RIKAKO KAWAUCHI
川内理香子
川内理香子
1990年東京都生まれ。2017年、多摩美術大学大学院美術学部絵画学科油画専攻を修了。食への関心を起点として、身体や生命への関心が強く作品に表れており、派生的に、肉体と精神、自己と他者といった対比関係と相互性を描く。肉厚の絵具と切り裂くように描かれる線の組み合わせによる絵画、紙に色彩と線が滲むようなドローイング、ネオンや針金を使った立体的な線描作品など、表現手法は多岐に渡るが、先述の作品としての主題は極めて一貫している。VOCA展(2022年, 上野の森美術館, 東京)で大賞を受賞、TERRADA ART AWARD 2021ファイナリスト展において寺瀬由紀賞受賞、第9回 shiseido art egg賞を最年少受賞(2015年)、第1回CAF賞において保坂健二朗賞(2014年)など、若手作家の評価をする重要な公募展において評価されており、近年ではイタリア、ドイツ、イスラエル、ベルギーなどの海外での発表機会も続く。多くの企業コレクションや著名プライベートコレクションが作品を所蔵し、公立館としては愛知県美術館が収蔵している。
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Title: Woman
Year: 2022
Medium: oil on canvas
Dimensions: 181.8 x 227.3 cm (71 1/2 x 89 1/2 in.) -
Title: grow
Year: 2023
Medium: neon light
Dimensions: 45 x 20 x 20 cm (17 3/4 x 7 7/8 in.) -
Title: heart and heads
Year: 2022
Medium: oil on canvas
Dimensions: 227.3 x 227.3 cm (89 1/2 x 89 1/2 in.)
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Woman
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Year: 2022川内のペインティングは肉厚の油彩と、それを引っ掻いて描く線とで構成される。本作では心臓、獣、人物の頭部や文字などが深く刻み込むような筆致で描かれている。タイトルと画面の赤は鑑賞者に身体性(血や肉)を強く意識させる。本作では特に内臓器官や人物の表情に若干の露骨さを覚える程度には具体的な造形の捉え方がなされているものの、それぞれのモチーフは象徴的で記号的な役割が与えられているように見受けられる。例えば、獣は心臓や「Moon」の表記からジャガーだろうと連想されるが、それは象徴的なものとして描かれているはずである。アステカやマヤの神話においてジャガーは夜と月の神の一柱であり、正に心臓を意味する名を冠する。また、絵画全体が一つの身体の暗喩となっているのだろう、よく見れば肺、気管、心臓、腸などの器官が、獣や人物たちを内包しながらもおおよそ人体的な位置に配されている様子が見て取れる。食べ物を摂り込むことで生命が維持される。幼少からその摂理に疑念を抱いていた川内にとって、それを主題とし続けることは身の内に眠る獣性と向き合うことに他ならないだろう。線描を支えている分厚く力強い絵具の層は、こちら側へ迫るような物性を伴っている。その点においては、『画面の抵抗』と川内が呼ぶ現象を無視してはならない。これは絵具の圧倒的質量が塊としてそこに存在するという物理的な事実のことではなく、絵画に内包された川内の思念が画面という皮膜の内側から逆に川内の干渉を拒んでくる、つまり絵画としての完成を作品の方から告げてくるような観念的な現象を「抵抗」と呼んでいるのである。川内の絵画が表層を抉るように描かれている理由がそこにあるだろう。線は『画面の抵抗』に対する画家自身の抵抗の痕跡である。絵画としては具象性を強く帯びながらも、本質的には川内の内面における抽象概念の発露という観念的絵画でもあるのだと考えられるのではないか。
Medium: oil on canvas
Dimensions: 181.8 x 227.3 cm (71 1/2 x 89 1/2 in.)
Acquired from Ginza Tsutaya Books, 2022
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grow
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Year: 2023鮮やかな赤に発光するネオン管による空間的ドローイング。川内はキャンバスや紙などの平面作品において線を重要な要素としている。作家の言葉を借りるならば線描とは人が絵を描くという行為の『プリミティブ』が表れるからである。古代の壁画を見ても線画は多く、絵画の始まりは愛しい人の影の輪郭を模ったことだとも言われるように、線は表現の原初的役割を持っていることはおそらく誤りではない。川内は絵画とは空間性を伴うものであるとしている。絵画とは白紙、あるいは空白に対して一本の線を置くことによって空間性が生じるのであるから、立体作品としての本作もその本質は彫刻というよりは線描と呼ぶべきである。赤は川内にとって重要な色彩であり、大半の作品に用いられている。本作も連なるネオンのシリーズは元々ペインティングの中で赤い線を用いるようになったことから派生している。油彩であればキャンバスという支持体がなくては線は存在し得ないが、その依存性から線を開放して見せたのがネオンの線描ということになるだろう。ネオン管に満たされたガスの中を流れる電子がネオンの原子とぶつかり合うことで赤く発色する。本作は「grow」と名付けられている。育つ、あるいは伸びる、という流動的なニュアンスを持つこの言葉には、ネオン管の中で原始生命のように流動し循環する粒子と、自らの作品の線に表れる『プリミティブ』を重ね合わせているだろう。
Medium: neon light
Dimensions: 45 x 20 x 20 cm (17 3/4 x 7 7/8 in.)
Acquired from Lurf Museum, 2023
展示会履歴
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- 2023年 Art Collaboration Kyoto
https://a-c-k.jp/
- 2023年 Art Collaboration Kyoto
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heart and heads
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Year: 2022本作は、美術評論家・キュレーターの南條史生が主宰するアートスペースN&A Art SITEにおいて開催された個展「line & colors」において発表された。川内の作品において明らかな特徴である線と色彩に対して、南條は線を精神、色を肉体であると解して、両者の対立的な関係が止揚されることで作品へ昇華されていると極めて端的に評定している。本作において、巨大な上半身が心臓を抱き抱えるような描写がダイナミックな線によって表現されている。人物を取り囲むように獣と人の頭部が連鎖して描かれているが、それは人間性の影に潜む獣性を思わせる。色彩は圧倒的な質量を伴った赤を基調としており、それはまさに肉体の表象としてである。精神とは肉体という物質性に対して形而上における人間の本質をいう。川内は食べ、消化し、排泄することによって生きるという根本的な生命維持活動に対する疑義を抱えて生きてきており、この疑義が川内の精神の少なくない領域を占めていることこそが作品制作の動機に他ならない。しかしその精神性は肉体を苛む矛盾を孕んでしまう。南條はアガンベンを引用して川内の内なる相剋を愛と評したが、それは同じくアガンベンの「剥き出しの生(zoe)」を念頭においてのことであっただろう。社会的に生きるのではない。ヒトという動物としての純然たる生に向き合い、抵抗し続けてきた川内だから描くことのできる精神と肉体の絵画がここにある。
Medium: oil on canvas
Dimensions: 227.3 x 227.3 cm (89 1/2 x 89 1/2 in.)
Acquired from N&A Art SITE, 2023
展示会履歴
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- 2023年 Art Collaboration Kyoto
https://a-c-k.jp/
- 2023年 Art Collaboration Kyoto