べて、本作のもの静かな画面とはあまりに対比的である。しかし描く対象の中にある清廉さを穏やかに肯定する姿勢は一貫している。
ARTIST LIST
JEAN-PHILIPPE DELHOMME:La Sira Night
JEAN-PHILIPPE DELHOMME:La Sira Night
JEAN-PHILIPPE DELHOMME:La Sira Night
JEAN-PHILIPPE DELHOMME:La Sira Night
  • JEAN-PHILIPPE DELHOMME:La Sira Night
  • JEAN-PHILIPPE DELHOMME:La Sira Night
  • JEAN-PHILIPPE DELHOMME:La Sira Night
  • JEAN-PHILIPPE DELHOMME:La Sira Night
JEAN-PHILIPPE DELHOMME
La Sira Night
Year: 2021
Medium: oil on canvas
Dimensions: 33.2 x 41.2 cm (13 x 16 1/4 in.)
Acquired from PERROTIN, 2022
デロームの絵画らしい、味気ない建物のある風景だが、よく見ると画中画のごとく、建物の外構にかけられたデローム自身の絵が描き込まれている。2020年にアーティスト・イン・レジデンス・La SIRAで開催した自身の個展会場の夜の様子を描いたものだと分かる。夜の深い藍色にも沈んでしまわないで、強く白く浮かび上がる建物と絵画は、やはりどこか作家の希望と自信が現れているように感じさせる。この自他へ等しく向けられる肯定感は、デロームのいずれの絵画にも共通している。
ARTIST LIST
DANIEL ARSHAM:Bronze Stainless Steel Venus Italica Bust
DANIEL ARSHAM:Bronze Stainless Steel Venus Italica Bust
DANIEL ARSHAM:Bronze Stainless Steel Venus Italica Bust
DANIEL ARSHAM:Bronze Stainless Steel Venus Italica Bust
DANIEL ARSHAM:Bronze Stainless Steel Venus Italica Bust
DANIEL ARSHAM:Bronze Stainless Steel Venus Italica Bust
DANIEL ARSHAM:Bronze Stainless Steel Venus Italica Bust
DANIEL ARSHAM:Bronze Stainless Steel Venus Italica Bust
DANIEL ARSHAM:Bronze Stainless Steel Venus Italica Bust
DANIEL ARSHAM:Bronze Stainless Steel Venus Italica Bust
DANIEL ARSHAM:Bronze Stainless Steel Venus Italica Bust
DANIEL ARSHAM:Bronze Stainless Steel Venus Italica Bust
DANIEL ARSHAM:Bronze Stainless Steel Venus Italica Bust
DANIEL ARSHAM:Bronze Stainless Steel Venus Italica Bust
DANIEL ARSHAM:Bronze Stainless Steel Venus Italica Bust
DANIEL ARSHAM:Bronze Stainless Steel Venus Italica Bust
  • DANIEL ARSHAM:Bronze Stainless Steel Venus Italica Bust
  • DANIEL ARSHAM:Bronze Stainless Steel Venus Italica Bust
  • DANIEL ARSHAM:Bronze Stainless Steel Venus Italica Bust
  • DANIEL ARSHAM:Bronze Stainless Steel Venus Italica Bust
  • DANIEL ARSHAM:Bronze Stainless Steel Venus Italica Bust
  • DANIEL ARSHAM:Bronze Stainless Steel Venus Italica Bust
  • DANIEL ARSHAM:Bronze Stainless Steel Venus Italica Bust
  • DANIEL ARSHAM:Bronze Stainless Steel Venus Italica Bust
  • DANIEL ARSHAM:Bronze Stainless Steel Venus Italica Bust
  • DANIEL ARSHAM:Bronze Stainless Steel Venus Italica Bust
  • DANIEL ARSHAM:Bronze Stainless Steel Venus Italica Bust
  • DANIEL ARSHAM:Bronze Stainless Steel Venus Italica Bust
  • DANIEL ARSHAM:Bronze Stainless Steel Venus Italica Bust
  • DANIEL ARSHAM:Bronze Stainless Steel Venus Italica Bust
  • DANIEL ARSHAM:Bronze Stainless Steel Venus Italica Bust
  • DANIEL ARSHAM:Bronze Stainless Steel Venus Italica Bust
DANIEL ARSHAM
Bronze Stainless Steel Venus Italica Bust
Year: 2021
Medium: Bronze, stainless steel, wooden pedestal
Dimensions: 162.5 x 51 x 61 cm (64 x 20 x 24 in.)
Acquired from PERROTIN, 2022
アーシャムが続けている「Fictional Archaeology」シリーズより。白く崩れ落ちた遺構や遺物を石膏で模したインスタレーション、ポケモンが白化したような彫刻作品など、寂寥としたディストピア感のある作風で知られ、意図的に時間軸上の「今」をスキップして、「未来」から「過去」を振り返っているような超越的視点を感じさせる。本作のタイトルにある「Venus Italica」とは、19世紀にナポレオン・ボナパルトが当時最も著名な彫刻家の一人であったアントニオ・カノヴァに依頼して作らせた古典テイストのヴィーナス像である。その頭像の石膏リプロダクションは、一般に安価で広く流通している。本作はアーシャムの作品ではこれまでほとんど見られなかった金属製(ブロンズとステンレス)の彫刻作品であり、その理由としては、制作の題材として参照した石膏像に対して応答するためには、これまで参照元のオリジナルの質感や色彩を無化するために石膏を使用してきたこととは真逆を向く必要があったということだろう。「Fictional Archaeology」における新たな展開の始まりを期待させる作品だと言える。
ARTIST LIST
BANKSY:Morons
BANKSY:Morons
BANKSY:Morons
BANKSY:Morons
BANKSY:Morons
  • BANKSY:Morons
  • BANKSY:Morons
  • BANKSY:Morons
  • BANKSY:Morons
  • BANKSY:Morons
BANKSY
Morons
Year: 2006
Medium: screenprint in colors on Arches 88 paper, with full margins
Dimensions: image: 50.8 x 71 cm (20 x 28 in.)　Sheet: 57.2 x 76.2 cm (22 1/2 x 30 in.)
Edition: No. 218 of 500
Acquired from PHILLIPS, 2022
タイトルからもわかるとおり、いかにもBANKSYらしい風刺に満ちた一枚。オークションの光景だろうと思われるが、$750,450.のプライス表示、オーセンティックなフレームの絵画が並んでいる他、“I CAN’T BELIEVE YOU MORONS ACTUALLY BUY THIS SHIT.”とだけ描かれたキャンバスが来場者に向けられている。BANKSYのこと、価格の数字や少々品の悪い煽り文句にも何かしらのメッセージが込められていると見て良いのだろうが、確証的な解釈はまだ得られていない。加熱する自身を取り巻くアートマーケット、特にオークションというシステムへの批判的姿勢は度々見られることからも、作家活動の本意ではないほど吊り上がっていく作品の金銭的価値に、作家自ら疑義を唱えているのだと思われる。本作品はとある暗号資産グループ(Burnt Banksy)がエディションの一部を入手し、現物を焼却すると共に無許可で作品画像をNFT化するという暴挙に出た。そのNFTが228.69ETH(2021年3月当時で約4,000万円強に相当)の取引を記録したことで更に話題となった。
ARTIST LIST
OLAFUR ELIASSON:Black Quasi Bricks
OLAFUR ELIASSON:Black Quasi Bricks
OLAFUR ELIASSON:Black Quasi Bricks
OLAFUR ELIASSON:Black Quasi Bricks
  • OLAFUR ELIASSON:Black Quasi Bricks
  • OLAFUR ELIASSON:Black Quasi Bricks
  • OLAFUR ELIASSON:Black Quasi Bricks
  • OLAFUR ELIASSON:Black Quasi Bricks
OLAFUR ELIASSON
Black Quasi Bricks
Year: 2003
Medium: Clay and glazing
Dimensions: 20.3 × 22.9 × 22.9 cm (8 x 9 x 9 in.)
Edition: No.22, 23, 24 and 25 of 30
Acquired from PHILLIPS, 2022
光を操る作家として知られるオラファーの、陶器によるブロック作品。大掛かりな壁面インスタレーションやコミッションワークにおいては「Quasi Brick」のヴァリエーションが多用される。スペインのFundacion NMACの庭園に設置されている、鏡面に仕上げられた多面体ブロックを積み上げた大きな壁が、太陽の光と木々の緑、そして空の青を取り込みつつも拡散するインスタレーション「Quasi brick wall」(2002)などが有名。自身の作品を介して、持続可能性や再生可能性についてを考察し実践するためのプロジェクト開発も行なっている。ブロックという単体を、多数複合していくことで壁面となり、単体では起き得なかった現象が複合体では起きる。Quasi=as ifの意味である通り、ブロックというユニットは一つで独立した存在である「かのように」見えて実はその真価は複合することで発揮される。人間社会の本質でもあるだろう。
ARTIST LIST
SAM FRANCIS:Lyre Eight (Lembeck, L.S5)
SAM FRANCIS:Lyre Eight (Lembeck, L.S5)
SAM FRANCIS:Lyre Eight (Lembeck, L.S5)
SAM FRANCIS:Lyre Eight (Lembeck, L.S5)
SAM FRANCIS:Lyre Eight (Lembeck, L.S5)
  • SAM FRANCIS:Lyre Eight (Lembeck, L.S5)
  • SAM FRANCIS:Lyre Eight (Lembeck, L.S5)
  • SAM FRANCIS:Lyre Eight (Lembeck, L.S5)
  • SAM FRANCIS:Lyre Eight (Lembeck, L.S5)
  • SAM FRANCIS:Lyre Eight (Lembeck, L.S5)
SAM FRANCIS
Lyre Eight (Lembeck, L.S5)
Year: 1972
Medium: screenprint in colors
Dimensions: 107.4 x 138.2 cm (42 1/4 x 54 3/8 in.)
Edition: No. 41 of 50
Acquired from Sotheby’s, 2022
抽象表現主義の流れを汲む重要作家として国際的に定評があり、日本にも大変馴染の深い作家である。本作はポロックを思わせるドリッピングや三原色を効果的に配したリズミカルな構図、禅や日本画の影響が公言されている余白などの要素が多分に見られる。一般に抽象表現主義の作家はオール・オヴァー、あるいはアメリカン・スケールなどと表現される大きく全体的な画面構成を旨とするが、フランシスの絵画は余白にかなりの比重が置かれていることが他と一線を画する点である。本作にみられるような、白地が有意に扱われることは西洋絵画の歴史上においては稀である。セザンヌは意図的な塗り残しが多く見られるが、それはフランシス余白の扱いとはまた異なる。セザンヌは塗らないことによって空白に何かを表現していたのであるが、フランシスはその空白が空白であることの意味を丁寧に拾い上げたのである。本作では、図と地(主題と背景)と言われるような絵画の大前提を捨てて、色彩と、色彩の置かれなかった白い空隙との関係性に目を向けなければならない。
ARTIST LIST
ROY LICHTENSTEIN:Entablature V (Corlett 142)
ROY LICHTENSTEIN:Entablature V (Corlett 142)
ROY LICHTENSTEIN:Entablature V (Corlett 142)
ROY LICHTENSTEIN:Entablature V (Corlett 142)
ROY LICHTENSTEIN:Entablature V (Corlett 142)
  • ROY LICHTENSTEIN:Entablature V (Corlett 142)
  • ROY LICHTENSTEIN:Entablature V (Corlett 142)
  • ROY LICHTENSTEIN:Entablature V (Corlett 142)
  • ROY LICHTENSTEIN:Entablature V (Corlett 142)
  • ROY LICHTENSTEIN:Entablature V (Corlett 142)
ROY LICHTENSTEIN
Entablature V (Corlett 142)
Year: 1976
Medium: screenprint and lithograph in colors wit collage and embossing
Dimensions: 107.4 x 138.2 cm (42 1/4 x 54 3/8 in.)
Edition: AP VIII, aside from the numbered edition of 30
Acquired from Sotheby’s, 2022
アンディ・ウォーホルと並ぶポップアートの巨匠。本作は、リキテンスタインの代名詞的ベンデイドット(網点)のシリーズではなく、活動後期にあたる70年代に制作された「Entablature(エンタブラチュア)」と名付けられたシリーズをレリーフプリントとして制作したものの一点。「Entablature」とはギリシャ・ローマ時代の建築様式において、柱頭を構成する水平方向の装飾を指す。基本的にはCornice(コーニス)、Frieze(フリーズ)、Architrave(アーキトレーヴ)と3層区分構造になっており、作品もそれを模しているのが見てとれる。本来は立体的造形である柱頭をフラットに捉え直すという形態上の再構成を経て、特定の建築様式の意匠、という絵画とは全く異なる形式から引用している。リキテンスタインが、初期にアメリカン・コミックの形式を絵画の形式へ応用したことも、本質はこれと同義である。通常、異なる形式間での表現の引用は安易になされることがない(それをする必然性や蓋然性が乏しい)ため、本作はこのリキテンスタインならではの特異性を端的に示したものと言えよう。
ARTIST LIST
MARC CHAGALL:Le Cirque (Mourlot 511)
MARC CHAGALL:Le Cirque (Mourlot 511)
MARC CHAGALL:Le Cirque (Mourlot 511)
MARC CHAGALL:Le Cirque (Mourlot 511)
MARC CHAGALL:Le Cirque (Mourlot 511)
MARC CHAGALL:Le Cirque (Mourlot 511)
MARC CHAGALL:Le Cirque (Mourlot 511)
  • MARC CHAGALL:Le Cirque (Mourlot 511)
  • MARC CHAGALL:Le Cirque (Mourlot 511)
  • MARC CHAGALL:Le Cirque (Mourlot 511)
  • MARC CHAGALL:Le Cirque (Mourlot 511)
  • MARC CHAGALL:Le Cirque (Mourlot 511)
  • MARC CHAGALL:Le Cirque (Mourlot 511)
  • MARC CHAGALL:Le Cirque (Mourlot 511)
MARC CHAGALL
Le Cirque (Mourlot 511)
Year: 1967
Medium: lithograph in colors
Dimensions: image: 42 x 32.2 cm (16 1/2 x 12 3/4 in.) Sheet: 51.9 x 37.9 cm (20 3/8 x 14 7/8 in.)
Edition: #13 of 24 (there is also a book edition of 250)
Acquired from Sotheby’s, 2022
エコール・ド・パリと呼ばれ、20世紀前半において最先端の美術大国であったフランスに拠点を置いた作家。同時代のピカソなどのキュビスト、シュルレアリスト、モディリアーニ、マティスらが極めて近い場所で活発に活動していた中、具象性を保ちつつも、それら多くの美術動向の要素を効果的に摂取しながら独自のスタイルを貫き通した画家でもある。本作は「Le Cirque」と題された全38点からなる版画作品の内一点。ユダヤ系ロシア人として苦悩を背負いながら育ったシャガールにとって、サーカスは娯楽の象徴でもあり、また、過酷な民族的な現実と享楽的な非現実の落差を想起させるものでもあっただろう。繰り返しサーカスを題材として描いており、度々、サーカスを一つの悲劇的隠喩として語った言葉が残されている。本作は日本では「白い服の女曲芸師」と呼ばれ、シリーズの中でも特に人気を博する。シャガールの好んだ特徴的な深い青と、道化師の白い衣装が印象的である。ユダヤ人でありながら聖書(キリスト教)を題材とする宗教的な表現も多かったシャガール。キリスト教における宗教絵画では、青(ヴェール)と白(百合)は聖母のアトリビュートでもあり、シャガールは青に愛と信仰の意を込めて描き続けた。
ARTIST LIST
名和晃平 / KOHEI NAWA:Velvet-VIA-Wall(NB) /『METAMORPHOSIS』COLLECTOR'S EDITION
名和晃平 / KOHEI NAWA:Velvet-VIA-Wall(NB) /『METAMORPHOSIS』COLLECTOR'S EDITION
名和晃平 / KOHEI NAWA:Velvet-VIA-Wall(NB) /『METAMORPHOSIS』COLLECTOR'S EDITION
名和晃平 / KOHEI NAWA:Velvet-VIA-Wall(NB) /『METAMORPHOSIS』COLLECTOR'S EDITION
名和晃平 / KOHEI NAWA:Velvet-VIA-Wall(NB) /『METAMORPHOSIS』COLLECTOR'S EDITION
  • 名和晃平 / KOHEI NAWA:Velvet-VIA-Wall(NB) /『METAMORPHOSIS』COLLECTOR'S EDITION
  • 名和晃平 / KOHEI NAWA:Velvet-VIA-Wall(NB) /『METAMORPHOSIS』COLLECTOR'S EDITION
  • 名和晃平 / KOHEI NAWA:Velvet-VIA-Wall(NB) /『METAMORPHOSIS』COLLECTOR'S EDITION
  • 名和晃平 / KOHEI NAWA:Velvet-VIA-Wall(NB) /『METAMORPHOSIS』COLLECTOR'S EDITION
  • 名和晃平 / KOHEI NAWA:Velvet-VIA-Wall(NB) /『METAMORPHOSIS』COLLECTOR'S EDITION
名和晃平 / KOHEI NAWA
Velvet-VIA-Wall(NB) /『METAMORPHOSIS』COLLECTOR'S EDITION
Year: 2020
Medium: mixed media
Dimensions: 20 x 11.4 x 7.9 cm (7 7/8 x 4 1/2 x 3 1/8 in.)
Edition: No. #4 of 10
Acquired from SBI Art Auction, 2022
名和の直近10年余りの作品を網羅した作品集『METAMORPHOSIS』の刊行に合わせて制作された限定特装版付属のマルチプル。本作のオリジナルとなっているものは豊洲フロント(東京都豊洲3丁目2番20号)に屋外設置されている高さ5メートルに及ぶパブリックアート。「Velvet」シリーズはオブジェクトの表面に菌糸や苔をイメージした絨毛状のテクスチャを施した作品。
ARTIST LIST
名和晃平 / KOHEI NAWA:Velvet-Mol(Flora, NB) /『METAMORPHOSIS』COLLECTOR'S EDITION
名和晃平 / KOHEI NAWA:Velvet-Mol(Flora, NB) /『METAMORPHOSIS』COLLECTOR'S EDITION
名和晃平 / KOHEI NAWA:Velvet-Mol(Flora, NB) /『METAMORPHOSIS』COLLECTOR'S EDITION
名和晃平 / KOHEI NAWA:Velvet-Mol(Flora, NB) /『METAMORPHOSIS』COLLECTOR'S EDITION
名和晃平 / KOHEI NAWA:Velvet-Mol(Flora, NB) /『METAMORPHOSIS』COLLECTOR'S EDITION
  • 名和晃平 / KOHEI NAWA:Velvet-Mol(Flora, NB) /『METAMORPHOSIS』COLLECTOR'S EDITION
  • 名和晃平 / KOHEI NAWA:Velvet-Mol(Flora, NB) /『METAMORPHOSIS』COLLECTOR'S EDITION
  • 名和晃平 / KOHEI NAWA:Velvet-Mol(Flora, NB) /『METAMORPHOSIS』COLLECTOR'S EDITION
  • 名和晃平 / KOHEI NAWA:Velvet-Mol(Flora, NB) /『METAMORPHOSIS』COLLECTOR'S EDITION
  • 名和晃平 / KOHEI NAWA:Velvet-Mol(Flora, NB) /『METAMORPHOSIS』COLLECTOR'S EDITION
名和晃平 / KOHEI NAWA
Velvet-Mol(Flora, NB) /『METAMORPHOSIS』COLLECTOR'S EDITION
Year: 2020
Medium: mixed media
Dimensions: 20 x 9.1 x 6.8 cm (7 7/8 x 3 5/8 x 2 5/8 in.)
Edition: No. #4 of 10
Acquired from SBI Art Auction, 2022
名和の直近10年余りの作品を網羅した作品集『METAMORPHOSIS』の刊行に合わせて制作された限定特装版付属のマルチプル。「Mol」は物質を構成する元素の原子・分子を特定の数量で示す単位である。本作は水の分子を題材にしている。「Flora」はギリシャの花の女神の謂だろう。ニンフ・クローリス(Chloris)に魅入られた西の風・ゼピュロス(Zephyros)によって攫われ、春と花の女神フローラへと変身を遂げたとされる。ボッティチェリのあまりに有名な絵画「プリマヴェーラ」にその場面が描かれている。春の訪れは生命が一気呵成に変貌を遂げる季節だからだ。変身(Metamorphosis)である。
ARTIST LIST
BANKSY:Bomb Love
BANKSY:Bomb Love
BANKSY:Bomb Love
BANKSY:Bomb Love
  • BANKSY:Bomb Love
  • BANKSY:Bomb Love
  • BANKSY:Bomb Love
  • BANKSY:Bomb Love
BANKSY
Bomb Love
Year: 2003
Medium: Screen print in colors
Dimensions: 69.3 x 48.3 cm (27 3/8 x 19 1/8 in.)
Edition: No.346 of 600
Acquired from PHILLIPS, 2022
社会に向けて批評性の高いメッセージを投げかけ続ける、顔のないストリートの生ける伝説。グラフィティという文化を世界中に知らしめ、街の片隅で燻り続けていた路上の若い怒りを、誰よりも強く大きな声へと変えた。本作は「Bomb Hugger」と呼ばれることもある。幸福感のあるピンク色の中、爆弾を愛しそうに抱きかかえる少女の笑顔は、誰を思ってのことだろうか。紛争や戦争、大きな社会問題や抑圧に対する抵抗の旗手でもある。かつては風刺画家たちが為政者や社会問題に対して皮肉な笑みを武器として戦っていた。同じように、バンクシーはメディアを操り、アートマーケットを利用した。爆弾が、常にやわらかなぬいぐるみであれば誰もが笑顔になる。オリジナルは同時多発テロの起きた2001年、ロンドンの路上に描かれたものが最初とされるが、以後も各地でいくつかのヴァリエーションが確認されている。初期の代表的なモチーフである。
ARTIST LIST
草間彌生 / YAYOI KUSAMA:かぼちゃ(GT)
草間彌生 / YAYOI KUSAMA:かぼちゃ(GT)
草間彌生 / YAYOI KUSAMA:かぼちゃ(GT)
草間彌生 / YAYOI KUSAMA:かぼちゃ(GT)
草間彌生 / YAYOI KUSAMA:かぼちゃ(GT)
草間彌生 / YAYOI KUSAMA:かぼちゃ(GT)
  • 草間彌生 / YAYOI KUSAMA:かぼちゃ(GT)
  • 草間彌生 / YAYOI KUSAMA:かぼちゃ(GT)
  • 草間彌生 / YAYOI KUSAMA:かぼちゃ(GT)
  • 草間彌生 / YAYOI KUSAMA:かぼちゃ(GT)
  • 草間彌生 / YAYOI KUSAMA:かぼちゃ(GT)
  • 草間彌生 / YAYOI KUSAMA:かぼちゃ(GT)
草間彌生 / YAYOI KUSAMA
かぼちゃ(GT)
Year: 1996
Medium: screenprint with color (raisonné No.229)
Dimensions: image: 29.8 x 22.8 cm (11 3/4 x 9 in.) sheet: 40.0 x 32.5 cm (15 3/4 x 12 3/4 in.)
Edition: #6 of 120
Acquired from SBI Art Auction, 2022
草間彌生の最も人気シリーズであるドットの南瓜。草間にとって、南瓜は人間の比喩であり、自画像でもあると言われる。幼少から幻聴や幻覚に苛まれ、強迫観念的にドットやネットを描き続けている草間。彼女の孤独が、一つとして同じ形のない個性を発現しやすい南瓜に重なる。であればこそ、草間の描く南瓜はどれもひどく歪んではいるが、それがむしろ愛おしくも見えてこよう。
ARTIST LIST
BANKSY:Jack & Jill (Police Kids)
BANKSY:Jack & Jill (Police Kids)
BANKSY:Jack & Jill (Police Kids)
BANKSY:Jack & Jill (Police Kids)
BANKSY:Jack & Jill (Police Kids)
  • BANKSY:Jack & Jill (Police Kids)
  • BANKSY:Jack & Jill (Police Kids)
  • BANKSY:Jack & Jill (Police Kids)
  • BANKSY:Jack & Jill (Police Kids)
  • BANKSY:Jack & Jill (Police Kids)
BANKSY
Jack & Jill (Police Kids)
Year: 2005
Medium: screenprint in colors, signed in pencil
Dimensions: image: 45 x 64.9 cm (17 3/4 x 25 1/2 in.) sheet: 50 x 69.9 cm (19 5/8 x 27 1/2 in.)
Edition: #62 of 350
Acquired from Sotheby’s, 2022
壁画としてのオリジナルが確認されておらず、版画制作のみされたという珍しい作品。まず、見ての通り、笑顔の子どもたちが花籠を下げて楽しそうに駆けている様子だ。背景は青空のように澄んでいる。胸には防弾チョッキ、「POLICE」の文字が黄色地に踊っている。果たしてこれは警察ごっこの遊びだろうか？「Jack & Jill」というイギリスでは古くから歌われる童謡がある。俗に、時の権力者(王)を揶揄したのだろうとされているものの真偽は定かではないが、それをイングランド・ブリストル出身であるBANKSYが知らぬわけはない。警察とは公権力の象徴でもあるのだから、そこに気付いた瞬間、楽しげな絵が俄に反対の意味を持ち始める。バンクシーならではの重いユーモア。
ARTIST LIST
BANKSY:Napalm
BANKSY:Napalm
BANKSY:Napalm
BANKSY:Napalm
BANKSY:Napalm
  • BANKSY:Napalm
  • BANKSY:Napalm
  • BANKSY:Napalm
  • BANKSY:Napalm
  • BANKSY:Napalm
BANKSY
Napalm
Year: 2004
Medium: screenprint in colors, signed in pencil
Dimensions: image: 37.4 x 58.5 cm (14 3/4 x 23 in.) sheet: 49.9 x 69.9 cm (19 5/8 x 27 1/2 in.)
Edition: No.106 of 500
Acquired from Sotheby’s, 2022
言わずもがな、モチーフとされているのはベトナム戦争時に撮られたナパーム弾から逃げ惑う子どもたちを写した写真(Nick Ut /ニック・ウット撮影)だ。ピューリッツァー賞を取っている。ミッキーマウスとドナルドは、いずれもアメリカの資本主義・民主主義の象徴に他ならない。常に笑顔を絶やさない(泣き顔や怒りの表情をしようにもできないのかもしれない)彼らの間で恐怖に慄いている少女の姿を、どう受け止めれば良いというのか。かつてのベトナムは常に世界のどこかで繰り返されている。胸に重い痛みが残る作品である。
ARTIST LIST
MARK RYDEN:Yakalina Array
MARK RYDEN:Yakalina Array
MARK RYDEN:Yakalina Array
MARK RYDEN:Yakalina Array
MARK RYDEN:Yakalina Array
MARK RYDEN:Yakalina Array
MARK RYDEN:Yakalina Array
  • MARK RYDEN:Yakalina Array
  • MARK RYDEN:Yakalina Array
  • MARK RYDEN:Yakalina Array
  • MARK RYDEN:Yakalina Array
  • MARK RYDEN:Yakalina Array
  • MARK RYDEN:Yakalina Array
  • MARK RYDEN:Yakalina Array
MARK RYDEN
Yakalina Array
Year: 2021
Medium: mixed media on paper, framed
Dimensions: sheet: 31.8 x 39.4 cm (12 1/2 x 15 1/2 in.) frame: 48 x 63 x 3.3 cm (18 7/8 x 24 7/8 x 1 1/4 in.)
Acquired from PERROTIN, 2022