KEISUKE YAMAMOTO
山本桂輔
山本桂輔
1979年東京生まれ。東京造形大学彫刻科卒業後、2018年東京藝術大学大学院美術研究科彫刻専攻修了。神奈川県を拠点に活動。
彫刻と絵画、両方の表現を横断し、相関させながら独自の表現世界を拓いてきた。草花やキノコ、妖精などファンタジックなモチーフを鮮やかな色彩で描き、木彫はさらに複雑なフォルムと圧倒的なボリュームで強い印象を観る者に与え、2009年にはその頂点とも言える高さ5メートルを超える巨大な彫刻を発表。東日本大震災をきっかけに、2012年以降は拾った古道具などに部材を加えるなど、新たな造形表現へと向かう。2022年の個展では「目に見えない土の中」に興味を持ち、「土壌の微生物」と「庶民の文化や創造力のごった煮のようなもの」のメタファーを造形し、発表した。
2008年「VOCA2008」、2009年「ウィンター・ガーデン：日本現代美術におけるマイクロポップ的想像力の展開」（原美術館、東京、その後世界巡回）、「Twist and Shout: Contemporary Art from Japan」（バンコク芸術文化センター、バンコク、タイ）、2014年「ノスタルジー＆ファンタジー 現代美術の想像力とその源泉」（国立国際美術館、大阪）、2018年村上隆キュレーション「バブルラップ」（熊本市現代美術館）などに出品。変わらない根っこと進化する造形表現が独特の魅力を放つ。
彫刻と絵画、両方の表現を横断し、相関させながら独自の表現世界を拓いてきた。草花やキノコ、妖精などファンタジックなモチーフを鮮やかな色彩で描き、木彫はさらに複雑なフォルムと圧倒的なボリュームで強い印象を観る者に与え、2009年にはその頂点とも言える高さ5メートルを超える巨大な彫刻を発表。東日本大震災をきっかけに、2012年以降は拾った古道具などに部材を加えるなど、新たな造形表現へと向かう。2022年の個展では「目に見えない土の中」に興味を持ち、「土壌の微生物」と「庶民の文化や創造力のごった煮のようなもの」のメタファーを造形し、発表した。
2008年「VOCA2008」、2009年「ウィンター・ガーデン：日本現代美術におけるマイクロポップ的想像力の展開」（原美術館、東京、その後世界巡回）、「Twist and Shout: Contemporary Art from Japan」（バンコク芸術文化センター、バンコク、タイ）、2014年「ノスタルジー＆ファンタジー 現代美術の想像力とその源泉」（国立国際美術館、大阪）、2018年村上隆キュレーション「バブルラップ」（熊本市現代美術館）などに出品。変わらない根っこと進化する造形表現が独特の魅力を放つ。
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Title: Untitled
Year: 2009
Medium: oil, acrylic, color pencil, pencil, epoxy, collage on canvas
Dimensions: 65.2 x 50 cm -
Title: 転写反転渦巻姫
Year: 2014
Medium: oil, conte on canvas
Dimensions: 227.5 x 324 cm (89 1/2 x 127 1/2 in.) -
Title: Untitled
Year: 2008-2009
Medium: oil on canvas
Dimensions: 227.3 x 162 cm (89 1/2 x 63 3/4 in.), combined 2 panels -
Title: untitled
Year: 2008
Medium: acrylic on wood, iron
Dimensions: 230 x 64 x 55 cm (90 x 1/2 x 25 1/4 x 21 5/8 in.) -
Title: 山眠る鳥と夢遊
Year: 2022
Medium: oil, wood
Dimensions: 154.5 x 34.6 x 48.2 cm -
Title: 明日を思い出す(ボードゲーム) / Remembering Tomorrow (Board Game)
Year: 2018
Medium: ceramic, wood, lead, stone, thread, paper, acrylic board, cup, tape, pencil, wooden box, wooden board
Dimensions: 12 x 32.7 x 45.6 cm (4 3/4 x 12 7/8 x 18 in.), excluding pedestal -
Title: 逃走する光 / Escaping Light
Year: 2017 / 2022
Medium: oil, wood
Dimensions: 25.5 x 25.5 x 25.1 cm (10 x 10 x 9 7/8 in.) -
Title: 月光のピクニック / Picnic Under the Moonlight
Year: 2022
Medium: ceramic
Dimensions: 14.9 x 7.9 x 11 cm (5 7/8 x 3 1/8 x 4 3/8 in.), excluding pedestal
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Untitled
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Year: 2009有機的な幾何学形と、植物の形とが独特のリズムで組み合わされ、色彩のシンフォニーを奏でているかのような、山本の絵画。絵の具で塗った平滑な面と、絵の具を盛り上げて作った凹凸、そしてコラージュにより、画面は変化に富み、物質としての存在を主張している。その立体感は、彫刻家出身である山本の、素材に対する身体的な感覚が反映されたものだろう。その物質感と奥行きから、観る人それぞれの感覚が呼び起こされる。「何かの再現ではない、存在へのアプローチへの一つの手段」と作家が語る、イメージとイメージのつながりや交錯、横断による豊かな表現が印象に残る作品である。
Medium: oil, acrylic, color pencil, pencil, epoxy, collage on canvas
Dimensions: 65.2 x 50 cm
Acquired from Tomio Koyama Gallery, 2022
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転写反転渦巻姫
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Year: 2014F150号のキャンバスを２枚組みあわせた大作。作品のセンター、つまり２枚のキャンバスの繋ぎ目を軸にして大まかな線対称を成す構図になっている。画面の大半は抽象的な構成で描かれており、絵画の中心よりもやや上に位置した暗褐色の円形から外に向かって放射状に伸びていく線形、蛇目紋のような円形の描写が色とりどりに散開している。しかし、継ぎ目に沿って細長い有機的なフォルムが伸びており、それを目で追っていくと装飾的な描写の中に顔が認められる。すると、絵画全体が大きく羽を展開した蝶のような造形をした人物らしきものを描いていることがわかる。本作は、そのタイトルにもあるように、対称軸の左右で鏡のように「反転」し、お互いを「転写」し合うような関係にある。二次元的には線対称の軸に重なるように描かれた「姫」を、ひとたび三次元的に再認識したとき、対称軸は「姫」を中心とした回転軸に捉え直すことができる。恒星を中心に形成される銀河のように、「姫」自身を取り巻く世界をその渦中に巻き取っていく光景にも見えてくる。本作は2014年に国立国際美術館(大阪)において開催された「ノスタルジー＆ファンタジー 現代美術の想像力とその源泉」において、当時の山本の仕事を代表的に示す作品として紹介されている。
Medium: oil, conte on canvas
Dimensions: 227.5 x 324 cm (89 1/2 x 127 1/2 in.)
Acquired from Tomio Koyama Gallery, 2022
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Untitled
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Year: 2008-200900年代の山本の絵画は次第に画面の絵具に厚みが増して、幾何学的な構成と有機的なモチーフが濃密に絡み合うような特徴が見られる。本作では、濃い紫色や暗褐色を基調とした夜の森を思わせる重厚な画面が印象的である。画面の奥から回転する閃光が差し込む様な描写が見られるが、その中心から放射状に伸びる色とりどりの直線が風景を大きく区分けており、地続きの風景でありながらもその区分けられたそれぞれのエリア内は少しずつ色調が異なっている。画面右側には、さまざまな有機体の集合のような何かが聳えている。山本のモチーフとしてよく登場するキノコや精霊のようにも見えるが、個別の名指しできる何かではなく超越者的な存在であるように感じられる。山本のこうした絵画は一体どの様に分類されるべきだろうか。単純に具象や抽象といった大まかな区分には該当せず、相応しい分類をことごとく拒む独善的な強度を有している。本作は2014年に国立国際美術館(大阪)において開催された「ノスタルジー＆ファンタジー 現代美術の想像力とその源泉」において、当コレクション所蔵の「転写反転渦巻姫」と並んで展示された。この常人ならざるイマジネーションの成果物に対して、仮に「ノスタルジー＆ファンタジー」という言葉を当てるとすれば、奇想あるいは狂気とでも意訳するべきだろうか。
Medium: oil on canvas
Dimensions: 227.3 x 162 cm (89 1/2 x 63 3/4 in.), combined 2 panels
Acquired from Tomio Koyama Gallery, 2022
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untitled
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Year: 2008非常にユニークな造形をした彫刻作品である。球状の先端部が取り付けられ、肌色に塗られた4本の鉄の角柱を足として自立する構造になっている。先端部には、その4本の支柱によって瓢箪様の木彫が立っている。2000年代、山本の作品はキノコや植物類を思わせる有機的なフォルムを絵画や彫刻に取り込んでいった。本作における有機的な造形は当時の山本の関心事を強く示している。最下部の膨らみは、表層の裂け目から泡立つようにたくさんの球体が覗いている。よく見ると、瓢箪様の先端近くには顔が彫られており、それを認識した後では本作は俄かに人間味を帯びてくる。4本ある足の代わりに腕らしきものは見られず、無表情にこちらを見据えている顔からも特に感情的なものは読み取れない。しかし、アンバランスに細長く、頭上から見下ろしてくるような造形のせいだろうか、どことなく不安を誘う。作品が空間に配された時、それを正面にしていない場合であっても視界の端に妙な気配を纏って強い存在感をこちらに向けて放ってくるような気がしてならない。彫刻作品とはそれが空間に厳として存在することを主張するものではあるが、本作はより生々しく今にも動き出しそうな予感を伴っている。当コレクションに所蔵されている「転写反転渦巻姫」(2014年)とは、絵画と彫刻で表現形態も異なり、両者の制作年代にも開きがあるが、図像的な関連性が強く見られることは興味深い。
Medium: acrylic on wood, iron
Dimensions: 230 x 64 x 55 cm (90 x 1/2 x 25 1/4 x 21 5/8 in.)
Acquired from Acquired from Tomio Koyama Gallery, 2022
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山眠る鳥と夢遊
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Year: 2022絵画と彫刻を往還しながら独特の表現を切り拓いてきた山本桂輔。本作は木彫に油彩で着彩している。一見すると、コロンとした球が重なりトップには鳥の餌付け小屋が載る、キャンディのような色合いの牧歌的なモチーフだが、球に刻まれた「顔」は不気味で、かわいいだけではない不穏さを醸し出す。妖精にも多様性がある。ファウンド・オブジェクトや廃材も彫刻の素材として取り込み、人間、生物と自然、自分たちの生きる社会との関係を問い続けながら、中毒性のあるファンタジー世界を紡ぐ山本。タイトルも味わい深い。
Medium: oil, wood
Dimensions: 154.5 x 34.6 x 48.2 cm
Acquired from Isetan Shinjuku, 2022
展示会履歴
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- 2022年 Art Collaboration Kyoto
https://a-c-k.jp/
- 2022年 Art Collaboration Kyoto
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明日を思い出す(ボードゲーム) / Remembering Tomorrow (Board Game)
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Year: 2018使い古された木製の箱と板を重ねたものを台座として、その上には鉛でできた柔らかな造形物やセラミックの小さなオブジェ、紐、メモ帳、ガラスコップなどがお互いに連続していくように配されている。「ボードゲーム」と副題にある通り、何らかのルールや偶然性に則って配置を決めているようなゲーム性を感じさせる。本作はその観点から言えば、完成された展示物が何を示すかという目線で鑑賞するよりも、それを展示していく手順(プロセス)にいかなる論理的な思考があるのかを見出すことにその面白さがあると見るべきだろう。二枚板構造になっている天板の隙間に置かれた小さな丸いセラミックの位置は、何らかの液体のシミの残るメモ紙の束の対角線上にあり、さらにそのメモ紙の位置を決めるのはその左肩に置かれている小さなセラミック片である。紙に広がったシミの上には、あたかもそのシミを作り出した原因であるかのようにジャガイモのような歪んだ球体が乗せられている。鉛でできた器具のような造形物に鉛筆やプラスチック片がピッタリと固定され、それを程よく押さえるようにしてガラスコップが置かれ、その中にはカラフルな斑点を持つ球体がコロンと入れられている。そして、最もこの作品を印象付けているのは紐の存在である。長い紐がチューブ上になった鉛の棒を貫いて、ところどころ小石を起点に蛇行している。小石やセラミックの互いの位置的な関係性を可視化しているようにも見える。何かを起点とすることで次の一手に至るプロセスが自ずと予測されていくのである。本作について「明日を思い出す」と序するのは、いかにも示唆的であるように思われる。
Medium: ceramic, wood, lead, stone, thread, paper, acrylic board, cup, tape, pencil, wooden box, wooden board
Dimensions: 12 x 32.7 x 45.6 cm (4 3/4 x 12 7/8 x 18 in.), excluding pedestal
Acquired from Mitsukoshi Contemporary Gallery, 2022
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逃走する光 / Escaping Light
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Year: 2017 / 2022立方体の木材を雛壇状に二分割したような造形をしており、表面にはオレンジ色の塗装が施されている。塗装といってもそれは荒い木目や割れなどの木という素材の表情を覆い隠すほど分厚いものではない。それによって、木のどっしりとした重量感や手触りが視覚情報として伝わってくる。直近に見れば、明るいオレンジ色によって感じる色彩的な軽やかさと相反するような、硬さ・重さがはっきりと感じ取れることだろう。造形面から見れば、手仕事を感じさせる温かみや歪みが見られるとはいえ、シンプルな階段状であること以外にこれといって特筆すべき特徴は見出せない。形そのものがたいして多くを物語らぬ一方で、「逃走する光」というタイトルが付されていることに思考を向けながら見ることで、俄かに想像力が掻き立てられるはずだ。階段というものは山や建築物等において上昇や下降を担う構造物だが、それによって、ここではない別の場所への移動という象徴性を見出せる。しかし、それも階段を挟んでその上下に眺望があるとかフロア空間があるといったような前提があって初めて成り立つ。本作においてはその前提が未提示のまま、ただ、過渡という中間状況を意味する階段のみが目の前に突きつけられる。そこに何かがあるのだと期待を込めて目を向けた私たちは、ただ目を向けただけではどこへ向かうともどこから至るとも一切を物語らないこの作品の本質を捉えることはできない。光とはその存在を目視し認識することの謂に他ならない。ドゥルーズらが述べる通り、逃走とはいつまでもそこに停滞していては見えない新しい道筋を開くことと同義でもある。となれば、本作を見るにあたり、目を向けるべきはこの造形の内にとどまっているものではなく、そこを通り抜けていくものを想起しそれらが残していく軌跡の行先だろう。
Medium: oil, wood
Dimensions: 25.5 x 25.5 x 25.1 cm (10 x 10 x 9 7/8 in.)
Acquired from Mitsukoshi Contemporary Gallery, 2022
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月光のピクニック / Picnic Under the Moonlight
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Year: 2022手のひらに乗る程度の小さなセラミック製の彫刻作品。全身が青みがかった少女が大きな瓶を膝の上に抱えつつ座っている。瓶は外側がオレンジ色、内側は明るい黄色になっており、少女の青と鮮やかな色彩的な対比を見せている。山本の活動初期に多く見られた少女や水をモチーフとしたドローイング作品が思い出される。キノコ類や植物類のような有機的な造形やそれに伴う抽象度の高い描写が近年の作品では多用されているが、元々は人物をモチーフとしたより具象的な描写が目立っていた。直近の制作では、キノコ的なイメージは作家の精神の深部において内面化されており、表面的には初期の具象的傾向に再帰しつつあることが伺える。強いてそのように見れば、本作では口の広い瓶の造形がキノコ的とも言えるだろうか。本作はセラミック作品であるから、遡れば土だ。本作を発表した個展(日本橋三越本店コンテンポラリーギャラリー, 2022年)のアーティスト・ステートメントには「私にとっての興味の対象は、目に見えない土の中にあるのではないかと考えている」とある。キノコと通常私たちが認識するものは、子実体と呼ばれる植物でいえば花や実にあたる部分であり、生命体としての本体である菌糸は土中に網目のように広がっている。山本が自ら言うように、この見えない土中に広がる微生物たちのミクロコスモスを自身のイマジネーションの在り方に重ねた結果としてグロテスクですらある有機的な表現が続けられてきた。本作では、そこで見えない部分と作家が呼んだものが、土ごと練り込まれて表には現れ出ないものとして作品の内部に隠されているのだ。山本はキノコがぽっこりと森の中に顔を出す様子をこの少女像のように愛らしいと捉えており、本作は事実そのように表現されていると見るべきだろう。ただし、その愛らしさの内側や足元の土中には、生命の還元を司る菌糸の広大な網が隠れていることを知った上で、である。山本が陶作を通じて土に触れねばならないと考える必然性はここにあるだろう。
Medium: ceramic
Dimensions: 14.9 x 7.9 x 11 cm (5 7/8 x 3 1/8 x 4 3/8 in.), excluding pedestal
Acquired from Mitsukoshi Contemporary Gallery, 2022